Guennadi Vassilievitch Ioudine, le plus important bibliophile de la Russie Impériale 

Guennadi Ioudine (1840-1912), est né dans un village près d’Ekaterinbourg district de Tara, où son père Vassily Sergueïevich Ioudin travaillé à l’usine Catherine à divers postes de 1827 à 1840. Après la naissance de leur fils, la famille déménage en 1847 dans la ville provinciale de Tobolsk. En 1856, le jeune Guennadi est diplômé du Gymnase de Tobolsk. Dès l’âge de 12 ans, il a travaillé dans le service public de taxe de consommation d’alcool. Il était pour l’auto-éducation: il a étudié l’allemand et le français, s’est abonné à des périodiques, a collecté des livres, a mené une longue correspondance avec des parents, des amis et des collègues. Grâce la correspondance, il a appris à faire des copies de toutes les lettres, qu’ il reliait dans des livres séparés. Malheureusement les futures archives uniques de Ioudin ont été jetées. Lorsqu’il était à Krasnoïask pour affaires, il se rendait au théâtre dramatique de la ville presque tous les jours .

En 1863, il ouvrit sa propre entreprise commerciale. Le capital initial était de 600 roubles. D’abord, il s’est enrôlé dans les marchands temporaires d’Achinsk, puis dans la II° guilde de Minusinsk, il a ouvert un entrepôt de gros et a commencé à commercer du vin. Il faisait également commerce de rhum, de liqueurs, de cognac citron, orange, absinthe, anis et d’autres alcools comme la vodka.

Étiquette  pour le vin de table de G.B. Ioudin

En 1866, il épousa Evguenia Mikhailovna Nigritskaia, agée de dix-sept ans, fille de petite-bourgeoisie de la ville de Tomsk, petite-fille d’un prêtre, originaire du village de Karaulno-Ostrozhenskoie, Novosyolovskaia volost, district d’Achinsk.

Evguenia Mikhailovna Ioudina née Nigritskaia

Il voyage au Moyen-Orient de 1869 à 1870, il a acheté des collections qui comprenaient des éditions russes uniques du XVIIe, «Polydor» de M.V. Lomonosov, « Voyage de Saint Pétersbourg à Mocou » de A.N. Radischev , la première édition « Le laïc de la Campagne d’Igor ». Il acheta des manuscrits (dont il possédait jusqu’à un demi-million) relatifs à l’exploration de la Sibérie : cartes de la Sibérie, rapports du “Russian Columbus”, ainsi que des manuscrits de N.P. Rezanov, G.I. Chelikov relatifs à la colonisation de l’Amérique par les Russes et l’Extrème-Orient….

La Datcha de Guennadi Vassilievitch Ioulin, vue sur le fleuve Ienisseï

Chaque année, il souscrivait jusqu’à 100 titres de journaux et magazines, il collectionnait des livres, diverses publicités imprimées, des télégrammes, des affiches et même des billets de théâtre, sans parler des manuscrits et des journaux intimes. En 1884 à sa datcha de Tarakanova sur la colline Afontova à Krasnoïarsk, il fait  construire un bâtiment en bois spécial, où les murs n’étaient pas enduits pour que les livres puissent «respirer», et des armoires en verre spéciales furent fabriquées. Une pièce spéciale a été allouée au service bibliographique, il y avait des boîtes de catalogue et des publications de référence, des bibliographes expérimentés ont été embauchés pour procéder à la systématisation de ses archives historiques.

Lors de la construction des fondations du bâtiment, les ouvriers ont découvert un ancien site funéraire, avec des objets datant de l’âge de Fer. En 1892, I. T. Savenkov a présenté les résultats de ses recherches archéologiques aux participants du congrès anthropologique international de Moscou. La colline Afontova est devenue mondialement connue.

 Bâtiment de la bibliothèque de G. V. Ioudin

Il avait une chance insolente qui lui a fait gagné par deux fois à la loterie, d’abord 200 000 roubles , puis 75 000 de roubles. Grâce à quoi, à la fin de 1870, il construisit une distillerie Leonidov (du nom de son fils) près de Balakhta; puis il fit l’acquisition de mines d’or dans les districts d’Achinsk, Minusinsk et Ieniseï. Avec K.S. Kouritsyn, il a fondé la société d’exploitation aurifère Osinovskaia.

Affiche de l’Exposition Universelle de Vienne 1873

Il vécut de 1873 à 1874, à Saint Pétersbourg. En 1873, il est à Vienne pour visiter l’Exposition universelle. Avant de déménager à Krasnoïarsk en 1877,  Ioudin dépensait 200 à 300 roubles par an en livres, le coût total de la bibliothèque était d’environ 3 millions de roubles. En novembre 1881, il acheva la construction de sa distillerie. En 1889, il se rend à l’Exposition Universelle de Paris. Au printemps 1897, il reçoit la visite de Vladimir Ilitch Oulianov (Lénine), Ioudin a chaleureusement salué Oulianov et l’a invité à lui montrer la bibliothèque et à l’utiliser comme il le souhaite. En 1898 le coût de la bibliothèque s’élevait à 126 975 roubles. À la fin de 1905 la bibliothèque de Ioudin comprenait plus de 81 000 volumes. Il y avait de nombreuses éditions rares dans sa bibliothèque. Mais sa caractéristique résidait toujours dans sa polyvalence. Il a publié de nombreux livres sous le pseudonyme Yeniseïski. Par exemple, en 1893, un tirage de 2 550 exemplaires du livre du médecin de Kiev MN Pargamin “Le monde sexuel des hommes et des femmes selon l’anatomie, la physiologie et la pathologie”. Ioudin a dépensé plus de 25 mille roubles pour la publication du livre de référence “Livres russes” de S. A. Vengerov. Ils voulaient y donner une description de tous les livres russes publiés en Russie de 1708 à 1893.

Emblème de la Bibliothèque privée de G.V. Ioudin

En 1898 il pensait déjà vendre sa bibliothèque et en 1906, il s’y décida en raison d’une maladie évolutive et de peur de la perte de la bibliothèque en raison du début de la révolution en Russie, il fut contraint de vendre sa collection de livres. Il a mis plusieurs annonces dans les journaux pour vendre la bibliothèque, en particulier, dans le Washington Post, il indiquait également son prix : 250 mille roubles (3,1 millions de dollars d’aujourd’hui) bien inférieur à sa valeur réelle. Par l’intermédiaire de la Bibliothèque publique de Saint Pétersbourg, il s’adressa directement au tsar Nicolas II avec une proposition de lui vendre sa bibliothèque pour seulement 150 000 roubles. Le tsar rejeta la proposition en raison du manque de fond.
Une offre d’achat est venue du chef du département slave de la Bibliothèque du Congrès américain – l’émigrant A.B. Babine. A ses risques et périls, au nom du Congrès, Babine a offert 100 000 roubles (40 000 dollars). Initialement, Ioudin refusa l’offre, mais après de longues négociations  un accord final fut signé le 3 novembre 1907. En février 1908, le déménagement de la bibliothèque s’effectue tout d’abord dans des attelages jusqu’à la gare, puis dans cinq wagons de trains de marchandises, soit un total de 50 tonnes comprenant  81000 livres, des documents imprimés jusqu’à 4000 exemplaires, des éditions jusqu’à 1 800 unités, un index de cartes manuscrites, etc. Première étape Hambourg et trois mois plus tard aux Etats-Unis livraison à Washington.
Environ 4 000 anciens livres russes de la collection Ioudine des XVIe – XVIIIe siècles sont dans le département des rares éditions de la bibliothèque. On trouve en autre l’un des exemplaires de “L’Apôtre” de 1564 – le premier livre imprimé russe comportant une date de sortie. Il s’agit d’un livre destiné aux services religieux qui présente une partie du Nouveau Testament. Une autre rareté est “L’Ostrog” de 1580 (qui fait également partie du Nouveau Testament). Le code des lois russes “Oulojenié” de 1649 est également conservé à la bibliothèque du Congrès.

Bibliothèque du Congrès, Washington, États-Unis.

La collection a été étudiée pendant deux ans. La collection de Guennadine Ioudin est devenue la base de la section slave de la Bibliothèque du Congrès américain de Washington. La collection n’a pas survécu dans son intégralité. Certains des livres ont été vendus, certains ont été donnés à des bibliothèques universitaires. Ioudin a recommencé à collectionner des livres. La seconde bibliothèque était plus petite que la première, mais comprenait de nombreuses éditions rares. En 1911, 3, 8 tonnes de documents liés à l’histoire du commerce de Kiakhta. En 1912, il a acquis les archives du journaliste de Nerchinsk I.V. Bagaschev.  Par la suite, les archives se sont avérées dispersées et pour la plupart perdues. Ioudin avait l’intention d’utiliser les archives de Bagashev lors de la publication de la revue Sibirskaya Starina.

La seconde bibliothèque a été nationalisée en 1921. Elle fut placé dans le dépôt central de livres de Ienisseï, en 1920, les travaux de classification, le catalogage des livres, des mesures ont été prises pour préserver la bibliothèque dans son ensemble comme une précieuse collection bibliophile. La bibliothèque comptait plus de 10 000 volumes. Le dépôt de livres a été fermé au bout de 2 ans. La collection de livres et de peintures érotiques de Ioudin était d’une grande valeur, principalement en français, il y avait environ 400 articles. Cependant, près d’un quart de cette collection ont disparus sous la direction de Tikhonov, qui a pris des exemplaires rares et coûteux du dépôt de livres et les a distribués à des amis.

Les livres de Ioudin, ainsi que des dizaines de milliers d’autres publications, sont devenus les fonds du musée de la région de Ioudin, mais le travail de classification et de catalogage s’est arrété. Les œuvres préservées gisaient dans les sous-sols du musée jusqu’en 1935 et furent transférés à la Bibliothèque régionale ; L’analyse de la collection a duré 4 ans.
En 1939, à l’initiative du poète S.N. Markov, les restes de la bibliothèque et des archives de G.V. Iudin on été retrouvés dans les sous sol d’une église.

Nikolaï Petrovitch Rezanov et l’amiral Ivan Fedorovitch Kruzenshtern

Un certain nombre de manuscrits rares ont été consacrés à la description du premier voyage de navires russes à travers le monde sous le commandement de N.P. Rezanov (1764 – 1807)  et de l’amiral I.F. Kruzenschtern (1770–1846) . L’inventaire des papiers d’affaires de Rezanov , décédé en 1807 à Krasnoïarsk à son retour d’un tour du monde, était particulièrement précieux .

Gennadi Vasilievitch Ioudin vers la fin de sa vie

Il a survécu à la mort de ses fils:  Mikhail , 16 ans, et Vassily, 27 ans. Il est meurt le 17 mars 1912 à Krasnoïarsk et a été enterré au cimetière de la Trinité.  

Au 1er janvier 2001, la collection de Guennady Vassilievitch Ioudin ne comptait plus que de 9 761 articles, dont plus de 1 600 volumes de périodiques et 143 livres en français, allemand, anglais, latin, polonais, serbo-croate et dans d’autres langues.

Créateur d’un monument architectural unique,

le Sauveur à Sang Versé

Alfred Alexandrovich Parland (1842-1919) 

Alfred Alexandrovich Parland a été injustement oublié, une première exposition en Russie en 2019, lui a été entièrement consacrée,  à sa vie et à son œuvre, celle d’un véritable artiste de l’architecture, qui s’est réalisé dans divers domaines.

Exposition intitulée  “Pour la première fois, Parland” , l’exposition a présenté des œuvres scientifiques créées par Parland, qui n’ont pas perdu de leur pertinence aujourd’hui. Ainsi, selon son livre “Les temples de la Grèce antique”, publié en 1890 sur la base des documents de ses conférences à l’Académie impériale des arts, des étudiants des départements d’architecture étudient toujours, des plans architecturaux des musées de Saint-Pétersbourg, pour lesquels des dizaines de bâtiments ont été construits dans tout l’empire russe, y compris la célèbre église Saint-Pétersbourg du Sauveur sur le Sang Versé.

 L’exposition s’est déroulée au musée de la recherche de l’Académie des arts de Russie.

Alfred Alexandrovich Parland – architecte,  Le père du futur architecte John Parland est venu en Russie d’Écosse à la fin du XVIIIe siècle et est devenu professeur d’anglais de  la famille de l’empereur Paul Ier. Alfred a étudié au lycée de Saint-Pétersbourg (4ème Gymnase), puis à l’école polytechnique de Stuttgart.   De confession luthérienne, il se spécialisa dans l’architecture sacrée de style histororicide et surtout néo-bysantin, enseignant et archéologue russe. Il a étudié l’architecture à l’Académie Impériale des Arts de Saint Petersbourg, ses succès en dessin et en architecture lui ont valu cinq médailles.

Immédiatement après l’obtention de son diplôme,  en 1871, il fut chargé de la construction de l’église de la Résurrection du Christ dans le désert de la Trinité-Serge dans le style byzantin. Les travaux sur la cathédrale de la Résurrection du Christ “sur le sang versé” ont rendu la gloire célèbre à Parland – ils ont commencé en 1883 et n’ont pris fin qu’en 1907.

Dessin du futur temple (projet) avant de finaliser le projet par l’architecte Parland, 1883

Le projet a été exécuté dans le «style russe» avec l’imitation de la cathédrale Saint-Basile à Moscou. Situé dans le centre historique de Saint-Pétersbourg, sur les rives du canal Griboïédov, près du jardin Mikhailovsky et de la place Konyushennaya.

Alexandre III voulait que le temple soit construit sur «des principes primordialement russes». Le concours a été remporté par le projet conjoint de Parland et de l’abbé de l’ermitage de la Trinité-Sergius, l’archimandrite Ignatius. Archimandrite Ignatius (dans le monde – I.V. Malyshev) était dans le passé étudiant à l’Académie des Arts. AA Parland a écrit: «Le projet de l’Église de la Résurrection, qui a été approuvé par le Très Haut de Gatchina le 1er mai 1887, a été élaboré par moi sous la direction de Sa Majesté dans le style de l’époque des tsars de Moscou du XVIIe siècle. Des exemples remarquables de cette époque sont l’église Saint-Basile le Bienheureux à Moscou et tout un groupe d’églises à Yaroslavl, Rostov, etc. Étudier ces merveilleux monuments de l’antiquité russe, en essayant de percevoir non seulement avec l’esprit, mais aussi avec le cœur ces voies et méthodes, les moyens utilisés par les architectes de cette époque essayer, dans la mesure du possible, de comprendre le secret de leur travail...”

Parland a abandonné l’habituel fondation de pieux de Saint-Pétersbourg sous la fondation, les remplaçant par une base en argile dur.
Pour empêcher la pénétration des eaux souterraines et des eaux du canal, une enceinte d’argile a été érigée le long du périmètre du bâtiment. Il se composait de deux, et du côté du canal, de trois rangées de rainures dont l’espace entre les deux était rempli d’argile dur.

 La construction a nécessité le réaménagement de tout le territoire adjacent au bâtiment. En conséquence, un trottoir a été créée autour du temple. Les côtés sud, est et nord de la place étaient décorés d’une clôture en forme d’arc, conçue par Parland. La clôture se composait de 52 maillons aux motifs floraux stylisés. Une partie de la clôture a survécu à ce jour et avec l’église de la résurrection du Christ (“Sauveur sur le sang versé”) est un lieu incontournable pour les touristes et les invités de Saint-Pétersbourg.

La hauteur de l’église à neuf dômes est de 81 m, sa capacité est de 1600 personnes. C’est un musée et un monument de l’architecture russe.

Rappelons qu’en 2017, l’ église du Sauveur sur le sang a commencé à être restaurée . Le coût de la première étape, à savoir la restauration des structures de soutien, a été estimé à 38,4 millions de roubles, dont près de 6,5 millions provenaient de fonds extrabudgétaires. Aux termes du deuxième appel d’offres, le gagnant devra effectuer des travaux de restauration dans la partie centrale du bâtiment, réparer le toit et le dôme.

Les Écuries impériales de Peterhof.

Vue d’ensemble des Ecuries, avec le parc et au fond le palais de Peterhof

Jusqu’au milieu du 18e siècle, les chevaux des dirigeants russes vivaient assez modestement.

Ainsi, sous Pierre le Grand en 1723, une écurie en bois leur fut construite à Petrhof, où ils furent abrités jusqu’au milieu du XVIIIe siècle

Les chevaux pur-sang étaient très appréciés dans la Russie tsariste: ils participaient à des courses, accompagnaient leurs propriétaires dans des campagnes militaires, étaient les amis et les associés les plus fidèles. Pour un bon trotteur, on pouvait tout à fait le négocier, contre un domaine entier. Comment vivaient les chevaux de selle de Sa Majesté Impériale?

 L’ensemble des bâtiments de style néo-gothique a été érigé par l’architecte Nicolas Benois (1813-1898) et ressemble à un château médiéval. Plus de 300 chevaux impériaux y étaient logés, le personnel à leur service, la sellerie, les forges, les calèches et autres services ménagers y étaient installés.

Nicolas Ier a décidé que les chevaux de la Cour devraient vivre comme des rois et a chargé l’architecte Nicolas Benois de créer des écuries en pierre pour eux.

Et bien que le nom “écuries en pierre” paraisse très modeste, l’empereur a ordonné de construire des logements décents pour les chevaux. Des écuries ont été ajoutées à la carte de Peterhof ( palais, parc et embarcadère ) au milieu du 19e siècle.  C’est selon l’idée de Nicolas Benois que les écuries impériales se sont transformées en un véritable palais.

La préparation du terrain a commencé en 1847: pour la construction de la structure projetée, 8 bâtiments qui s’y trouvaient déjà ont dû être démolis. Les travaux de construction proprement dits débutèrent en 1848 et durèrent plusieurs années. En 1855, la construction presque terminée a été interrompue par le déclenchement de la guerre de Crimée. Benois n’a pas eu le temps de mettre en œuvre toutes ses idées, car l’armée avait besoin de fonds publics. Cependant, le paysage de Peterhof a néanmoins été décoré d’une structure de grande taille réalisée dans le style gothique.

La guerre de Crimée a donc apporté ses propres ajustements à la construction du complexe. Les autres plans de Benois comprenaient:

• La construction d’une piscine pour chevaux
• La décoration du manège avec une sculpture des chevaux de Peter Klodt
• L’installation d’une horloge avec une cloche sur la tour centrale.

La taille du bâtiment permettait d’y héberger 328 chevaux. De plus, il y avait un manège dans les murs du complexe, un personnel responsable des chevaux y travaillait et les ouvriers vivaient dans des bâtiments spécialement construits à leur intention. De nombreux bâtiments résidentiels ont été érigés dans la cour du bâtiment. Il y avait un fenil, une sellerie, un atelier de maréchaux ferrants, des salles de voitures à chevaux et une clinique vétérinaire.

Avant la Première Guerre mondiale, les écuries du palais étaient utilisées aux fins prévues. Après le changement de pouvoir, ils ont été transformés en institutions publiques à diverses époques, un sanatorium et un hôpital, et à un autre moment, une auberge. Après cela, ce complexe a été occupé par un sanatorium soviétique pendant de nombreuses années.

La construction débuta le 18 juillet 1848 sur le site des anciennes écuries en bois. 224 maçons ont participé à la construction de la grande structure en pierre. Le 2 juillet 1855, la construction du complexe est achevée.

Selon le projet de Nicolas Benois, les ouvriers de chaque profession du complexe, devaient fournir leurs propres meubles et objets de travail, par exemple, le mobilier pour un forgeron étaient différents de celui du sellier. Des chaises, des armoires et des tables ont été commandées, mais à la fin de la construction, le mobilier n’a pas été livré à temps, en conséquence, les chevaux n’ont pas pu être logés dans les nouveaux locaux dans les temps et la pendaison de crémaillère a été reportée à une date ultérieure.

Les écuries impériales ressemblent à un château médiéval gothique avec neuf tours crénelées, et ont la forme d’un trapèze irrégulier, divisé par les bâtiments intérieurs répartis en quatre cours.

À l’intérieur de la cour des écuries ont été construits, des salles de stockage pour le fourrage, une forge et un hôpital vétérinaire, un grenier à foin et une remise.

Des pièces en fonte coulées à l’usine Byrd de Saint-Pétersbourg ont été utilisées comme décorations pour les bâtiments. Les armoiries de Peterhof ont été installées sur les façades des tours et du manège, des bâtiments résidentiels et au-dessus des portes des écuries.

Sur l’ensemble du complexe vivaient et travaillaient des palefreniers, des maréchaux ferrants, des selliers (maîtres de harnais) et des cavaliers (vétérinaires), ainsi que d’autres professions. Ils vivaient tous dans deux immeubles résidentiels, dans des tours et dans des chambres à côté de leurs ateliers.

Benois a conçu le complexe pour que le travailleur puisse se rendre à n’importe quel endroit dans les plus brefs délais, et en plus, il y avait un maximum de confort pour les personnes et les chevaux. Dans les écuries, les chevaux se tenaient dans des stalles, c’étaient les seules pièces où il n’y avait pas de poêle, pour éviter les incendies.

Dans toutes les pièces, Nicolas Benois a prévu de grandes fenêtres, de sorte que la lumière inondait le manège et afin que les pièces d’habitation n’aient pas à être illuminées avant la tombée de la nuit. Toutes les pièces étaient alors éclairées par des brûleurs à gaz. Les seuls que Benois ait privé de lumière étaient les maréchaux ferrants, pour lesquels il avait fabriqué une fenêtre quatre fois plus petite et moins belle que pour les ouvriers des autres professions.

Le manège couvert a été construit, pour entraîner les chevaux, dans lequel, sans sortir, ils s’exerçaient et se détendaient.

Contrairement à d’autres locaux, cette partie des écuries impériales est bien conservée. Et bien que maintenant, bien sûr, il n’y ait ni sciure ni sable ici, il n’est pas difficile d’imaginer ce qu’était l’arène à cette époque. C’était un haut bâtiment rectangulaire, à une extrémité duquel il y avait un pré-manège, où les harnachements pour les chevaux étaient conservées et ensuite ils étaient emmenés sur la piste .

Du même côté, il y avait des galeries pour les invités et les musiciens. Pendant l’entraînement, une fanfare jouait et ainsi, les chevaux se sont habitués à la musique forte et aux instruments étincelants, et les invités regardaient les chevaux et écoutaient la musique.

De l’autre côté, il y avait un lit pour l’empereur, qui non seulement surveillait les progrès de l’entraînement, mais donnait également des ordres.

Les écuries elles-mêmes étaient situées des deux côtés du manège

Les informations sur le nombre d’employés n’ont pas été conservées, mais on sait que le complexe a été conçu pour 328 chevaux nombre constamment entretenu.

Il convient de noter que les chevaux étaient respectés ici et que les vieux animaux n’étaient pas abattus, mais envoyés au Corps de pension à Tsarskoïe Selo, où ils finissaient leur vie en coulant des jours heureux.

Cimetière des équidés vétérans à Tsarskoïe Selo, où se trouve «Lami», le cheval d’Alexandre 1^er, «Fora» la jument de Nicolas 1^er, «Kob» le cheval d’Alexandre III et «Orel» l’ongre de Nicolas II, né en 1883. Il a servi sous les ordres de Nicolas Alexandrovitch de 1889 à 1890, il est mort en septembre 1911

Au cours des années, les écuries impériales ont été restaurées à plusieurs reprises, ce qui a permis de redonner l’apparence initiale à l’ensemble. Le magnifique plafond sculpté apparemment ajouré du manège couvert a été préservé. Il est fait de chêne des marais et de tilleul, s’intégrant parfaitement dans le style gothique du bâtiment.

Les écuries impériales ont été utilisées jusqu’à la Première Guerre mondiale. À ses débuts, en 1914, Nicolas II a déménagé à Tsarskpe Selo et le complexe e Peterhof a progressivement commencé à se détériorer.

Pendant la Première Guerre, un hôpital a été installé ici pendant un certain temps. Plus tard, lorsque la révolution a commencé, il n’y avait probablement pas de chevaux dans les écuries impériales, cela est démontré par le fait qu’une compagnie de motocyclistes se trouvait ici, alors appelés « scooters ». On pense que certains des chevaux pendant cette période difficile sont passés aux mains de l’Armée rouge ou des gardes blancs, et que les autres ont été mangés.

Après la révolution, jusqu’à la Seconde Guerre Mondiale, on installa une maison de repos dans les écuries impériales.

Pendant l’occupation, les Allemands ont utilisé une partie des locaux comme hôpital pour leurs soldats, grâce à quoi la structure historique a été préservée.

Soldat allemand gardant la grille

La Gestapo s’installe dans les sous-sols et les prisonniers soviétiques y sont également détenus.

Après la guerre, les locaux restants ont été fournis pour les citoyens soviétiques qui se sont retrouvés sans abri et, en fait, jusqu’en 1975, les écuries ont servi d’auberge.

Jusqu’en 2013, le sanatorium de Petrodvorets fonctionnait dans les bâtiments des écuries impériales, où l’eau minérale des sources voisines était utilisée pour soigner les curistes.

Chaque pièce de l’ancien bâtiment avait trouvé une utilisation:

• Le manège abritait une salle à manger
• L’une des anciennes écuries a été utilisée pendant un certain temps comme cinéma, l’autre comme salle de concert
• Il y avait une bibliothèque dans la forge
• Il y avait une administration dans la sellerie.

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Les écuries sont situées à Peterhof. Ils sont encadrés par l’avenue Saint-Pétersbourg et l’autoroute Alexandriiskoye.

Adresse exacte: autoroute Alexandriiskoe, Peterhof, Saint-Pétersbourg.

Le moyen le plus pratique pour se rendre de Saint-Pétersbourg à Peterhof est les transports en commun. D’abord à la station de métro Avtovo. Ensuite, après avoir traversé le passage piéton souterrain de l’avenue Stachek, prenez les bus ou les taxis à itinéraire fixe pendant 40 minutes

Train: de Saint Petersbourg gare Baltique à la gare “New Peterhof”.

Autobus:  201 ou 278 jusqu’à l’arrêt «Museum Palace Telegraph Station».

À pied: marchez environ 6 minutes le long de l’avenue Saint-Pétersbourg jusqu’à l’entrée des écuries.

L’hymne de la Résistance française

” Le Chant des partisans”

Anna Marly (1917-2006)

Yoshka Nemeth

(Budapest, 1921 – Paris, 10 août 1965)

Construire-obtenir sur le violon la carène  .
nommé comme le nom du navire.
Ce violon se rendra chez le violoniste miraculeux,
Will tombera à son épaule brûlante.
 “Attends,” chuchote-t-il, “ma vie!”
Paganini nous jouons toi et moi!

Comme le violon, les gitans sont incomparables. Le violon chante et vibre comme une âme de bohémien! Le légendaire “prince gitan” Yoshka Nemeth est le plus célèbre violoniste tzigane du XXe siècle. Quel que soit le goût du goulasch hongrois, mais à l’époque où Yoshka Nemeth prenait le violon, et sans trop de fioritures, il commençait à jouer des czardas sur la scène d’un restaurant parisien, le public ne mangeait pas, mais écoutait le jeu d’un violoniste inspiré. Yoshka dirigeait superbement son orchestre et a toujours su rendre l’âme de son merveilleux instrument, envouter le public avec son chant.

Il a fait les délices des soirées parisiennes et à travers le monde, bien que non russe, il s’est approprié la culture musicale russe très jeune. On peut dire qu’il fait partie de la culture russe qu’il a su tellement bien rendre avec son violon, qui fit battre plus d’un cœur.

Josef (Yoshka) Nemeth (1921-1965) était un représentant héréditaire de la dynastie de violonistes et de cymbalistes tziganes célèbres, dont l’art est transmis depuis des siècles  de père en fils. Installé en France en 1935, originaire du petit village hongrois de Diosieno, Yoshka Nemet a parcouru le monde avec son violon, des milliers de kilomètres pour devenir un musicien de renommée mondiale, à la suite du rêve de son père, Sandor Nemeth.

Sandor Nemeth, qui a enregistré à la fin des années 1920 une brillante série de mélodies gitanes et d’enchantements sur les disques de Victor Records, était un violoniste de renom et maître d’un grand orchestre de gitans. Les gitans parlent de «Pirya na Paine, Gran sur Paruvel et Pe violon mastako te Bashawela» (Il n’étame pas les casseroles, il ne change pas de chevaux, mais il joue avec un violon). Il convient de noter qu’être à la tête d’un orchestre de gitans hongrois à cette époque était une affaire extraordinaire, qui ne se limitait pas à un chef d’orchestre et à d’autres sujets musicaux. Alors que les chefs de chœurs gitans russes du XIXe siècle dirigeaient la vie intérieure et le mode de vie de la chorale, les chefs des orchestres gitans jouissaient d’une autorité indéfectible parmi les gitans hongrois et roumains. Leur parole était une loi non seulement pour les musiciens – mais aussi pour les membres de leur famille. C’était une noblesse gitane !

Yoshka & Sonia Dimitriévitch

 Malheureusement, Sandor Nemeth est décédé subitement en 1931, dans la force de la vie et de la popularité. Yoshka, à cette époque, n’avait que 10 ans. Mais avant de quitter son fils, Sandor Németh s’est assuré de transmettre à Yoshka ses talents et son rêve, de glorifier son nom par la musique. La formation musicale de Yoshka a commencé de manière inhabituellement précoce, son père lui avait offert un violon à son troisième anniversaire. Au cours des sept années suivantes, le garçon a étudié la musique avec son père au lieu d’aller à l’école. Dès l’âge de cinq ans, Yoshka a déjà joué toutes les chansons gitanes et, à l’âge de sept ans, lorsqu’il a entendu un air des plus difficiles, il l’a immédiatement joué. Le jeune Yoshka Nemeth a passé l’examen de maîtrise  au studio d’enregistrement de la marque de disque Victor. Le jeune musicien n’a jamais eu de professeurs si ce n’est son père. Il n’a pas étudié dans les conservatoires. Enfant prodige, à neuf ans, Yoshka était déjà le deuxième violon de l’orchestre de son père, composé de vénérables virtuoses. Après la mort de son père et un an de deuil, à l’âge de 11 ans, le petit violoniste prodige Yoshka Nemeth a réuni son propre orchestre composé d’enfants gitans, qui possédaient des capacités musicales exceptionnelles.  Tous étaient des représentants d’anciennes familles de violonistes et de cymbalistes. La musique était dans leur sang ! Ces orchestres d’enfants en Hongrie s’appelaient Raiko.

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De jeunes musiciens en costumes nationaux colorés se sont produits dans des auberges, des foires et des fêtes. Yoshka était un petit prince gitan avec son propre orchestre ! Il a fait un grand voyage en Europe, perfectionnant partout son art. Sur la route, Yoshka a rassemblé des mélodies folkloriques locales roumaines, hongroises, gitanes. En Autriche, il s’est familiarisé avec la musique classique et les valses.

  Le plus jeune chef d’orchestre du monde. En 1935, Yoshka et ses 19 jeunes musiciens arrivent en France, où les orchestres gitans hongrois avaient déjà beaucoup de succès.

Esquisse d’une affiche .

À Paris, Yoshka et ses musiciens ont fait leurs débuts en tant que :

“Un camp de gitans de Budapest“.

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Annonce concert à Paris 1936

Au printemps 1936, Yoshka Nemeth et les 15 meilleurs musiciens de son orchestre sont invités à l’ouverture du café Hungaria à Paris sur les Champs-Élysées. Dans cette institution, organisée sur un pied d’égalité, il y avait un programme artistique grandiose avec la participation de stars invitées, ainsi qu’un programme musical avec la participation du public parisien, le chœur de gitans Ivan Dimitrievich, l’orchestre féminin Cecil Solas et le magnifique orchestre classique de Boris Stromberg. Parmi les virtuoses que Stromberg a pu réunir autour de lui, on peut citer le joueur de flûte, Giorgio, la cymbale Segedy et la chanteuse Margaret .

Dans une revue, un journaliste français a évoqué l’atmosphère du café Hungaria: «Les fresques sont très belles, qui recouvrent les murs représentant des paysages hongrois, du pachtou du désert, des forêts verdoyantes, des images de magnifiques chasses, des lacs poétiques. Des serveuses vêtues de robes colorées et luxuriantes joliment brodées, produisent l’effet le plus élégant. Nous pouvons voir des plats presque inconnus dans le menu du restaurant  le célèbre goulasch national, poulet rose au paprika, carpes hongroises, insolites fromages mélangés avec du beurre, du paprika, des herbes, des gâteaux aussi rares que le strudel.“

Mais ce qui séduit encore plus le journaliste, c’est l’apparition d’un orchestre gitan :  “Nous voyons des «enfants gitans» âgés de 10 à 17 ans, aux yeux sombres et nostalgiques, aux cheveux noirs, aux visages passionnés, qui, sous la direction de leur jeune chef Yoshka, languissants et ardents, nous ont montré toute la diversité et tout le charme de la musique hongroise. Quel classique, ces rhapsodies de Liszt ! – ou des mélodies populaires. Quelle âme ils ont mise dans ces exécutions !”

Les représentations en république hongroise ont fait du petit violoniste prodige un favori du public parisien, et ont apporté le premier succès sérieux à Yoshka Nemeth. Musicien de “pépites gitanes” de 16 ans. Dans un cabaret parisien, Yoshka Nemeth a entendu la musique des gitans russes. Comme vous le savez en Russie, les gitans ont choisi une guitare à sept cordes et la balalaïka, avec leur tempérament brûlant, ils en ont extrait des sons particulièrement sonores et uniques, alors que les gitans roumains et hongrois étaient des violonistes et des cymbalistes sans égal. Yoshka Nemeth s’est lié d’amitié avec la famille Dimitrievitch et Lida Goulesko.

Lida Goulesko avec Valia Dimitrievitch au Palata, Paris

Son père, Jean Goulesco, un favori de longue date de Saint Petersburg, un Turc apparemment triste a été fasciné par son violon qui chante littéralement. Yoshka était également proche du boxeur de célébrités gitanes parisiennes Theo Medino, de l’artiste Konstantin Nepo et du guitariste  Django Reinhart.

Django Reinhart.

Après avoir joué à l’Exposition universelle de Paris en 1937, le jeune virtuose du violon a acquis une grande renommée européenne. Les journaux ont écrit sur le jeune talent, le public est venu au restaurant pour entendre le violon d’un jeune gitan prodige. Yoshka a décidé de rester en permanence à Paris, la tête tournée vers le succès, il est devenu populaire et célèbre. Par la suite, le violoniste virtuose a déclaré à ses amis:

“Je suis resté vivre en France à cause des femmes, et j’ai appris la musique et l’amour très tôt”. Malheureusement, parlant du restaurant, Yoshka était accro à l’alcool très tôt et pour toute sa vie …

Au début des années 40, l’Orchestre Yoshka Nemeth jouait souvent en direct sur les ondes de la radio parisienne, jouait un rôle musical dans des productions théâtrales et des opérettes.

Un éditorialiste de l’hebdomadaire parisien Les Ondes: “Ce petit Yoshka à la peau sombre, aux yeux noirs et aux gestes vivants est un gypsy classique. C’est probablement pourquoi il a un violon dans la peau. Il ne joue pas “Il s’amuse avec une incroyable facilité.“

Au printemps 1941, Yoshka Nemeth et ses musiciens ont investi le cabaret L’AIGLON.

La célèbre chanteuse française Nila Cara a participé au même programme avec Yoshka.

Les journaux ont écrit: “Une douce symphonie à la française. Le bleu, le blanc et le rouge se marient ici au grand art. Le violoniste Yoshka, le magicien magique de la musique, est une mèche noire taillée dans le noir. Devant ses musiciens sensibles, sa silhouette se détache dans de grandes ombres, sa tête se penche en avant, sa joue passe devant l’instrument que ses doigts cuivrés grattent ou étreignent …

Le premier violon d’un cabaret parisien.

Dans les années 1940-1950. Yoshka Németh et son orchestre se sont produits dans les meilleurs cabarets parisiens, et régulièrement dans des complexes hôteliers et les casinos de Monte-Carlo,. Ils ont fait de nombreuses tournées avec succès en Europe, en Amérique et en Afrique du Nord.
En 1952, Yoshka Németh participa au tournage de la comédie française “Revel in the taverns” avec Louis de Funes.

Jean-Jacques Vital (1913-1977)

Sa rencontre avec le célèbre producteur français Jean-Jacques Vital a fait du violoniste Yoshka Nemeth “le musicien gitan numéro un“.  À partir du milieu des années 50, des dizaines d’enregistrements de l’Orchestre Yoshka Nemeth Gypsy ont été publiés sous le label français du “disque Festival”, et les disques 45 tours ont commencé à gagner en popularité auprès des débutants. Le répertoire des enregistrements de l’Orchestre Yoshka Nemeth était très large et varié, des valses classiques du XIXe siècle aux disques gitans Django Reindhart aux chansons à la mode de Charles Aznavour. Mais la place principale de son répertoire était occupée par la musique folklorique  des mélodies de gitans hongrois, roumains et russes.

En 1958, Yoshka Nemeth enregistra plusieurs disques avec les célèbres chanteuses tziganes Sonya Dimitrievitch et Lida Goulesko.

Sur le premier de ces disques – “Night in the House“, la voix du chanteur émigré russe Dmitry résonne également Usova, et sur le second,  “Chansons du folklore russe”, la reine de la chanson gitane” Sonya Dimitrievitch ” avec le chanteur-guitariste russe Georges Ivanov.

De plus, dans les années 50, Yoshka Nemeth et son orchestre ont enregistré pour la compagnie Pathé de superbes enregistrements de mélodies du folklore russe, hongrois, roumain et juif. Ils ont été publiés sur trois disques.

Yoshka Nemeth s’inquiétait passionnément des événements du soulèvement hongrois de 1956. Il réunit un grand orchestre et part en tournée en France, concerts  pour aider les réfugiés de Vegria. De plus, en 1956, Yoshka reçut le prestigieux prix de musique de l’Académie Charles Cros Academy pour sa performance de l’ Alouette.

Le 23 décembre 1959, Yoshka Nemeth joue avec son orchestre dans la populaire émission de musique française Discorama à la télévision ORTF (télévision française).

Dans les années 60, Yoshka Nemeth a créé un vaste ensemble de musique et de danse, où vous pouvez trouver tous les meilleurs musiciens gitans d’Europe. En 1961, Yoshka Nemeth et ses musiciens ont participé au tournage du film d’aventures “Le triomphe de Mikhail Strogov”, filmé par le réalisateur Viktor Turzhansky.

Au cours des dernières années, le musicien s’est produit dans

le cabaret La Camargue et dans le cabaret avec ses amis de longue date, Lida Goulesco et Gypsies Dimitrievich.

Yosch Nemet & Lida Goulesco

À Paris, dans un cabaret ou lors de tournées à l’étranger, il a joué différents styles de musique, du classique au jazz, mais était particulièrement doué pour le folklore gitan. Grâce à ses capacités techniques et à son incroyable virtuosité, Yoshka Nemeth a extrait des sons incomparables de son instrument.

Dans les enregistrements, l’Orchestre Yoshka Nemeth enchante par son jeu vif et expressif. Le violon dirige une merveilleuse ligne mélodique indépendante hypnotique, elle pleure, rit et se précipite sur les rythmes cahoteux du monstre.
Yoshka Nemeth parlait couramment dix langues, à l’exception du violon. C’était un excellent cymbaliste, il était marié quatre fois et avait quatre enfants, mais aucun d’entre eux n’a perpétué l’ancienne tradition des musiciens gitans.

Il quitta la scène des plus salles du monde et des cabarets le 10 août 1965. Une aura de romance tzigane l’entoura, au cours de ses funérailles, quelque chose d’extraordinaire se produisit, tout le monde artistique de Paris, bien que ce soit pendant les vacances, qu’ils soient tsiganes ou non,  vint avec la permission de l’archevêque de Paris et lui fit un adieu très spécial -“ Gloire et reconnaissance éternelle” . À l’église Saint-Pierre du Gros-Caillou, Bach et Haendel jouaient du violon et de la guitare. Puis au cimetière russe de Saint Geneviève de Bois, devant la tombe ouverte, les musiciens de l’orchestre Mirco Lajos ont joué «Gypsy» pour lui. De plus, les nouvelles télévisées de cette époque diffusaient cet événement.

Tombe de Yoshka Nemeth au cimetière russe de Saint Geneviève des Bois (Essonne).

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VOYAGE DE 4 JOURS A YALTA EN CRIMEE

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La Crimée : quelle région du monde voit son nom aussi souvent évoqué dans l’actualité internationale – et dans l’histoire de ces derniers siècles – tout en étant si mal connue des commentateurs occidentaux, si peu visitée par ceux qui en parlent ?

J’ai eu la chance de retourner en Crimée pour la seconde fois cette année en décembre après avoir été invité une première fois à Sébastopol au mois d’avril dans le cadre du Festival du Cinéma Documentaire, et de pouvoir apporter ainsi un témoignage personnel.

Mon voyage en Crimée a commencé à Simferopol. L’avion a atterri à 20 heures dans un aéroport impressionnant, mis en service fin mars 2018, qui n’a rien à envier à ses équivalents internationaux que je connais, alors que la Crimée ne compte que 2,5 millions d’habitants.

J’ai parcouru la centaine de kilomètres qui séparent Simferopol de Yalta sous de fortes chutes de neige. Mais à environ 15 km avant d’arriver à Yalta, le ciel s’est éclairci. Et soudain cette ville m’est apparue comme une oasis après ce voyage mouvementé.

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En la découvrant à flanc de coteaux, j’ai compris pourquoi on appelait Yalta « la petite Nice » avant la révolution russe, d’autant plus que les enseignes des magasins étaient en français !

Une jeune femme prénommée Anna, m’a accueilli à mon arrivée à l’hôtel. Elle possède ce charme et cette beauté russe indéfinissables, une sorte de luminosité dans le visage que j’appelle « l’âme russe ». Son rôle : organiser le voyage, faire office d’interprète en anglais et être notre guide.

Le lendemain nous sommes partis en formant un groupe de sept journalistes européens, accompagnés de trois jeunes femmes guides-interprètes pour une visite de Yalta. Avec trois étapes majeures dans cette balade touristique.

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Palais-musée de Livadia, construit en 1911 par l’architecte Krasnov, selon les souhaits du Tsar Nicolas II, par l’architecte Krasnov qui a émigré dans les années 20 à Belgrade (Royaume de Yougoslavie) où il a accompli une carrière exceptionnelle en construisant dans le centre historique de magnifiques immeubles et autres palais administratifs qui participent aujourd’hui encore magnifiquement à la beauté de cette ville.

Krasnov

Ce superbe palais avait été équipé d’un ascenseur et de l’électricité dès sa construction.

Staline a choisi ce lieu somptueux pour la conférence de Yalta en 1945 avec Roosevelt et Churchill (dans la mémoire collective, selon les historiens, le « partage du monde » y a été organisé).

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Nous avons été reçus par la directrice du musée et avons assisté à une conférence avant de visiter ce palais pendant plus de 2 heures.

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Palais-musée d’Aloupka, construit selon les vœux du Prince Vorontzov en 1851.

Palais-musée d’Aloupka, face nord.

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Ce palais insolite arbore une architecture très originale mêlant style anglais gothique tardif (façade nord) et style oriental (façade sud). A l’intérieur, nous avons visité une partie des 150 pièces dont la décoration est très influencée par le style anglais.

Palais-musée d’Aloupka, face sud

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Autour de ce palais un parc immense avec des terrasses, des lacs, des fontaines et des escaliers majestueux en harmonie avec la nature environnante. La famille Vorontsov a fait construire ce château à l’anglaise car elle vouait une immense admiration à la famille Tudor et à l’Angleterre.

Et c’est dans ce palais que Winston Churchill a tout naturellement logé en 1945 lors de la Conférence de Yalta, la décoration lui étant très certainement familière…

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Maison d’Anton Tchekhov, que nous avons visitée en fin de journée. Cette maison construite en 1896, dans laquelle l’écrivain a passé ses quatre dernières années avec sa sœur et sa mère, est assez extraordinaire, on y découvre le mobilier et la vaisselle d’origine.

Anton Tchekhov (1860-1904)

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Une immense salle a été construite à coté, qui constitue le musée Tchekhov avec des milliers de photos de l’écrivain et un espace où sont organisées des conférences.

Bureau et bibliothèque d’Anton Tchekhov

Le lendemain matin nous avons visité le Palais des Khan (Tvor-Khan) dans la ville de Bakhtchyssaraï, palais érigé au milieu du 16ème siècle, mais reconstruit plusieurs fois au fil des divers évènements vécus par la Crimée.

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Il fut la résidence de tous les Khan de Crimée jusqu’à la fin du 18ème siècle et a donné le nom à la ville de Bakhtchyssaraï, qui signifie en turc et en tatare « le palais dans le jardin » .Il est aujourd’hui un musée consacré à la période du Khanat.

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L’après-midi fut consacré au monastère des Cavernes de l’Assomption (monastères du faubourg de Bakhtchyssaraï), l’un des plus anciens monastères de Crimée, fondé à la fin du 8ème siècle par des moines et des laïcs persécutés ayant fui Byzance.

A la fin du 15ème siècle, le monastère est devenu la résidence du Métropolite du diocèse des Goths, le cœur de l’orthodoxie de Crimée, à proximité de la capitale du Khanat de la Crimée. Les Musulmans respectaient ce monastère.

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Pour conclure sur mes impressions concernant la vocation touristiques de cette région, je dirai que la Crimée dispose d’une grande richesse naturelle avec des paysages qui n’ont rien à envier à la Toscane italienne ou à la Provence française, qu’on y découvre de nombreux sites historiques et… qu’elle est totalement méconnue des occidentaux ! Bref elle m’apparaît comme une région magnifique, qui possède de surcroit une belle infrastructure hôtelière et de très belles plages. Chaque année, environ 5 millions de touristes, en majorité russes ou de l’ex-empire soviétique, visitent la Crimée.

La situation politique actuelle m’a évidemment conduit à interroger de nombreuses personnes que j’ai croisées (employés d’hôtel, de musées, passants…) d’origines tatare ou Criméens à qui je demandais comment ils se considéraient depuis le retour de la Crimée au sein de la Russie. Environ 95% des personnes interrogées me répondaient se sentir Russes ou Russes de Crimée, voire Criméens-Russes. Dans les années 90, ils avaient reçu un passeport ukrainien mais ne comprenaient pas bien pourquoi, tout en se sentant « frères »… Chez les Tatares, les réponses étaient plus mitigées et ils répondaient en majorité « ni Russe, ni Ukrainien », mais « Tatare de Crimée » et quelques-uns rêvaient de revenir à une nation tatare.

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Le lendemain, nous partons à Simferopol pour rencontrer quelques ministres au Palais du gouvernement de Crimée situé dans une immense bâtisse donnant sur une gigantesque place au centre de laquelle trône une statue en bronze de Lénine ( j’avoue que j’aurais préféré y voir une statue de Catherine II).

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A l’intérieur du palais du gouvernement, nous longeons de très longs couloirs et croisons des jeunes hommes et des jeunes femmes qui passent d’un bureau à l’autre en nous saluant avec de larges sourires (et dire qu’en France on entend souvent dire que les Russes ne sourient jamais !). D’ailleurs, en occident, nous avons généralement un préjugé d’austérité quant à l’image de ce genre de bâtiments, alors qu’au contraire, il s’en dégage en les fréquentant une ambiance joyeuse et conviviale… surtout quand nous croisons de jolies femmes en tailleurs ou en robes colorées qui nous saluent, toujours avec de larges sourires.

Nous allons ensuite dans une salle genre salle de cinéma et les journalistes et moi-même sommes installés sur une estrade dans des fauteuils. Chacun de nous est interviewé par la chaîne de TV « Rossia 1 » ; on nous demande au cours d’un enregistrement de 52 minutes de partager nos impressions sur ce voyage en Crimée.

Puis nous repartons à travers de longs couloirs pour rencontrer différents ministres à qui nous posons des questions. Personnellement c’est avec la Ministre de la Culture que je m’entretiens, un échange en toute simplicité dans une ambiance chaleureuse. Nous avons eu toutes les réponses à nos questions.

Nous avons ensuite assisté à une conférence dans une autre salle, un député a fait un exposé sur la situation chiffrée de la Crimée (PIB, PNB, croissance…) et sur les projets de développement. Il faut savoir que la Crimée possède deux gouvernements, chacun avec chambre de députés, ministres, administration : le gouvernement de Crimée et le gouvernement de Sébastopol au statut particulier depuis Catherine II (y compris durant l’époque soviétique, la presse occidentale ne signalant jamais cette originalité).

Mon séjour en Crimée se termine après cette journée passée à Simferopol.

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Dimitri Korniloff raccompagné à l’aéroport par la député Natalia Vinokourova (à droite) et les interprètres-guides.

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Retour à Moscou -devenue « la ville lumière » dans le monde.

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J’atterris la nuit à et je rentre en taxi dans la ville enneigée, avec ses larges avenues où tous les immeubles de toute la ville sont éclairés, la radio diffuse une chanson sur Moscou chantée par la grande chanteuse russe Ksenia Devi, vision féerique qui me plonge au plus profond de ma nostalgie ou de mon âme si j’en ai une.

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Ksenia Devi

Je vois mon arrière grand-père le général Constantin Alexandrovitch Korniloff,  dans son habit d’officier du Tsar avec la Croix de Saint Georges autour du cou,

accompagné de ma grand-mère en zibeline, sortant d’une soirée au Savoy et attendant une troïka pour rentrer chez eux et je pleure.

Dimitri Korniloff,  décembre 2018

Les laques russes

Les 4 écoles de peinture sur laque en Russie :

Fedoskino, Kholoui, Mstiora et Palekh

La laque est une technique très ancienne, dont l’usage remonte à 3000 ans avant notre ère. C’est la sève des arbres de la famille des Anarcardaciées qui produit cette résine aux remarquables propriétés : souple, adhérente, durable, résistante et imperméable. On trouve aussi aujourd’hui de nombreuses peintures dites « laquées », qui reproduisent l’aspect brillant et riche en couleurs de la laque naturelle. Les propriétés exceptionnelles de la laque ont été remarquées très tôt par les Chinois, qui ont élevé son utilisation de la laque au domaine des arts décoratifs. La technique artisanale de création de laques (nom donné aux objets faits de laque) s’est également importée en Europe à partir du 17^e siècle, et a connu un nouvel engouement lors de la période Art Déco au début du 20^e siècle.

La laque a également pris ses lettres de noblesse au sein de l’artisanat russe. C’est au début du 19^e siècle que la tradition de peindre des boîtes en papier-mâché laquées aurait vu le jour dans le village de Fedoskino, l’un des 4 grands centres de peinture sur laque en Russie. Cette tradition s’ancre dans une autre des grandes spécialités russes, la peinture d’icônes. Alors que les icônes limitaient généralement les artistes aux représentations religieuses, les boîtes laquées ont permis le développement d’une imagerie plus variée, allant des thèmes de la vie courante aux contes de fées. Déjà bien implanté, l’artisanat de boîtes laquées prend un nouvel élan lorsque la Russie impériale s’éteint. La peinture d’icônes devient en effet sous-employée avec l’ascension du régime communiste, et de nombreux artisans créateurs se reconvertissent dans la création d’autres œuvres aux techniques similaires, et en particulier dans l’art de la laque. Comme les maîtres d’autrefois, les artistes contemporains peignent à la détrempe, confectionnent leur couleurs à base de jaune d’oeuf et dessinent avec un pinceau fait de poils d’écureuil, sur du papier maché, plusieurs couches du carton collé qui sont bouillis dans l’huile de lin, puis à plusieurs reprises séchées au four.

La tradition russe de la laque s’incarne au travers de 4 écoles principales, qui correspondent à 4 villages : Fedoskino, Kholoui, Mstiora, et Palekh.

Fedoskino (Федо́скино)

Considéré comme le plus ancien centre de peinture sur laque ; situé à 40km au nord de Moscou, ce village se fait connaître dès le début du 18^e siècle pour ses boîtes en papier-mâché laquées de grande qualité.

L’une des principales spécificités de cette école est de choisir des sujets généralement réalistes à la fois dans leur composition et dans l’exécution des détails.

Parmi les thèmes de prédilection de l’école Fedoskino, on retrouve toute une variété de scènes de la vie paysanne, ainsi que d’objets typiques tels que le samovar ou la troika.

Fedoskino se distingue aussi par l’usage de la peinture à l’huile, qui est préférée à la tempera, contrairement aux autres écoles.

Peintre du centre Fedokino décorant une boîte en papier maché.

La peinture à l’huile est appliquée en plusieurs couches, et on y ajoute des détails en nacre, en or, ou en feuille d’argent pour créer des effets brillants. Les premières marques de ces produits sont apparuent à l’usine de Petr Lukutin, qui en a hérité en 1824.

Kholoui  (Холуй)

L’école a été fondée à la fin du 19^e siècle, et est très liée à la tradition de peinture d’icônes. L’atelier de production de Kholoui était en effet spécialisé dans la production d’icônes, mais avec la fermeture des églises après la révolution russe, une transition forcée s’est opérée, ce qui a finalement donné lieu au développement de très belles œuvres d’art.

Les artistes de cette école utilisent la peinture à la tempera. Les sujets principalement dépeints sont des scènes de contes de fée et d’histoire populaires russes, ainsi que des représentations de villes.

Le style de l’école de Kholoui est souvent jugé plus réaliste que celui de Mstiora et de Palekh, avec par ailleurs une utilisation fréquente de couleurs chaudes (jaune, bruns, rouge).

Mstiora (Мстера)

La troisième grande école de peinture sur laque est celle de Mstiora, petit village situé à proximité de Kholoui. L’école de Mstiora privilégie la peinture à la tempera, et son style se caractérise par une grande attention portée aux paysages, souvent très élaborés.

Les couleurs pastels se retrouvent fréquemment dans la peinture sur laque de Mstiora, ainsi que les ornementations florales, souvent dorées.

Palekh ( Палех )

Enfin, la quatrième école son histoire est similaire à Kholoui et Mstiora : village réputé pour ses icônes, Palekh s’est reconverti dans la création de boîtes en papier-mâché laqué au début du 20 siècle.

La peinture sur laque de Palekh se distingue par un fond souvent laissé tel quel pour qu’apparaisse la laque noire (on appelle ce fond non peint le « plein air »).

Miniature du Conte russe Sadko

Les thèmes de prédilection de l’école de Palekh sont les contes de fée : on retrouve par exemple souvent Ivan Tsarévitch dans sa quête de l’Oiseau de Feu.

Miniature du conte russe l’Oiseau de Feu.

Parmi ses autres spécificités se trouvent l’utilisation de la tempera, et des formes gracieuses, fines et vivement colorées. (Merci à Trésors de Russie)

Site de Trésors de Russie (CLIQUEZ)

La station « TSAR » à Tsarskoïe-Selo.

Prenez un taxi, allez à la gare de Vitebsk sur le canal Vvedensky, pénétrons dans le pavillon impérial, asseyons-nous dans l’un des cinq trains, profitons de la banlieue sud de la capitale Saint Pétersbourg, ses champs, le village de Grand Kuzmolovo, des vues sur Tsarskoïe Selo … Prochain arrêt: «Tsar ». Sur le quai, nous sommes accueillis par un homme chaleureux et accueillant avec une barbe soignée, n’est ce pas Nikolaï Alexandrovich Romanov, l’empereur de Russie, roi de Pologne et Grand-Duc de Finlande ? Nous dormons … Nous sommes bien …

Le tsar Nicolas II passe les troupes en revue à la station “Tsar”

Nous nous réveillons devant l’ordinateur portable où l’écran montre la ligne de chemin de fer de sa Majesté, vers Tsarskoïe Selo. Un embranchement qui a été créé en 1887, en premier lieu, parce que Nicolas II de tous les autres moyens de locomotion préférait le chemin de fer. Cette ligne était confortable et avec une légère brise pour se rendre à Saint -Pétersbourg, de Gatchina (lieu de résidence favori de la mère de l’empereur, Maria Feodorovna) et vers Europe, par exemple, vers les domaines de chasse polonais. La durée du parcours de Saint – Pétersbourg à Tsarskoïe Selo, n’est pas connu, le rapport établi par la Commission impériale pour la construction d’une «troisième voie» indique que la voie susmentionnée a été créée pour accèder à des trains de plus grande importance à une vitesse de 42 verstes à l’heure, ce qui correspond à voyager 30 minutes. La voie partait de la gare de Vitebsk du pavillon impérial construite par S.A. Brzhozovsky en parallèle à celle de Moscou-Rybinsk et la route de Vindava, pour atteindre un quartier du village de Shushary traversant la route aux portes égyptiennes de Tsarskoïe Selo, à l’approche de la station. En outre, avant la «troisième voie» ont été construites, respectivement, la «première» et la «seconde», une sorte de «moustaches» pour rejoindre le chemin de fer de Varsovie, et donc à Gatchina et les destinations européennes.

Croquis de l’embranchement impérial 1887.

Tout au long de cet embranchement de chemin de fer, il y avait onze ponts, dont deux servent toujours au public, trois ont complètement disparu, il reste encore six traces que l’on peut encore observer. Ce nombre de ponts résulte de l’existence d’un grand nombre de cours d’eau à l’est des collines Pulkovo avec la rivière Kuzminki qu’il faut traverser, pour se rendre à la station Tsar.

Les troupes rendant les honneurs, à la station “Tsar”.

Cette voie de chemin de fer reçut son nom officiel de « l’Impériale » le 21 Décembre 1901, quand elle était prête à recevoir les trains impériaux mais, apparemment à cause de deux problèmes cette voie n’a été mise en service qu’un an plus tard, le 6 décembre 1902. Pour emprunter cette voie de chemin de fer, comme son nom l’indique, seul le train impérial avec le tsar, sa famille, sa cour, les délégués étrangers, pouvait l’emprunter. Par exemple, le 15 Mars 1914, le prince héritier Ferdinand et son épouse, la princesse Marie et son fils , le prince Carl l’empruntèrent.

Carte des voies de cheminsde fer.

En conséquence, lorsque l’ensemble des lignes ont été achevées, le tsar avec ses invités n’étaient pas soumis à se croiser avec les voyageurs des autres lignes.

 La station “Tsar” ou “Pavillon impérial”, gare du train royal (située de nos jours : Academic Prospect, 31), a été construite par l’architecte V.A. Pokrovskov avec la participation de l’artiste M. Kurilko en 1911.

Entrée du salon du Pavillon de la Station “Tsar”.

Intérieur du salon de réception de Pavillon à la station “Tsar”

Il reste encore des vestiges de la splendeur des fresques et du bâtiment , que nous pouvons observer encore aujourd’hui. Avant cette reconstruction, le tsar admira la gare en bois, mais au début de 1911 le bâtiment a brûlé, et rapidement une nouvelle gare fut reconstruite. Dieu merci, en pierre.

Equipage Impérial allant à Pouchkine.

Avec le style néo-russe, favori de Nikolaï Alexandrovich,  toit à pignons, porche avec une tente avec de vieux motifs russes, tels que “kokoshniki” (détail architectural, conçu pour “masquer” la transition entre le volume cubique de la tour, avec son sommet en forme de cône ) et “barils” (renflement) sur les poteaux de la véranda. Cependant, le bâtiment de la gare reste encore une noble ruine en triste état . Heureusement, le fondement architectural du pavillon, les sculptures en pierre sont conservés sur la façade, et même des fresques peintes dans les arcs du porche d’entrée en façade, et quelques unes à l’intérieur.

Porche d’entrée de la gare “Tsar” (2002)

Vestiges des fresques intérieures (2002)

Le gare fut  démantelée après la révolution, ses éléments récupérés pour d’autres gares ou vers d’autres lignes de chemins de fer comme les quais, (plate-forme). En 1918, la station “Tsar” a été rebaptisé “Le pavillon Uritskogo” où il y avait une salle à manger, le  “Point de réparation des locomotives » puis  au milieu du XX ème siècle elle resta à l’abandon. Pendant la seconde guerre mondiale  le  bâtiment a été gravement endommagé, ainsi que par la souffrance causée par son abandon et l’indifférence de tous. En 2008-2011, une ​​partie fut utilisée pour créer le chemin de fer de la petite Oktyabrskaya, et maintenant avec les trains “Pegasus” ou “Fairytale”, vous pouvez rejoindre la station “Tsarskoïe Selo”, et passant au nord de la ville de Pouchkine.

Ce bâtiment historique est depuis 2015 en cours de restauration.

Aujourd’hui 2 mai, anniversaire de Catherine II

La ROTONDE

Situé au 57 rue Gorokhov dans un immeuble de trois étages avec des colonnes  à l’entrée de la maison c’est l’endroit le plus mystique de la ville de Saint Petersbourg.

Cet immeuble avec la rotonde a été construit fin XVIIIème – début XIXème  siècle et a survécu à plusieurs propriétaires. On pense qu’avant la révolution, la “Rotonde” a été le lieu d’une société secrète où participait semble-t-il Grigori Raspoutine. Selon une autre version, la “Rotonde” a servi de club de rencontres ou utilisé comme  une maison de tolérance.

D’aucuns pensent que dans cet ensemble il y a un passage souterrain secret qui conduit soit à la gare de Vitebsk, soit à une porte vers une autre dimension.
Mais le caractère mystique de la rotonde acquise dans les années 1980, donna à ce lieu la réunion de  la jeunesse informelle à la période du changement démocratique. L’heure du changement n’est pas encore arrivée, il y avait une chanson légendaire de Viktor Tsoï “Nous attendons pour le changement“, qui, incidemment invitait les jeunes à fréquenter  la “Rotonde”.

A la même période, la “Rotonde” a été appelée “centre de l’univers”  accompagnée de légendes et de mythes. Il était une tradition de venir à la “Rotonde” et d’écrire des souhaits sur ​​les parois intérieures.
Et à croire que l’intérieur de la “Rotonde” est l’entrée d’un espace différent, extra temporel. La légende raconte qu’il y a quelques années, un jeune homme descendit au sous-sol de la “Rotonde”, il est resté là pendant quelques minutes il est devenu fou avec les cheveux gris tel un vieillard. En général, on ne pouvait rester longtemps à l’intérieur de la “Rotonde” . On raconte que la nuit on pouvait rencontrer Satan. Il y avait une croyance que si l’on monte les escaliers de fer de la “Rotonde” avec les yeux fermés, vous ne pouvez pas arriver à la fin!

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Le canal de Dérivation.

Le “canal de Dérivation” commence de la rivière Neva, près du monastère Alexandre Nevsky, et se termine à la rivière Ekateringofka. C’est le canal le plus grand de Saint Pétersbourg. D’une longueur de 8,08 km et d’une largeur de 21,3 mètres (dans la partie orientale – jusqu’à 42,6 m) et d’une profondeur de 2 m.

Le “Canal de Dérivation” a été creusé par des milliers de serfs de 1769 à 1780. A l’origine, c’était un objet défensif et il a été fortifié par un rempart de terre protégeant la ville. Son autre objectif a été de détourner l’eau en cas d’inondation de Saint-Pétersbourg. Le canal n’a gardé, de nos jours  que le rôle d’acheminer les eaux usées.

Les habitants de Saint-Pétersbourg n’aimaient pas le canal de dérivation, de part sa construction  architecturale, et  la mauvaise odeur qu’il dégageait surtout en été.  Raison pour laquelle il a reçu le nom populaire de “Puant” (Obvonny).

Le canal avait une mauvaise réputation pour une autre raison. A partir des années 1920, dans sa partie adjacente il y avait souvent des bagarres, des pillages, des meurtres et la violence y était permanente. Le canal est devenu un lieu «favori» pour les suicides, quelques centaines y furent dénombrés.

Il arrivait souvent que les gens qui n’avaient pas réussi à contourner les problèmes de la vie temporelle ou mystique, n’ayant pas surmonté leur dépression, cela les  menaient au suicide. Même Joseph Brodsky, qui est né sur le canal de dérivation, l’appelait «un monde industriel complet au-delà de la tombe”.

La raison de ce mysticisme est connue. On pense que les fondations furent construites  autour d’un ancien temple païen avec des traces de sacrifices humains. Ceci fut découvert en 1923 lors de la construction d’une  conduite de chauffage. Les archéologues ont essayé d’arrêter la construction, mais les autorités du parti n’ont pas écouté. Au lieu de cela, ils ont ordonné l’utilisation de pierres tombales trouvées sur les bords du canal et des ponts, ainsi que des os humains mis dans des sacs.

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La Tour du Griffon

La hauteur de cette structure est d’un peu plus de 10 m et de 2 mètres de diamètre . La tour est recouverte d’un toit de tôle, il n’y a ni fenêtres ni portes, et presque toutes les briques qui la compose sont numérotées. Malheureusement à la suite d’une rénovation les chiffres ont disparus car la tour a été repeinte.

Cette construction insolite a été érigée dans les années 1830, et des légendes sur sa finalisation sont nombreuses.

On pense, que l’apothicaire Wilhelm Christoph Ehrenfried Poehl (Василий Васильевич Пель 1820 — 1903) a construit cette tour-cheminée pour cacher son laboratoire secret.  D’aucuns racontent qu’il  élevait des griffons dans la tour. Des témoins de l’époque racontaient que que la nuit le pharmacien laissait en liberté ses animaux pour une promenade et on pouvait les voir, et  que souvent on entendait le bruit de leurs ailes immenses. Une autre version, le Dr Poehl disposait d’un laboratoire alchimique dans la tour mystérieuse, il était à la recherche de la pierre philosophale et de l’élixir de souhaits. Ayant trouvé la bonne formule, il l’utilisa pour créer les griffons ailés afin de garder son secret. Cette version est plausible, Poehl recevait souvent le chimiste Dmitri Mendeleev.

L’histoire de la vie et les réalisations professionnelles du Dr Poehl nécessiteraient un livre entier. Au début du XIX e siècle sa  pharmacie est devenue un laboratoire de recherche  un : Institut organothérapeutique, un laboratoire de recherches, une usine pharmaceutique, des bibliothèques, des entrepôts et des bureaux de vente. Docteur Poehl faisait travailler près de 73 personnes. Sur la façade de l’immeuble était accroché un panneau :  “Fournisseur de la Cour de Sa Majesté Impériale”
Les rumeurs les plus prosaïques que cette tour devait servir d’un abri anti-atomique, à partir duquel il y avait une sortie de secours .

Au début des années 1890,  sur toutes les briques de la tour ont été vus des personnages mystérieux qui apparaissaient et qui ensuite disparaissaient. Certains y ont vu une sorte de code crypté ouvrant les secrets de l’univers, d’autres ont fait valoir qu’une personne pouvait additionner tous les nombres, et avoir  l’accomplissement de ses  désirs ou même l’immortalité.

Chiffres sur les briques.

Les rumeurs naissent dans l’incertitude.
Mais bientôt tout mystère s’éclaircit, les  figures étaient peintes par le peintre Alexei Kostroma, et ses compagnons. Le fait qu’ils disparaissent et réapparaissent périodiquement était le fruit  des résidents insatisfaits des maisons voisines, qui effaçaient les dessins et l’artiste de les repeindre encore et encore. Pour quelle raison, la construction de la Tour des Griffons ?  Que signifient les chiffres sur les briques ? Le mystère demeure jusqu’à nos jours.

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Le Champ de Mars

Situé au centre de Saint Petersbourg dans le Jardin d’Été, devenu de 1918 à 1933 un cimetière où furent enterrés des révolutionnaires et des personnages du régime socialiste.

Dès le début du règne de Paul Ier, le terrain est devenu un lieu de parade pour les revues militaires  et les spectacles. Prenant le  nom de Champ de Mars (Mars, le dieu romain de la guerre). Mais bientôt à cause de la poussière soulevée par des centaines de bottes des soldats, les revues militaires ont été transférés dans les jardins du palais Saint-Michel et les Jardins d’Été.
Tout a changé avec la Révolution  de 1917. Avec les combats de rue, tuant de nombreuses personnes, il a été décidé d’enterrer sur la Place du Palais de l’Ermitage. Cependant, des personnalités du monde culturel s’y sont opposé, faisant valoir que cet endroit est indirectement liée au gouvernement tsariste, et il n’est pas nécessaire d’en faire un cimetière.
Il a donc été décidé de faire un cimetière révolutionnaire sur le Champ de Mars, où sont enterrées plus de 180 victimes, avec  même une commission spéciale, qui décidait d’enterrer sur ce site tel ou tel personnage.

Parmi les morts, il y eu le tombeau d’un acteur-agitateur Kotia Mgebrova-Tchecan âgé de neuf ans, d’autres qui sont morts dans des circonstances mystérieuses. Les bolcheviks indignés: comment un garçon pouvait être enterré parmi les révolutionnaires ? La réponse du président du comité fut “Kotia n’était pas pire que certains des communards” était offensante. Le corps du garçon est resté sur le Champ de Mars.

Les anciens de Leningrad  se souviennent quand en mai 1936 sur le champ de Mars,  un employé des  services psychiatriques nommé Patroubkov se reposait sur un banc près du monument aux morts des soldats, soudainement apparut un garçon. Patrubkova a été frappé par ses yeux enfoncés sans vie,  le visage gonflé cyanosé et émanant de lui une odeur désagréable, il a essayé de repousser le garçon, et au même moment, le garçon s’est effondré sur le sol en un tas de cendres puantes.

Des personnes  entendant les cris de Patrubkov  arrivèrent et ont appelé  une ambulance. Les médecins ont vu cet homme effrayé, mais quelques jours tard il meurt d’un empoisonnement du sang …

On croit que la principale cause de cet événement est du à l’emplacement  de ce cimetière, qui a été établi en conformité avec l’enterrement sans consécration de l’Église, ce qui aurait provoqué  des esprits maléfiques.   Sont enterrés beaucoup de jeunes, prématurément tués au cours des affrontements fratricides, et que  l’âme de ces jeunes gens au moment de la mort étaient dans l’errance et le désarroi.

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SMOLNY

Le terrain de Smolny, comprenant le complexe de bâtiments est plein de mystères et de légendes. Il est mentionné sur  une carte du  XIIème siècle,  que sur les berges de la Neva, l’endroit où se trouve le bâtiment actuel de l’Institut Smolny, est marqué par un pentagramme et le lieu porte le nom du “Diable”.  À côté de la carte a été écrit que les marchands et les marins devaient éviter ces rivages et ne pas rester près d’eux. La mention des lieux négatifs trouvés dans les runes Karels, depuis les temps anciens y sont également indiqués. Le nom de Carélie signifiant “Les Rives du Diable”, désignant le territoire sur lequel a été construit Smolny.

Cathédrale de la Résurrection à Smolny

La cathédrale a été construite en 1748 rapidement, mais lors des dernières  50 années, au moment ou l’église devait être consacrée, les instances religieuses s’y refusèrent. Il y avait des rumeurs, que lors de la construction de l’église un des architectes s’est tué en se suicidant, souillant ainsi le lieu. Au fil du temps, il y a une autre légende, qu’il y a des religieuses emmurées dans les murs de l’église. Des pensionnaires  furent effrayées en apercevant un fantôme .

La deuxième fois, le fantôme est apparu au cours de la Révolution, quand les bolcheviks avaient avaient pris position dans le bâtiment de l’Institut Smolny. Il a été dit que, dans les couloirs de Smolny souvent était vu un fantôme.  Même Lénine qui avait installé son quartier général des bolcheviks en ces lieux  avait peur , il s’empressa alors d’installer son quartier général  à Moscou.

Le cas suivant a eu lieu après l’assassinat du chef de la Leningrad bolchevique SM Kirov. Personne ne doutait que son assassinat le 1er décembre 1934 était perpétré sur  ordre de Staline pressentant en la personne de Kirov un rival certain. Par la suite, lors de la Seconde Guerre Mondiale, la silhouette sombre et sédentaire de Kirov est apparue sur le toit de l’Institut Smolny, au moment des raids aériens de l’ennemi allemand. Dans les années d’après-guerre on a vu l’ombre de Kirov pour la dernière fois en août 1991,  après le putsch au cours duquel les  communistes ont quitté  l’Institut Smolny.
L’ironie de nos jours est cette déclaration:  “Le fantôme du communisme erre dans les couloirs de Smolny dans les bras d’un fantôme Kirov !”  Humour noir des nouveaux propriétaires de l’édifice historique.

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Le Pont LITEÏNI

Il y avait dans les années 1900 un ferry allant de Russie vers la Suède, plus tard fut construit un pont flottant. Quand la construction du pont commença il y eut beaucoup de difficultés. L’une d’elle était la grande profondeur de la rivière Neva à cet endroit, jusqu’à 24 m avec un limon vaseux dans le fond. Lors de la construction du pont ont été tués pour des raisons diverses, environ 100 personnes, et les coûts de construction ont dépassé les estimations de moitié, pour atteindre une somme énorme pour l’époque : 5 000 000 roubles.

En ce qui concerne les légendes, on disait que le fond de la rivière, où l’un des piliers est érigé, se trouvait le rocher “sanglant” surnommé Atakanov. Selon la légende, cette pierre depuis l’Antiquité était vénérée et on y offrait des sacrifices humains, par conséquent, il n’était pas facile de faire tomber les préjugés et les vieilles superstitions.
Initialement le rocher avait des ondes négatives et une énergie mortelle ne concernant que les pêcheurs et ceux qui essayaient de traverser la Neva à cet endroit. Mais quand les travaux de construction des fondations du futur pont ont commencé, il y eut toute une série de décès inexpliqués. On croit que la boue faisait trébucher les travailleurs : il y eut près de 27 morts engloutis dans la vase. Exactement un an plus tard au même endroit il y eut une forte explosion pour une raison inconnue, qui a tué 9 autres ouvriers.
Puis il y a eu une rumeur selon laquelle le pont est construit sur le lieu où dans les temps anciens il y avait un pont avec un loup-garou et la nuit il y avait un mystérieux brouillard .  Faisant tomber et se noyer les passants hasardeux, provocant une nouvelle superstition.

De nos jours on trouve des personnes sur le Pont  Liteïni jetant des pièces de monnaie dans l’eau ou qui font  couler du vin rouge. Peu de gens savent qu’il faut invoquer  le rocher “sanglant” nommée Atakanov pour que personne ne se noie.
Les habitants disent qu’il est souvent observé sur le pont,  différents fantômes du passé de l’époque révolutionnaire.

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Assassinat de Nicolas II, de sa famille et de quelques serviteurs !

Nicolas II, son épouse, ses 5 enfants (les 4 grandes-duchesses Maria, Olga, Tatania, Anastasia et le prince héritier Alexis), le docteur Ievgueni Botkine et trois domestiques (la femme de chambre Anna Demidova, le valet de chambre Alexeï Trupp et le cuisinier Ivan Kharitonov ), ont été déportés, fin mai 1918, à Ekaterinbourg, une ville au-delà de l’Oural.

Maison du commerçant Ipatiev située au centre d'Eketerinbourg

Sous le contrôle de la Tchéka, dans la villa Ipatiev réquisitionnée, ils survivent dans des conditions misérables, au contraire des chefs bolchéviks.

Photo de la collection de Pierre Gilliard, précepteur des enfants du tsar.

Au total 53 membres de la famille Romanov résidait en Russie impériale, mais le 26 janvier 1918 le grand-duc Nikolaï Konstantinovitch de Russie décéda de mort naturelle dans la ville de Tachkent, (il fut le dernier grand-duc inhumé sous la Russie impériale en la cathédrale de Saint-Georges à Tachkent), 4  sur les 52 membres composant la famille Romanov, dix-sept furent assassinés par les Bolcheviks, certains dans d’atroces conditions. Les trente-cinq hommes et femmes descendants des tsars Nicolas Ier de Russie, d’Alexandre II de Russie ou d’Alexandre III de Russie purent, grâce à différentes circonstances échapper à une mort certaine.

Une des dernières photos de la famille impériale à Tobolsk( Collection Pïerre Gillard)

Au début juillet, Iakov Mikhaïlovitch Iourovski (de son vrai nom Yankel Chaimovitch) reçoit l’ordre de Iakov Solomon dit Sverdlov, de les abattre et de faire disparaître les cadavres. Cet ordre est exécuté à l’aube du 17 juillet 1918, dans le plus grand secret,ne cherchez pas dans le journal du parti “Pravda”, un compte-rendu.  Abattus par surprise à coup de pistolets, ils furent assassinés plutôt qu’exécutés, sans compter le caractère particulièrement atroce de l’exécution des enfants du Tsar. Les jeunes filles qui avaient des pierreries cousues dans leurs vêtements reçoivent des dizaines de balles qui ricochent et rendent la scène effrayante. Ayant vidés leurs chargeurs, et plusieurs des jeunes filles et des victimes étant encore en vie, c’est à coup de couteau et de baïonnette que les bourreaux s’acharnèrent sur les malheureux. Dans la nuit, les corps furent emportés jusqu’à un puits de mine et précipités dedans, mais Iourovski revînt dès le lendemain sur les lieux, enterre les corps un peu plus loin après avoir vainement tenté de les brûler. Ils sont finalement aspergés d’acide sulfurique pour empêcher toute reconnaissance des corps. L’affaire plonge dans la pénombre soviétique jusqu’en 1990.

Cave de la maison Ipatiev où eu lieu le massacre de la famille Romanov.

A la chute de l’URSS, Boris Eltsine, qui avait fait pourtant détruire la maison Ipatiev sur ordre d’Andropov, a constitué une commission pour faire toute la vérité sur cet horrible crime, rechercher les cadavres pour qu’ils reposent en la cathédrale  Pierre et Paul  à St-Petersbourg.

Boris Eltsine et son épouse s'inclinant devant le tombeau de Nicolas II .

Les restes des corps découverts les 11, 12 et 13 juillet 1991 ont été soumis à des expertises génétiques effectuées en 1993 en Grande-Bretagne, en 1995 aux Etats-Unis et en 1997 en Russie. Leurs résultats ont été présentés à une commission gouvernementale qui a conclu en janvier 1998: “Les dépouilles découvertes à Ekaterinbourg sont celles de Nicolas II, de membres de sa famille et de personnes de leur entourage“. Ce n’est qu’en 1997 que la Commission nationale a reconnu l’authenticité des restes de la famille impériale découverts dans une forêt et des quatre personnes qui se trouvaient avec les Romanov: leur médecin, Evgueni Botkine, le cuisinier Ivan Kharitonov, un valet de chambre, Alois Trupp, et la camériste de la tsarine, Anna Demidova.

Mais il manquait deux cadavres ceux de la princesse Maria et le tsarévitch Alexis Nicolaïevitch . Retrouvés et authentifiés quelques années après,  le 17 août2007.  Quarante quatre fragments d’os ont été retrouvés près de l’ancienne route de Koptiakov et transférés à l’institut médico-légal de Sverdlovsk. M. Nevoline a précisé que les médecins légistes avaient également reçu sept fragments de dents, trois balles d’une arme à canon court et un fragment de tissu de vêtement. Authentifiée comme étant les restes de la princesse Maria et du tsarévitch Alexis, ils furent inhumés à l’été 2008 près dés leurs dans la nécropole des tsars en la cathédrale Pierre et Paul sur l’île aux lièvres à Staint Pétersbourg.

La Princesse Maria Nicolaïevna Romanov.


Le tsarévitch Alexix son chat et son chien Joy seul survivant du massacre.

Le Vaudois Pierre Gilliard était le précepteur des enfants du tsar Nicolas II: les grandes-duchesses Olga, Tatiana, Maria, Anastasia et le tsarévitch Alexis. Il suivit la famille impériale durant leur captivité jusqu’à Ekaterinbourg, où il se fit séparer d’eux le 23 mai 1918. C’est d’ailleurs cela qui lui sauva la vie, car Nicolas II et sa famille se firent exécuter peu de temps après. De retour en Suisse, il publia en 1922 un ouvrage sur “Le tragique destin du Tsar Nicolas II”. Outre les dernières photographies de la famille impériale de Russie prises dans leur vie quotidienne en captivité, le fonds Pierre Gilliard contient également de la correspondance et différentes notes prises au cours sa vie. Une grande partie de sa collection de photos furent vendues lors du vente publique à Genève .

En Août de l’an 2000, après de nombreux débats, la famille impériale fut canonisée comme mort-martyr par le Patriarcat Alexis II de Moscou. À noter que deux des servants n’ont pas été canonisés à cette occasion : Alexei Trupp car il était catholique, et Adolphovna Schneider, qui faisait partie de l’Église luthérienne.

Une des représentations iconographique de la Saint Famille Romanov . 


Nikolaï Romanov jetant symboliquement   
un peu de terre sur les restes du dernier tsar russe.  

 Chapelle votive comportant les cercueils de le Famille impériale dans 
la cathédrale Pierre et Paul.

Vont se dérouler les 16 et 17 juillet 2014, comme chaque année depuis 1997 à Ekatérinburg, sur les lieux des meurtres et les endroits où l’on a retrouvé les restes de Nicolas II et de sa famille,  une procession et un chemin de croix. 

Ces cérémonies réunissent près de 50 000 à 70 000 orthodoxes de Russie et du monde entier pour se souvenir de la famille impériale lâchement assassinée  le 17 juillet 1918 ( suivant le nouveau style).

Le rôle pivot de la Russie

Souvent minimisé en Occident, le rôle de l’armée impériale russe dans l’issue de la Première Guerre mondiale fut pourtant déterminant, affirme Serge Andolenko, général historien français d’origine russe.

La part décisive prise par les troupes de l’armée impériale russe dans l’issue du conflit n’a pas été reconnue à sa juste valeur en Occident. C’est en tout cas le point de vue de Serge Andolenko, général français issu de Saint-Cyr et historien d’origine russe émigré en France après la Révolution d’octobre. Dans un entretien accordé à RBTH, son fils Pavel Andolenko, lui-même ancien officier de « la Royale », divulgue les principales thèses de son père allant à l’encontre de l’opinion dominante. Celle-ci se limite au souvenir de Brest-Litovsk (la paix séparée signée par les bolcheviks) et à la piteuse performance de l’armée russe. Pour Andolenko, ce n’était pas du tout le cas jusqu’à l’abdication du tsar Nicolas II.

Le tsar Nicolas II .

Le rôle de l’armée impériale russe fut au contraire déterminant sur le cours de la Première Guerre mondiale de 1914-1918 et pour la victoire finale. Le centenaire du déclenchement de la « Grande Guerre » est une occasion unique de le rappeler, car une idée très répandue dans la conscience historique occidentale veut que la Révolution d’octobre 1917 soit le résultat d’une défaite militaire de l’armée russe. Le même stéréotype réduit à néant le rôle des troupes russes dans la victoire de novembre 1918.

Soldats ruses sur le front russe.

Les recherches de Serge Andolenko retrouvent aujourd’hui toute leur actualité. Pour lui, la « désinformation » dont sont victimes nos contemporains à tous les niveaux « conduit, inconsciemment ou non, tous les États complices de cette supercherie à conserver des données fausses dans leurs mémoires respectives ».

En 1914, l’offensive contre la Prusse sauve l’armée française sur la Marne.

Pour le général Andolenko, l’armée russe qui s’engage dans la guerre en 1914 est une des meilleures de son temps. Mais elle est « fortement handicapée par deux points faibles inhérents au pays » : la taille géographique de celui-ci (40 fois la France, deux fois et demie les États-Unis) qui aggrave les difficultés logistiques, et une économie en forte expansion au début du conflit mais pas suffisamment consolidée pour s’adapter à une conflagration mondiale de longue durée.

Cosaques sur le front prussien © Col. P. Lamy

Ces deux handicaps vont forcer l’armée russe à « remplir sa mission dans des conditions inhumaines » au cours des deux premières années du conflit. Le 17 août 1914, la Russie lance une offensive contre la Prusse orientale, pour laquelle son armée n’est pas prête. L’Empire russe s’y engage à la demande de la France pour permettre à cette dernière de résister à l’offensive allemande sur la Marne.

Régiment russe en France.

Ce combat « pour les alliés », comme le qualifie aujourd’hui le réalisateur historien de Saint-Pétersbourg Viktor Pravdiouk, coûtera à la Russie plus de 100 000 morts et une défaite à Tannenberg. Mais tout commence bien. Les premières victoires affolent l’état-major allemand qui dégarnit le front Ouest de deux corps d’armée et d’une division de cavalerie, ce qui donnera plus tard lieu au « miracle » de la Marne. Ce dernier est loin d’être dû aux seuls taxis célébrés dans nos écoles.

1915 : Verdun avant Verdun sur le front de l’est

Citadelle de Verdun .

M. Andolenko qualifie l’année 1915 de « Verdun avant Verdun » : l’armée russe va subir tout ce que l’industrie allemande est capable de produire. Aux hécatombes de 1914 vont s’ajouter celles encore plus terribles de 1915. L’industrie russe ne suit pas et sur les champs de bataille les soldats russes doivent ramasser les armes de leurs camarades tués. Toutefois, rien ne les arrête : les combats se poursuivent à la baïonnette, au couteau et même à mains nues… La Russie perd près de 2 500 000 tués ou blessés (au total, la Première Guerre lui coûtera deux millions de morts, plus que la France saignée à un million et demi). Les Allemands, conscients qu’ils ne peuvent gagner sur les deux fronts, proposent aux Russes une paix séparée en offrant un cadeau de choix : Constantinople et les détroits !

 Infographie Natalia Mikhaylenko.

Les Russes eux-mêmes auraient dû demander l’armistice en toute logique militaire, puisqu’ils compensaient par des pertes humaines leur infériorité en équipements et en armes. Ils ne le font pas et Nicolas II rejette l’offre allemande pour ne pas lâcher ses alliés. Et la boucherie se poursuit.

L’année charnière : 1916
En 1916, l’Allemagne réactive ses troupes sur le front Ouest. C’est Verdun puis l’offensive de la Somme. Pour les Russes, c’est un répit relatif qu’ils mettent à profit pour approvisionner et équiper les troupes grâce aux progrès fulgurants de l’industrie. Ils lancent au moins deux offensives décisives pour le sort de la guerre : celle du général Broussilov en juin vers la Bessarabie, qui met deux millions de combattants adverses hors de combat, et celle du général Youdénitch qui défait les Turcs sur le front du Caucase et arrive jusqu’à l’Euphrate.

Grâce à ce redressement de l’armée russe, les alliés envisagent la suite du conflit avec plus d’optimisme. Winston Churchill, ministre des Munitions à l’époque, relève que « peu d’épisodes de la Grande Guerre sont plus surprenants que la restauration, le ravitaillement et l’effort gigantesque de la Russie en 1916 ».

Au début de l’année 1917, tous les observateurs et acteurs du conflit (Allemands et alliés) sont d’accord : « la Russie impériale a déjà gagné la guerre ! », estime le général Andolenko aujourd’hui cité par son fils Pavel. « L’armée russe n’était pas défaite, au contraire », dit M. Pavel Andolenko à RBTH.
« Il arrive qu’on qualifie les pertes humaines subies par la Russie en 1915 d’inutiles. C’est pourtant grâce à cette multitude de sacrifices que la Russie n’a pas capitulé ou signé une paix séparée. Que se serait-il passé si la Russie avait été acculée, les alliés occidentaux auraient-ils pu reconstituer leurs forces et développer leur production d’armements pour aborder 1916 ? », s’interroge à son tour M. Pavel Andolenko.

(Infographie par Natalia Mikhaylenko)

Depuis janvier 1917, les Autrichiens négocient avec les Français, les Anglais et les Italiens. Mais le Tsar n’est pas au courant. S’il l’avait été, il n’aurait probablement pas abdiqué en mars. Cette abdication aux raisons encore mal élucidées, selon Andolenko, a marqué le début de la fin : les soldats qui avaient combattu pour la Patrie, Dieu et le Tsar « ne savaient plus où se tourner ». Le Gouvernement provisoire, tout en proclamant sa volonté de poursuivre la guerre, donne des ordres incohérents qui disloquent l’armée de l’intérieur. Pour Andolenko, « la révolution n’est pas une conséquence fortuite du marasme existant, ni d’une prétendue défaite militaire ; la révolution serait plutôt la cause première de la destruction de l’armée ».
Français et Russes ont supporté les deux tiers de l’ensemble des pertes en vies humaines. « Les armées française et russe ont payé le plus lourd tribut à la victoire et il faut garder en mémoire que ces deux armées ont lutté en étroite collaboration tout au long de la guerre, chacune s’efforçant toujours de soulager l’autre quand celle-ci supportait l’effort principal de l’ennemi », conclut après son père Pavel Andolenko. À la fin de la guerre, malgré la paix de Brest-Litovsk et les « emprunts russes », le maréchal Foch déclarait : « Si la France n’a pas été effacée de la carte de l’Europe, c’est avant tout à la Russie que nous le devons ». L’histoire se rééditera 27 ans plus tard : les États-Unis n’interviendront dans le conflit que six mois après la reddition de Von Paulus aux Russes à Stalingrad.

 Dimitri de Kochko,

Russia Beyond The Headlines     fr.rbth.com.

17 juin 2014

Institut Smolny à Saint Petersbourg.

L'institut Smolny en 1912.

Cet institut a été fondé par décret signé de Catherine II le 5 mai (24 avril) 1764. Le but était de donner une éducation pour que des filles “bien nées“,  de la noblesse  deviennent des femmes instruites, de bonnes mères, des membres utiles à la famille et à la société.  A l’initiative d’Ivan Betski en 1764, l’une des figures de proue du règne de Catherine. Il est  amoureux de la pédagogie, il a étudié les œuvres de grands penseurs de son temps (dont beaucoup ont été de ses connaissances ), il a maîtrisé le système pédagogique de Locke, Rousseau, Helvétius. Le but de la création de cette institut était de donner une bonne éducation aux filles de la noblesse, ce qui  a radicalement changé la nature de la société de l’éducation, face à  la situation sociale de l’époque.

Ivan Betski.

L’Institut Smolny initialement dans les locaux qui ont été construits sous Elizabeth se situait à la Résurrection (Smolny) monastère édifié par l’architecte Rastrelli, toutefois, les établissements d’enseignement sont peu adaptés.

Au début du XIX siècle, il a été décidé de construire un nouveau bâtiment spécial l’Institut Smolny. Son projet a été développé par l’architecte Quarenghi, maître de l’architecture classique, Quarengi admirait la magnifique création de Rastrelli le Monastère Smolny: ” J’ai donc décidé de construire un nouveau bâtiment légèrement sur le côté, au sud du complexe de monastère.“

L’Institut Smolny avait un aménagement confortable: au rez de chaussée sur les côtés du couloir abrité des salles de classe, et au deuxième étage -des salles de séjour et au dessus le dortoirs avec ls sanitaires.

Initialement pour l’admission à l’université il était nécessaire de passer des examens ( un peu de français, encore moins de russe et un peu sur l’éducation religieuse ), les élèves etaient qualifier en fonction du degré de  noblesse, dont la naissance a été enregistrée en III, V et VI du livre de familles nobles, ou celles dont le père etait capitaine dans  l’armée. Cependant, quelques-uns des nobles étaient prêts à condamner leurs filles à étudier en continu pendant 12 ans, après quoi une question difficile se posait sur le futur mariage des filles trop instruites . C’est pourquoi la majeure partie des étudiantes  après 1825, étaient dans les institutions décembristes: deux filles Kahovskogo, par exemple, ont  terminé leurs études avec une médaille d’argent.

Liste des directrices :

• 1764 (Анна Сергеевна Долгорукая)  Princesse Anna S. Dolgoroukov (1719-1778)
• 1764—1797 (Софья Ивановна де Лафон)  Sophia Ivanovna de Lafon  (1717-1797) 
• 1797—1802(ЕлизаветаАлександровна Пальменбах)ElizavetaPalmenbah (née baronne Cherkasova ,(1761-1832)
• 1802—1839 (Юлия Фёдоровна Адлерберг)  Julia F. Adlerberg  (né Anna Charlotte Julian Baggovut (1760-1839)
• 1839—1875 (Мария Павловна Леонтьева) Maria Pavlovna Leontief (née Shipov ) (1792-1874)
• 1875—1886 (Ольга Александровна Томилова) Tomilova Olga (née Engelhardt ) (1822-1894)
• 1886—1895 (Мария Петровна Новосильцева) Maria Petrovna Novosiltsev (née Kozhina ) (oct.1830- 9 Octobre 1910 )
• 1895—1915 (Елена Александровна Ливен) Elena Lieven  (1842-1917 )
• 1915—1919 (Вера Васильевна Голицына) Véra Vassilievna Galitzine.

Présentation des nouvelles élève à la directrice de l'Institut dans son bureau.

Des bourses étaient attribuées et pour celles qui n’en avait pas les parents devaient alors payer 400 roubles par an. Les places étaient limitées et les règles très strictes:  levée 6 heures du matin, puis  6 ou 8 cours obligatoire durant la journée. Le temps pour les jeux était très limité. Les filles vivaient dans des dortoirs  sous la coupe d’une surveillante.

Dortoir.

En outre, il y avait des femme “classe” ou de “bonnes manières” qui étudiait le comportement de chaque élève  durant les  cours. Poser des questions sur le sujet étudié était de mauvais ton.

Une salle de classe avec à gauche les femmes "classe" ou de "bonnes manières".

Il est indiqué dans le livre des sorties de 1889, qu’il était attribué des décorations en fonction des résultats : insignes, cocardes de divers couleurs en fonction des résultats. Les cours obligatoires sont la gymnastique et la danse. Il y a interdiction dans l’institut de courir ou de jouer à des jeux de plein air.

Terrain devant l'Institut.

Les cours les plus importants étaient les cours de bonnes manière et le cours de français. Les visites des parents étaient limités à 4 heures par semaine durant les deux jours des visites. Le courrier était surveillé par les femmes de “bonnes manières”.

Examen de maintien.

Les châtiments corporels n’étaient pas en vigueur à l’Institut Smolny, mais il y avait des sanctions, comme l’humiliation devant les autres jeunes filles, rester debout au milieu du réfectoire pendant des repas… L’aspect des jeunes filles était identique, même coiffure avec des cheveux  plaqués avec une natte, robes à manches courtes, tablier, cape et tour de cou en ruban.

Sous Catherine II les jeunes filles portaient une robe marron pour les plus jeunes puis bleu, grises et blanches pour les plus agées.

Les cours comprenaient de maintien, de la langue du français, de la littérature russe, de musique, le danse, de dessin et de peinture, de couture, de gymnastique  mais également des cours de mathématiques et de  physique.

Cours de harpe.

Cours d'artisanat.

Cours de chant.

Cours de géographie.

Cours de danse des premières années.

Cours de danse des dernières années.

Cours de musique (solfège).

Cours de dessin.

Cours de couture.

Cours de maintien à l'heure du thé.

Cours de gymnastique.

Salle de cours de physique.

Salle de réfectoire.

Visite de contrôle médical.

Dernière promotion de l'Institut Smolny 1917.

Chorale de fin d'année d'études.

Spectacle de fin d'année.

Spectacle de fin d'année en costumes folkloriques.

Promenade en hiver, montagnes russes.

Patinoire de l'institut.

Ensemble des professeurs de l'Institut entourant la directrice.

Salle de réunion des professeurs.

Jury de fin d'année composé de personnalités religieuses, militaires et civiles.

Environ 200 jeunes filles de la noblesse et pupilles de 6 à 18 ans ont reçu une éducation stricte à l’Institut Smolny par promotion. Les cours duraient 12 ans, divisaient en quatre cycles de 3 ans chacun.

Quelques élèves de la promotion de 1912.

(?), Vera Issakova et (?).

Leilia (?), E. Dobrocerdskaia et Lisa Narichkine.

Piotr Arcadievitch Stolypine et sa fille ainée Marie Petrovna  éleve de l’Institut Smolny

Les 6 meilleures diplômées par promotion recevaient le  «chiffre» – un monogramme d’or initiales de l’ impératrice et elles étaient élévées au rang de “Dame d’honneur” à la cour impériale.Été 1917, l’Institut Smolnyz est fermée, les élèves de l’Institut ont été transférées dans d’autres écoles.

 Le bâtiment de l’Institut Smolny en 1917 devient le siège  des autorités révolutionnaires.

Paul Carlovitch Buhre (1810-1882).

Entreprise horlogère Paul Buhre a été fondée en 1875 à Saint-Pétersbourg par Carl Bure, dont le fils Paul est devenu son digne successeur.

Paul Pavlovitch Buhre (1842-1892)

En 1874, dans la ville du Locle (Suisse), Paul a acheté une grande fabrique de montres. En 1899, après la mort de Bure, entreprise horlogère Paul Buhre a reçu le titre de “Fournisseur officiel de la Cour Impériale.”

Paul Buhre fournisseur de la Cour impériale, (gravure dans les boîtiers).

Et, comme Buhre n’avait pas d’héritier, après sa mort, la société a été vendue à un homme de nationalité suisse, Jean-Georges Pfund et un Français Paul Girard.

Magasin à Moscou.

Paul Buhre fabrique des montres qui étonnent et impressionnent les clients par leur design original et de qualité. Cependant, même les experts de montres anciennes trouvent qu’il est difficile d’expliquer pourquoi les montres Bure sont si populaires. Beaucoup de sociétés horlogères, comme  Oméga, ne pouvaient rivaliser avec la marque Paul Buhre.

Montre en acier à cadran blanc, grand public.

Paul Buhre fabriquait les montres pour le grand public, avec un prix des plus bas qui était seulement de deux roubles. La marque a également produit les montres chères, en argent ou en or.

Montre en or massif aux armoiries impériales.


Montre en or massif avec sa chaîne et les armoiries impériales.

Il vaut la peine de mentionner que Paul Buhre acheté les mouvements compliqués, comme chronographes et des répétitions, à plus célèbres entreprises horlogères suisses.

Mouvement .

En 1876 , Paul Karlovitch reçu le titre de citoyen d’honneur héréditaire pour une réalisation honnête, diligente et consciencieuse pour les commandes avec la Cour en1839. En 1892 il  ouvre son premier magasin  à Moscou, et plus tard  une succursale à Kiev.

Montre Paul Buhre à cadran noir (très recherchée) 1912.


Extrait du catalogue de vente (1912)

En 1916, la société Paul Buhre reçu le brevet suisse ¹ 74 144 pour le chronographe en interne.
À de nombreuses expositions internationales de la société a reçu les plus hautes récompenses.
En 1917, la Révolution a mis fin à l’entreprise horlogère en Russie. Il faut dire qu’il y avait une horloge murale par Paul Buhre au Kremlin, dans le bureau de Lénine.

Le siège a été transféré de Pétrograd en Suisse à Le Locle et le travail “Pavel Buhre” reprend.
Ce n’est qu’en 2004, que Pavel Buhre ( un descendant) entreprit de faire renaître la société avec la création de la société  “Maison de commerce de Pavel Buhre Karlovich” . Et en 2005, les nouvelles collections de montres produites suivant la tradition ancienne, ont été mises en vente.
Il convient de mentionner, que Pavel Buhre, le célèbre joueur de hockey russe, est un descendant de la famille Buhre horloger. Il a décidé de faire revivre l’entreprise horlogère de son grand prédécesseur.
Les montres Paul Buhre sont faites dans le style classique. Chaque modèle est original: «M01010», «M0051», «M01015», «M0064», «M0066», «M00640», etc. Presque chaque montre est équipée d’un mouvement suisse ETA, les modèles sont ronds, en inox acier, les lunettes sont des cristaux de saphir, les bracelets sont fabriqués à partir de cuir de crocodile.

Il y a quelques modèles avec une autonomie de 46 heures. Les montres en or sont faits de 18K or rose ou blanc.
M0063 montre-bracelet est un modèle d’un grand intérêt. Le cadran est tourné de telle façon, que c’est plutôt pratique pour lire l’heure dans n’importe quelle situation, même en conduisant une voiture. Aussi la couronne a changé son emplacement – il est placé à “12:00”.
La société a publié une collection appelée “Chasovnik”. Sur le cadran de la montre, il y a les symboles du zodiaque.
Les admirateurs de montres peuvent profiter collections Paul Buhre dans les musées de la Russie et d’autres pays.

Sergeï Mikhailovich Prokudin-Gorskii (1863-1944)

Précurseur de la photo couleur.

Sergeï Mikhailovich Prokudin-Gorskii
pose près d'un ruisseau de montagne, considéré comme
le fleuve Karolitskhali dans les montagnes du Caucase près du
port de Batoumi, sur la côte orientale de la mer Noire.

La Russie en couleur, il ya un siècle

Sergueï Mikhaïlovitch Prokoudine-Gorski (en russe: Сергей Михайлович Прокудин-Горский), né le  30 août 1863 à Founikova Gora (province de Vladimir, Russie)  et mort le  27 septembre 1944 à Paris.
Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorsky appartenait à une des plus anciennes familles nobles russes, dont les membres ont fidèlement servi son pays pendant plus de cinq siècles.

Armoiries de la famille Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorsky 

Il appartenait à une des plus anciennes familles nobles russes, dont les membres ont fidèlement servi son pays pendant plus de cinq siècles.

On ne sait rien à propos de l’éducation de Sergei enfant, il est possible qu’il ait été scolarisés à domicile, il aurait étudié au Lycée impérial Alexandrovsky, à Saint-Petersbourg. Il termine l’Institut technologique de Saint-Pétersbourg, où il suit les cours de Dmtri Mendeleïev, poursuivant ensuite ses études de chimie à   Berlin puis à Paris. Il collabore avec de célèbres chimistes et inventeurs dont l’Allemand Adolf Miethe (de).. Ensemble, ils travaillent à l’élaboration de méthodes de photographies en couleur.

Bureau de Dmtri Mendeleïev photo de Prokoudine-Gorski.

De retour en Russie dans les années 1890,  il se marie vers 1895 avec Anna Alexandrovna Lavrova (1870—1937), fille du célèbre industriel russe A. S. Lavrov, savant, un des fondateurs de la production nationale de l’acier, et un membre actif de la Société impériale russe technique, il était ainsi directeur de la Société de Bell, de la fusion du cuivre et de Steel Works dans la ville de Gatchina, près de Saint-Pétersbourg.

Le jeune Prokoudine-Gorski avec la famille Lavrov.

Prokoudine-Gorski devient directeur de l’entreprise métallurgique de son beau-père. Bien que son emploi principal (Demidov House) était situé à Saint-Pétersbourg, Prokudin-Gorsky vivait à Gatchina, où ses trois enfants sont nés: Dmitry (1892), Catherine (1893) et Michael (1895).

Prokudin-Gorsky avec ses trois enfants .

En  1898, il est nommé membre de l’Institut technique impérial russe (ITRS) en reconnaissance de ses travaux sur la photographie.

Le 2 Août 1901, le “Studio Photozinkographic et phototechnique” de SM Prokudin-Gorsky a ouvert à Saint-Pétersbourg, 22 rue Bolshaya Pod’yacheskay . En 1902 Prokudin-Gorsky travaillé sur technique  appelée Color Separation (ou trois photographies couleur) au laboratoire de l’École Technique Supérieure à Charlottenburg, près de Berlin, sous la direction du professeur Adolf Miethe, un autre savant éminent et le principal spécialiste de la méthode de séparation des couleurs.

Cependant, comme la presse russe a écrit alors, «l’élève a dépassé le maître“. Grâce à son excellente connaissance de la chimie, de Prokudin-Gorsky a créé sa propre recette pour sensibiliser l’émulsion, ce qui a conduit à la plus évoluée, la vie-comme la transmission des couleurs naturelles à ce moment-là.

Ses propres recherches ont donné lieu à des brevets pour la production de  films couleur et pour des “diapositives”. En 1903, les meilleures entreprises allemandes Görtz et Bermpohl selon les dessins de A. Miethe réalisent des équipements spéciaux pour Prokudin-Gorsky afin de prendre des photos en trois couleurs et projetant des diapositives couleur. Prokudin-Gorsky  imprimait leurs photographies en couleur de qualité très correcte, sous la forme de cartes postales et des illustrations de livres, mais leur vraie beauté et la qualité ne peuvent être obtenue que par la projection d’images directement à partir de plaques de verre sur un grand écran.

Au cours de la première démonstration de ces lames (en termes modernes) à Saint-Pétersbourg et à Moscou en hiver de 1905, les spectateurs ne pouvaient  cacher leur étonnement et leur plaisir, en saluant l’auteur avec un tonnerre d’applaudissements. L’ère de la photographie couleur en Russie a commencé! Vers 1907 Prokudin-Gorskii  a imaginé et élaboré un plan visant à utiliser les avancées technologiques en émergence qui avaient été faites dans la photographie couleur.

Il mit au point un appareil permettant d’impressionner successivement 3 plaques monochromes à travers trois filtres. En projetant simultanément ces trois images rouge, verte et bleue avec des sources de lumière judicieusement filtrées on reconstituait les couleurs originales par synthèse additive.

Filtres et le resultat .

En 1905, il obtient des récompenses aussi bien de l’Exposition Universelle de Liège que du club de photographie de Nice. Il devient éditeur de Fotograf-lioubitel (Фотограф-любитель, « Le Photographe amateur »), la plus importante revue de photographie russe, fondée en 1890, à laquelle il donne une orientation plus scientifique en publiant une série d’articles sur la photographie couleur.

Il ne savait toutefois pas en faire des tirages sur papier, seulement des reproductions par un procédé d’imprimerie (llitographie) de faible qualité quant au rendu des couleurs du fait de la transformation nécessaire de l’image additive en soustractive. Malgré l’intervalle de temps réduit entre les 3 photos (une seconde semble-t-il), les sujets en mouvement donnaient des images floues.

Au début des années 1900 Prokudin-Gorskii a formulé un plan ambitieux: effectuer un relevé photographique de l’Empire russe et ceci avec  l’appui du tsar Nicolas II. Entre 1909-1912 et de nouveau en 1915, il a mené des enquêtes dans onze régions, voyageant dans une voiture de chemin de fer spécialement équipé fourni par le ministère des Transports.

Carte de l'empire russe en 1900.


Train spécialement aménagé avec la chambre noire.

Grâce à ce projet aussi ambitieux, son but ultime était d’éduquer les écoliers de la Russie avec ses “projections de couleurs optiques» de l’histoire vaste et diversifié, de la culture et la modernisation de l’empire.

Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii et les membres de son équipe
photographiques sont présentés ici dans leur
campement poour la nuit  à proximité de
la rivière Chusovaia, sur la côte ouest
de l'Oural qui divisent l'Europe de l'Asie.

Équipé d’une chambre noire dans le wagon spécialement équipé, fourni par le tsar Nicolas II, en possession de deux permis qui lui  accordait l’accès aux zones réglementées et de la coopération de la bureaucratie de l’empire, Prokudin-Gorskii faisait le relevé photographique de l’Empire russe.

Au retour de ses expéditions il faisait de nombreuses conférences illustrées de son travail.Prokudin-Gorskii a quitté la Russie en 1918, après la révolution russe, et f s’installa à Paris, où il mourut en 1944.

Sergei Mikhaïlovitch Prokudin-Gorskiia avec un procédé très particulier a réalisé un  incroyable travail photographique.  Chaque photographie est en fait le résultat de trois clichés pris très rapidement.

Appareil utilisé par Sergueï Mikhaïlovitch Prokudin-Gorskiia

Chacun était en noir et blanc mais prises avec des filtres rouge, vert et bleu. Les trois prises de vues pouvaient alors être recombinées et les couleurs étaient très proches de la réalité.

Vue de la plate forme arrière du train sur la sation Simsk Samara-Zlatooust.

La vraie force de ces photographies,
est l’exeptionnelle, voire extaordinaire qualité visuelle.

Photo 1905-1907

L’impact tient à la conjonction d’une grande précision et de couleurs
vives et singulières, assez loin de celles, délavées, qu’on retrouve
trop souvent dans les appareils numériques du grand public.

Toutes ses photos offrent un portrait vivant d’un monde perdu – l’Empire russe à la veille de la Première Guerre mondiale et la révolution à venir. Ses sujets variait entre les églises médiévales et monastères de l’ancienne Russie, aux chemins de fer et les usines d’une puissance industrielle émergente, à la vie quotidienne et le travail de la population diversifiée de la Russie.

Page de l'album créé en 1915 lors de son dernier voyage documentaire connue.

On voit ici l’un des milliers de négatifs sur plaque de verre faites par Prokudin-Gorskii. Les négatifs ont été utilisés pour produire des lames de verre positifs pour ses conférences illustrées sur l’Empire russe. Prokudin-Gorskii l projetait  les diapositives à travers des filtres rouge, vert et bleu avec un dispositif connu sous le nom de «lanterne magique», qui superpose les images sur un écran et réalise  une image en couleur. Deuxièmement, Prokudin-Gorskii utilisé les négatifs pour  dévelloper  des photos de référence de ses voyages qui étaient classées et anotées dans des albums..

On retrouve en outre un aspect parfois jauni propre aux vieilles photos argentiques.

  Prisonniers de guerre autrichiens 1915.(quelque part près de la mer blanche)

La comparaison avec aujourd’hui est d’autant plus étonnante que de
nombreuses images plus récentes existent mais sont toujours en noir et blanc. On pense
notamment aux images d’archive de la seconde guerre mondiale. La qualité
des photos est en fait d’une telle qualité, qu’il est difficile d’imaginer que l’on
contemple des images d’une Russie vieille de plus d’un siècle.

Il a utilisé une caméra spécialisée pour capturer trois images en noir et blanc dans la succession assez rapide, en utilisant des filtres rouge, vert et bleu, ce qui leur permet ensuite être recombinés et projeté avec des lanternes filtrée pour afficher les images en couleurs vraies près.

La haute qualité des images, combinées avec les couleurs vives, font qu’il est difficile pour les spectateurs de croire qu’ils sont à la recherche d’une époque faisant une bond 100 ans en arrière dans le temps. Lorsque ces photos ont été prises, ni la Révolution russe, ni la Première Guerre mondiale n’avait encore commencé.

Samarkand

Prokudin-Gorskii a quitté la Russie en 1918, tout d’abord pour la Norvège puis l’Angleterre avant de s’installer en France à Paris. Entre temps le tsar et sa famille avaient été assassinés et les  clichés de l’empire  russe si soigneusement documenté  par Prokudin-Gorski avaient été en partie détruits.

Ses images uniques de la Russie à la veille de la révolution – enregistrés sur des plaques de verre – ont été achetés par la Bibliothèque du Congrès en 1948 auprès de ses héritiers. Certaines plaques de verre ont été numérisées et, grâce à un procédé innovant appelé digichromatographie, des images aux couleurs éclatantes ont été produites.

Marchands à Samarkand

Groupe d'ingénieurs pour la construction du chemin de fer.


Astronomes en Sibérie (1905)

Sousdal


Vue sur Zlatooust.


Végétaux pour la fabrication de paniers .


Village de Terzoutskoe sur la rivière Izet (Province de Tobolsk)


Naufrage d'un bateau chargé d'acier

Cigogne dans son nid (Daguestan)


Andreï Petrov Kalganov, ancien directeur de l'usine de Zlatooust.

Epoque de l’impératrice Elisabeth, région Tcherdin.

Gué Aleksenskii où les français ont construits trois ponts, région de Moscou.


Entrée de la mosquée Samarkand et minaret.


Pont ferroviaire region d'Archangelsk.


Fossé Asie centrale


Le village de Nijni Gounib, Gunibsky District, Daghestan


Montagnes environ Nijni Gounib, Gunibsky District, Daghestan



Montagnes environ Nijni Gounib, Gunibsky District, Daghestan



Eglise de Nijni Gounib, Gunibsky District, Daghestan



Bakou province, Dzhevatsky comté, Steppe Mugan. Cuisinière four dans la cour.




Grenadier, province de Bakou, comté de Dzhevatsky, Steppe Mugan.


Tour et une maison d'hiver ordinaire à Nikolaïevka.
 Province de Bakou, comté de Dzhevatsky.


. Bakou province, Dzhevatsky comté, Steppe Mugan. Maison de colons.



Famille de colons russes
Bakou province, Dzhevatsky comté, Steppe Mugan.


Hôtel Petropavlovsk. Région de Bakou.


						
					

Du 17 au 27 septembre 2012 ma cousine Nanou Kourgansky et moi-même, Nadine Dorokine, avons participé à un séjour organisé par l’association Art et Vie, sur le thème « en pays cosaque ».

Nous avons visité des lieux bien étonnants et émouvants, mais c’est des Karaïtes, et de leur vallée sacrée, que j’aimerai vous parler.

Karaïtes, Caraïtes ou Qaraïtes, ainsi se nomment les membres d’une communauté qui se considère comme juive, mais que les Juifs ne reconnaissent pas comme telle. Le terme, apparu au neuvième siècle, signifie en hébreu « fils des Ecritures ».Les Karaïtes ne reconnaissent que l’autorité de l’Ecriture, n’acceptent ni la tradition talmudique, ni la Michnah, ni la Kabbale, autrement dit la transmission et l’interprétation orale de l’Ancien Testament. Ils refusent également la circoncision.

Le karaïsme, deuxième religion des Turcs de Crimée, se caractérise également par des éléments du paganisme turc. Ils adorent le dieu Tengri, dieu du ciel, comme leurs ancêtres pré-judaïques, et vouent un culte au chêne, leur arbre sacré.

Ils ne sont aujourd’hui que 2000 environ, dispersés en Pologne, en Turquie, en Egypte et en Palestine, 650 en Crimée.

Le lundi 24 septembre nous quittons Bachtchisaraï, l’ancienne capitale des Tatars de Crimée, pour la citadelle de Tchoufout-Kalé, spectaculaire plateau rocheux qui surplombe de deux cents mètres la vallée. Les descendants chrétiens des Sarmates, le premier khanat de Crimée au quinzième siècle, et les Karaïtes jusqu’en 1850 s’y succédèrent. (1)

(1) Les cités taillées dans le roc de Çufut Qale (« forteresse juive »), Tepe Kermen, Mangup Qale, Eski Kermen et la forteresse de Surenski, qui se cachent dans les montagnes de Crimée, inhabitées depuis des siècles.
En plus des tombes païennes, ces cités abritent de nombreux monastères et de nombreuses églises, ainsi que des monuments architecturaux juifs, qui témoigne d’un passé à la richesse culturelle exceptionnelle. Protégées par des fortifications, ces villes connurent leur apogée au Moyen Âge, et furent tour à tour le centre culturel de Goths et d’Alains, de juifs karaïques, de Chasares convertis eux aussi dès le 9e siècle au judaïsme, de moines byzantins, des Petchéguènes et de la principauté de Théodoro.

Vue sur la vallée de Bachtchisaraï

C’est en 4+4 –ou plutôt jeeps de l’armée que nous quittons Bachtchisaraï pour gagner le plateau.

Matveï Ivanovitch Platov (1753 – 1818) – comte, homme d’Etat russe, général de cavalerie.
Compagnon d’armes d’Alexandre Souvorov, à partir de 1801 – Ataman des troupes des cosaques du Don.

Matveï Platov est né à Cherkassk (actuellement – Starocherkassk de la province de Rostow). Il était originaire des « enfants des adjudants de l’Armée du Don ». En 1766, il a été inscrit au service de la chancellerie de l’armée comme scribe et en 1769 il a obtenu le grade du capitaine des cosaques. Il a participé aux deux guerres russo-turques de la deuxième moitié du XVIII ème s. Il s’est fait particulièrement remarquer lors de la prise d’ Otchakiv (1788) et de l’assaut d’Izmail (1790), et en 1793 devenu l’ataman des cosaques de Iekaterinoslav et de Chouguev.

Ataman Platov (gravure Salomon Kardelli)

Il est fait chevalier de l’Ordre de Saint-Vladimir de 3e classe pour sa participation à l’Expédition russe en Perse de 1796.

Ordre de Saint Vladimir (3e classe)

En 1801, promu au grade de lieutenant général, Matveï Platov est devenu l’ataman de l’Armée du Don. Pendant la campagne de 1807 contre les Français il commandait tous les régiments cosaques. Pour ses mérites dans les combats contre les Turcs il fut promu général de cavalerie.

Disgracié et emprisonné par Paul Ier qui le réhabilitera en lui décernant le titre de Commandeur de l’Ordre de Saint-Jean de Jérusalem en 1805.

Ordre de Saint-Jean de Jérusalem.

Dans le combat près du village de Semlevo, l’armée de Platov a remporté la victoire sur les Français et a capturé un colonel de l’armée de Murat. Pendant la retraite de l’armée française, Platov remporta des victoires près de Gorodnya, le monastère de Kolotsk, Gjatsk, près de Doukhovschina et lors du passage de la rivière Vop. En novembre, Platov  prit Smoensk et a vainquu le maréchal Ney sous Doubrovna.

Vitoire du Général Platov à Mourom le 9 juilet 1882, (huile  de Victor Mazourkov)

Sur décret d’Alexandre en 1812, il a reçu le titre du comte. En participant aux campagnes
étrangères, Platov a pris la ville de Malbork à la veille du Jour de l’an 1813, ensuite il s’est emparé de la localité  de Dirsch et a pris la forteresse  de Danzig. Le 13 avril 1813, à Dresde, l’Empereur Alexandre I a reconnu les mérites de «l’Armée du Don» en soulignant sa contribution  à la libération de la Russie.

Alexandre Ier (1777 - 1825)

Le 13 septembre M. I. Platov  remporta une brillante victoire près d’Altenbourg.Les Coalisés ont un plan : foncer sur Leipzig afin de prendre l’armée française dans un étau. Napoléon, lui, veut concentrer ses forces afin de battre les deux armées coalisées l’une après l’autre, comme à Castiglione et le 4 octobre le Général Platov a participé à la fameuse «Bataille des Nations» sous Leipzig.

Bataille dit de Leipzig

Ici-même le 6 octobre il a capturé toute une brigade de cavalerie, 6 bataillons d’infanterie et 28 canons, ce qui a été récompensé par l’ordre de Saint-André Apôtre le premier nommé remis directement sur le champ de bataille.

Ordre de Saint-André Apôtre.

Le 20 octobre, Platov a pris Francfort-sur-le-Main, en y déployant son principal état-major où sont venus s’installer les dirigeants des Ettats alliés.

Retraite de Napoléon, gravure de Couché fils.

M. I. Platov y reçut la plume en diamants avec monogramme et aux lauriers pour la porter au shako (couvre-chef). En 1814, pendant les combats sur le territoire de la France, M. I. Platov combattit  près de Laon, Epinal, et Charmes et a pris Fontainebleau. Plus tard, Platov a pris la ville fortifiée de Namur. Le 19 mars 1814 les alliés sont entrés à Paris. Les cosaques se sont installés sur les Champs Elysées.

Cosaques installés sur ls Champs Elysées.

Après la signature du Traité de Paris, Platov accompagne Alexandre I à Londres. En Angleterre, l’ataman des cosaques bénéfi ciait d’une extrême popularité. L’université d’Oxford lui a remit un diplôme du docteur honoris causa en droit, son portait fut installé dans l’une des salles d’apparat du Palais royal, un navire anglais de 80 canons fut  baptisé en son honneur. Matveï Ivanovitch a profondément impressionné Walter Scott pendant leur brève rencontre.
De retour sur le Don, Platov s’est entièrement consacré aux affaires de la province du Don. Il vouait l’amour et le soin particulier à l’élevage des chevaux..

Elevage de chevaux du don.

Dans les années 70 du XVIII siècle, Platov a fondé le premier haras en Russie. En suivant Platov, les cosaques de vielle souche et les nobles ont conduits leurs troupeaux dans les steppes d’outre Don: Ilovaïskyï, Kouznetsov, Kalachnikov et beaucoup d’autres.

Matveï Platov est mort le 3 janvier (le 15 janvier) 1818.
Il est inhumé à Novotcherkassk dans le caveau familial près de la Cathédrale de l’Ascension.

Buste du Général Ataman M. Pltonov

En 1911, ses restes ont été transférés dans la sépulture de la cathédrale militaire à Novotcherkassk.

Distinctions et décorations:

– L’ordre impérial de Saint-André
– L’ordre de Vladimir de première classe
– L’ordre impérial de Saint Alexandre Nevski aux diamants
– L’ordre de Sainte-Anne
– L’ordre de Saint-Jean de Jérusalem
– L’ordre impérial et militaire de Saint-Georges de 2ème classe
– L’ordre prussien de l’Aigle Noir
– L’ordre prussien de l’Aigle Rouge
– L’ordre militaire autrichien de Marie-Thérèse,
– L’ordre de Léopold du 2 degré

Arc de triomphe élevé à Novotcherkassk pour commémorer la victoire
des Cosaques sur Napoléon.

La Grande bataille de Borodino ou de la Moskova.

7 septembre 1812

Va se derouler la plus grande reconstitution sur le champ de Borodino nommer également Moskowa, théâtre de la fameuse bataille franco-russe de 1812 que les Français appellent la bataille de la Moskova, avec la participation de clubs de l’histoire militaire de France, de Pologne, de Belgique et d’Ecosse. Fêtes lancées en juin, qui se prolongeront jusqu’à la fin de l’année, soit une durée équivalente à celle des combats qui ont fait rage en Russie en 1812.

Le 26 août 1812, les deux armées immenses – russe, dirigée par Koutouzov et la Grande Armée de l’Empereur français Napoléon se sont rencontrées face à face. Les français fonçaient vers Moscou, l’ancienne capitale russe pour frapper la Russie eau cœur. Koutouzov a décidé de donner la bataille générale dans le champ de Borodino, ayant  appliqué avant la politique de la terre brûlée sur près de 2 000 km entre la frontière russe et Moscou.

La bataille prit fin avec la retraite de l’armée russe, qui se retira en bon ordre. La bataille de la Moskova marque la dernière action offensive française sur le sol russe. En se retirant, les Russes sont encore en état de combattre, ce qui leur permettra de bouter les troupes françaises hors de la Russie. Ils ouvrent aussi la route de Moscou que la Grande Armée atteindra une semaine plus tard, le 14 septembre. Elle y restera jusqu’au 19 octobre, jour où commence le retour, bientôt désastreux, de la Grande Armée.

Des cosaques russes viendront de Moscou à Fontainebleau  dans le cadre des festivités
“Nous partirons de la place Rouge le 8 septembre,  juste après un spectacle grandiose. Nous traverserons la Biélorussie, la Lituanie, la Pologne et l’Allemagne pour arriver dans la ville française de Fontainebleau   fin d’octobre“, a déclaré aux journalistes Igor Morozov, directeur adjoint de Rossotroudnitchestvo (Agence fédérale russe chargée des affaires de la Communauté des Etats indépendants, des Russes à l’étranger et de la coopération humanitaire internationale).

voir article “Cosaques de Moscou à Paris ” (CLIQUEZ)

Les préparatifs de cet événement sont en cours depuis dix-huit mois. Les organisateurs envisagent de reconstituer la traversée effectuée par le corps cosaque de l’ataman Matveï Platov en 1812-1814, attirant ainsi l’attention sur l’histoire de la Russie et encourageant l’union des peuples européens.

Le chemin sera long de 2.500 km et comprendra des tronçons où les chevaux devront être transportés. 22 chevaux capables d’effectuer plus de 300 km par jour ont été sélectionnés pour participer à l’événement. Il s’agit des chevaux du Don, monture des cosaques ayant pris part à la poursuite des troupes de Napoléon. Il ne reste que 243 spécimens de cette race en Russie et les organisateurs ont l’intention de favoriser son rétablissement.

Anna Pavlova, Анна Матвеевна (Павловна) Павлова.

Anna Pavlova (Saint Petersbourg 1905) 

Anna Matveïevna (Pavlovna) Pavlova (en russe : Анна Матвеевна (Павловна) Павлова)  ballerine russe, elle est née à Saint-Pétersbourg le 12 février 1881 et elle est décédée à La Haye le 23 janvier 1931.

Née d’une  famille modeste, Anna Pavlova après avoir vu une représentation de La Belle au bois dormant en 1890, décida de se consacrer à la danse. Formée à l’École impériale de danse de Saint-Pétersbourg, elle eu comme professeurs: Pavel Gerdt, Marius Petipa et Enrico Cecchetti, dont elle sera par l’unique élève, de 1906 à 1908, qui lui permettra d’entrer en 1899 au sein du ballet du Théâtre Mariinsky.

Anna Pavlova (Saint Petersbourg 1905)

Lorsqu’en 1906 elle devient danseuse étoile, elle a déjà dansé les plus grands rôles du répertoire classique. Elle reste attachée au Mariinski jusqu’en 1913, bien qu’en 1911 elle se disputa avec Mordkin. Elle a gardé le secret de son mariage avec son manager, Victor Dandré.
Anna a été connu pour avoir eu les pieds très cambrés, ce qui fait qu’il est difficile de danser sur la pointe des orteils. Elle avait découvert qu’en ajoutant un morceau de cuir dur pour les semelles, les chaussures avaient une meilleure prise en charge, son idée a été le précurseur de la chaussure moderne de pointe.

Theâtre Marie (Mariinski) 

Anna Pavlova, cette grande danseuse est passée dans la légende de son vivant, se considérait elle-même comme une « moniale de l’art ». Pendant la guerre, elle parcourt les deux Amériques et tient même
la vedette dans le film “la Muette de  Portici”. Ses admirateurs étaient fous d’elle, les statuettes de la danseuse se vendaient partout et pendant sa tournée aux États-Unis ses portraits ornaient les transports municipaux, fait qui a failli provoquer un procès.

Anna Pavlova 1912.

La paix revenue, Pavlova revient à Londres où elle avait acheté une maison quelques années auparavant ( Ivy House, dans
Hampstead ). Ce devait être son point d’attache toute sa vie durant. C’est là désormais qu’elle ira se reposer entre deux
tournées, en compagnie de son mari Victor Dandré, entourée de ses animaux favoris et de ses chers cygnes, si souvent
photographiés. C’est là sans répit qu’elle conçoit ses projets, répète, donne des leçons.

Anna Pavlova en compagnie de Jack, l'un de ses cygnes apprivoisé.

Pavlova ne manquait pas de se lamenter :  “Pourquoi toujours ces lèvres serrées, ces visages sans expression? Pleurez quand vous avez envie de pleurer et riez quand vous avez envie de rire“. En dépit de ses mouvements d’humeur elle restait trés maternelle avec ses danseuses, à qui elle donna une formation admirable que certaines continueront  de transmettre à leurs propres élèves. N’ayant pas d’enfants, ses instincts maternels se consacraient à sa compagnie et à une maison pour les orphelins réfugiés russes, qu’elle avait fondé à Paris en 1920.

Pourtant, Pavlova préférait vivre en retrait du monde et pouvait passer des heures en observant les cygnes qui nageaient dans l’étang au milieu d’un énorme parc à l’anglaise qui entourait sa propriété d’Ivy House.

Anna pavlova dans sa maison .

Ivy House maison  de la danseuse dans les environs de Londres ou elle a vécu  20 ans après son départ de la Russie, de 1912  à 1931. La maison  célèbre en 2012 son centenaire.

Ivy House 94 à 96 North End Road London

Lorsqu’elle montait sur la scène, elle ressemblait à cet oiseau énigmatique, fier et ardent, – raconte la soliste du Bolchoï Evguenia Obraztsova qui avait pris part au concert de gala:

« Quand on regarde son fameux enregistrement du « Cygne mourant », on voit, certes, que les danseuses d’aujourd’hui affichent une meilleure technique, ont un autre look et sont même plus belles…Pourtant, il leur manque le frémissement qui distinguait Anna Pavlova. Elle a sur traduite dans sa danse l’esprit de l’époque et un état intérieur plein d’exaltation. Je suis certaine que toute danseuse contemporaine qui se compare à elle doit honnêtement avouer qu’il lui manque quelque chose. Ce « quelque chose » est l’élément insaisissable de sa personnalité qui fait sa force, tant et si bien que le ballet du passé possède un charme que, malheureusement, nous ne pouvons plus recouvrer… »

Ana Pavlova dans le Lac des Cygnes 

Elle crée sa propre compagnie, afin de partager sa passion de la danse sur le plan international. Ses duos avec Vaslav Nijinski dans Les Sylphides et Giselle sont restés dans les mémoires.

Anna Pavlova et Nijinski dans le Pavillon d'Armide.

Toutefois, Anna Pavlova est réellement entrée dans la légende grâce à son interprétation de La Mort du cygne, sur un extrait du Carnaval des animaux de Camille Saint-Saëns. Michel Fokine créa ce solo à sa demande, lors d’une répétition en 1905, et avouera plus tard avoir été inspiré par la visite que lui avait rendue Isadora Duncan quelques mois auparavant.

Anna Pavlova

Tragédienne expressive aux dons de transformation inégalables, elle fuit la virtuosité. Malgré son manque de sens musical, elle acquiert la célébrité par sa présence éthérée, immatérielle, dans le plus pur des styles classiques.

Anna Pavlova dans sa maison d'Ivy House de Londres.

Elle inspira lors de ces tournées en Nouvelle Zelande et en Australie, un dessert. Les deux pays revendiquent l’invention de la pavlova, ce qui est source de conflit. Le chef-d’œuvre de confiserie qui porte le nom de Pavlova, ne cesse de se perfectionner et est aussi populaire qu’en 1926, quand il venait d’être mis sur le marché. Il s’agit  d’une tarte à la meringue, à la crème battue et décorée de fruits frais. Les confiseurs de la Nouvelle Zélande se sont inspirés du chausson de danse  de Pavlova avec des roses de soie verte.

Gâteau Pavlova.

La compagnie parcourt sans relâche le monde et notamment le continent américain jusqu’en 1925.

Programme du 18 octobre  1923 de l’Opéra de Mahattan.

Elle inspira également différents artistes lors de ses tournées aux Etats Unis.

Caricature d'Anna Pavlova en 1920

La guerre et la révolution russe de 1917  la jeteront d’une certaine manière sur les routes, et il lui sera difficile, voir impossible de retourner en Russie. Elle se mettra alors à sillonner le monde.

Anna Pavlova posant devant sa malle aux costumes.

Les Etats Unis, mais aussi l’Asie du sud est l’Inde, elle est pour beaucoup dans la renaissance de la danse indienne au début du siècle. C’est elle qui encouragera les premiers et courageux danseurs indiens, qui, contre vents et marées, braveront leurs familles et leurs castes, et surtout le gouvernement anglais,  pour monter sur scène et faire renaitre la danse que les anglais avaient interdites : Pavlova encourage trois danseurs et dansera même avec l’un d’eux : Uday Shankar
Mais elle sera aussi l’alliée de Menaka, qui va rescussiter le Kathak et de Rukmini Devi, elle fera beaucoup pour le Baratha natyam.

Uday Shankar avec Anna pavlova et une autre danseuse (?)

Exclusivement tournée vers son art, parfaitement consciente de sa superiorité, elle a toujours été pour elle-même le plus
sévère des critiques. Rien par exemple ne la contrariait plus qu’une ovation qu’elle jugeait n’avoir pas méritée.

Anna Pavlova, par Pavel Chmarov (Huile sur toile 200X128, Musée Berdiansk, Ukraine )

Les voyages
incessants l’épuisaient, et pourtant , de toute sa troupe, c’était elle qui travaillait avec le plus d’acharnement, répétant souvent
seule dans le théâtre, une fois les lumières éteintes, après le départ de ses camarades.

Costume  d'Anna Pavlova dans Le Lac des Cygnes (Musée Nationale du Costume, Moulins)

Anna Pavlova, en 1931, tomba malade pendant les répétitions pour un spectacle en Europe, mais elle a refusé de se reposer. Quelques jours plus tard, elle s’est effondrée avec une pneumonie. Elle s’éteindra dans un hôtel de la Haye, à l’âge de cinquante ans, le 23 janvier 1931 après des années et des années de représentations, de spectacles, parfois dans des conditions parfois  précaires.

Dédicace d'Anna Pavlova.

Et le soir de sa disparition, la musique de La Mort Du Cygne fut jouée alors qu’un projecteur seul fixait son souvenir sur la scène vide…
Ce jour là, l’un de ses cygnes mourut lui aussi, alors que son compagnon s’envola du parc de sa chère maison pour ne plus jamais y revenir…
La dépouille de la danseuse fut ramenée à Londres… Une fois terminées les liturgies de l’Eglise Orthodoxe, Alexander Volinine demanda à son fidèle ami, Piotr Vladimiroff de porter avec lui le cercueil : “Nous allons danser un dernier pas de trois avec notre pauvre chère Anna Pavlovna”… “Et c’est moi qui vous dirigerai“, enchaîna le maître Ivan Clustine. Les trois grands artistes prirent le chemin du columbarium, où la Prima Ballerina fut incinérée.

Urne contenant les cendres d'Anna Pavlova.


Anna Pavlova sur le dôme du Victoria Palace Theatre de Londres


Médaille commémorative russe.

Paul Chmaroff naît le 22 septembre 1874 à Voronej, grande ville située près du Don, à quelque 500 kilomètres au sud-ouest de Moscou.

Voronej.

On sait peu de choses sur son enfance et sa famille, les archives familiales et les ressources documentaires sur son œuvre ayant été dispersées entre Moscou, Saint-Pétersbourg et Paris.

Rue Molo Smolenskaya à Voronej où est né Paval Chmaroff.

On ne trouve guère d’éléments d’information à Voronej qui fut détruite à 95% pendant la Seconde Guerre Mondiale. Seuls subsistent quelques témoignages d’amis ou de personnalités qui l’ont croisé au cours de son existence.

Paul Chmaroff  ( Павел Дмитриевич Шмаров )Autoportrait.

D’origine paysanne, son père, Dmitri Shmyrov (ou Shmyrev), est un artisan respecté et aisé ; il possède un atelier de charronnerie employant de nombreux apprentis. On lui connaît trois enfants Vassili, Paul (Pavel) et Lioubov. Quand le 16 août 1885, Paul entre à l’école du district, la famille demeure au 5, rue Malaja Smolenskaya. Malheureusement en juin 1890, il est obligé de quitter l’école, probablement à cause de la mort de son père, cet événement booulverse la situation familiale. 

Paysannes (Paul Chmaroff) Mus. I. Brodski, Berdiansk.

Chmaroff le résume dans son journal en 1907 : « La première perte, celle de mon père, m’a peu touché, je ne l’aimais pas. La seconde, notre situation, a affecté durement mon amour propre. Tout a disparu à jamais, tout a été emporté. L’écrire me serre encore la gorge. Quelle humiliation, me sembla-t-il, quand un ami m’a offert un costume. J’ai refusé et je l’ai détesté. Il n’y avait pas d’argent, et j’ai dû abandonner mes études. Une vie insupportable, pleine de désolation a commencé, le froid dans la maison, les repas dont je n’ai pas souvenir. Ma sœur Liouba n’en comprenait pas alors la raison ».

Il est heureux d’obtenir un travail au Consistoire pour un misérable salaire de 4 roubles par mois puis enchaîne des petits boulots pour finir chez un photographe. Un travail de mieux en mieux payé, même s’il en a honte. Son frère, à la fin de ses études techniques, part pour Novorossisk (port sur la mer Noire) où il touche un salaire de 40 roubles, dont il envoie la moitié à leur mère.

Novorossisk.

C’est pendant cette période difficile que Paul rencontre Lev G. Soloviev (c.1837-1919), dessinateur et peintre d’icônes. Ami du philosophe Nikolaï Fedorev (1829-1903) et de Léon Tolstoï, Soloviev joua un rôle important dans le développement artistique de Voronej.

Nikolaï Fedorev  (Федоров, Николай Федорович) (1829-1903)

Paul Chmaroff entre en 1893 à l’école gratuite de dessin de la ville. Il y apprend la rigueur du dessin et l’étude d’après nature. Sous l’influence de son maître, il devient végétarien et adepte des idées de Tolstoï.

Leon Tolstoï ( Лев Толстой 1828-1910)

« L’art seul était jouissance » écrit Chmaroff dans son journal. Ses condisciples sont Mitrofan Fedorov(1870-1942), Aleksandr Boutchkouri (1870-1942), Vassa Epifanova (1875-1942), Elena Kiseleva(1878-1974), Konstantin Rausch-von-Traubenberg (1871-1935), ainsi que d’autres habitants de Voronej avec lesquels il continuera à avoir des relations suivies à différentes périodes de sa vie.

"Fête au village" (Paul Chmaroff).

Le jeune Paul découvre lors d’une exposition pendant cette période d’apprentissage, l’art des Peintres Ambulants. Apparu en Russie en 1863, ce mouvement pictural réaliste s’élève contre l’art académique en vigueur. Les œuvres qui illustrent ce mouvement sont essentiellement des peintures de genre, à caractère social et historique, traitant de la condition du peuple russe. Ces artistes ambulants organisaient des expositions itinérantes dans le but pédagogique de démocratisation de la culture.

"L'inconnue" I. Kramskoï (1883), un des créateurs des Ambulants.

Le futur maître de Chmaroff, Ilya Repine (1878-1955), Vassili Polenov (1844-1927) et Arkhip Kouindji (1842-1910) sont les chefs de file de ce mouvement des artistes ambulants. Il s’inscrira plus tard dans cette mouvance et participera aux expositions de leur Société.

Ilya Répine (autoportrait 1878).

La première exposition de l’Ecole de Dessin de Voronej, se tient du 25 décembre 1893 au 4 janvier 1894 et présente plus de 400 œuvres. Celles de Chmaroff sont remarquées par le Télégraphe de Voronej, notamment un portrait de jeune fille au minois vivant et sage. C’est également la première fois que l’artiste est appelé « Chmaroff » au lieu de Chmyrov.

"Portrait d'une jeune fille" (Paul Chmaroff).

Dès septembre 1894, ils sont 11 artistes à exposer parmi lesquels Chmaroff présente 70 œuvres. Elève brillant, Paul reçoit en 1894 le soutien du comité des mécènes de la ville de Voronej et part étudier comme auditeur libre, à l’Académie des Beaux-arts de Saint-Pétersbourg.

 Académie des Beaux Arts de Saint Petersbourg.

Accompagné par Mitrofan Fedorov, il intègre l’atelier dirigé par Repine, et rencontre les futures grandes figures de l’art russe tels Filipp Maliavine (1869-1939), Boris Koustodiev (1878-1927) ou Anna Ostroumova-Lebedeva (1871-1955).

A l’exposition des travaux d’élèves de 1895, ce jeune étudiant très doué verra son tableau « Le train de bois », réalisé pendant ses vacances à Voronej, récompensé par la somme de 75 roubles. Cependant malgré son talent, il souffre de ses origines modestes. Ses camarades le surnomment « Mitritch », « fils de Dmitri », une façon familière d’appeler les jeunes paysans, soulignant ainsi son côté provincial et bourru.

En 1897, il est officiellement admis comme élève de l’Académie. Remarqué par Kouindji et Répine, ce dernier écrit de lui : « Chmaroff va de l’avant; dans ce garçon, désespérément inculte, il y a un grand peintre… Quelle chaleur, quelle intégrité, quelle souplesse et plasticité dans ses études ! Combien il y a d’impression et de grandiose dans ses esquisses ! Et dans tout cela, des tableaux presque aboutis ».

Arkhipa Ivanovitch Kouindji  (Куинджи Архипа Ивановича, 1869).

En mai 1898, Igor Grabar et Dmitri Kardovski reviennent de Munich, enthousiasmés par l’école fondée par le peintre réaliste slovène, Anton Ažbe (1862-1905). Sans doute influencé par eux, Paul Chmaroff s’y inscrit à son tour en décembre. Il y côtoie le petit cercle russe de Marianne von Werefkin : Alexi von Jawlensky, Vassili Kandisky, ainsi que Igor Grabar et Dmitri Kardovsky. Il  rentre en avril à Saint-Pétersbourg.

Anton Ažbe (1862-1905) Антона Ашбе.

En 1899, il reçoit, pour sa fresque historique « Malheur aux vaincus ! », commande de l’Académie des Beaux-arts de Saint-Pétersbourg, le titre officiel de peintre, la médaille d’or et une bourse d’étude à l’étranger. L’un de ses camarades d’atelier se souvient : «Il peignait à larges touches, comme avec une brosse… Son dessin était par contre tout à fait à l’opposé. Ayant taillé vivement sa mine de plomb, il dessinait très finement et en détail sur le papier lisse presque sans ombres. Son idéal était Ingres. »

Malheur aux vaincus ! Горе побежденным!

Entre 1900 et 1902, grâce à sa bourse, il parcourt l’Europe de Vienne, à Rome, Florence et Venise. A Paris, Chmaroff étudie dans l’atelier du peintre académique Jean-Paul Laurens (1838-1921).

Jean-Paul Laurens (1838-1921)

Il réside dans le quartier du Parc-de-Montsouris, rue de la Tombe-Issoire, quartier à la fois haussmannien et campagnard où beaucoup d’artistes et d’exilés ont trouvé refuge.

Femme au bouquet de violettes (Paul Chmaroff)

En 1904, il découvre l’Espagne en compagnie de Boris Koustodiev. Ces pérégrinations n’empêchent pas Chmaroff de présenter régulièrement ses œuvres aux Salons de Printemps de l’Académie.

Le village en hiver (Paul Chmaroff).

De 1900 à 1910, il exécutera des portraits de la noblesse et de la bourgeoisie intellectuelle, mais aussi du tsar Nicolas II et de la famille impériale, ce qui lui vaut le titre de « peintre du tsar ».

Inna Alexandrovna Domogarova  (Musée des Beaux arts Voronej).

Le caractère de Chmaroff, d’après ce qu’il ressort de son journal, est celui d’un coureur de jupons. Il compte ses aventures comme Don Giovanni : il aura plus de 99 conquêtes avant son départ de Voronej.

Femme en robe du soir (Paul Chmaroff)

En 1906, il a une liaison avec une femme mariée, dont il aurait eu un enfant. Elle porte le nom de sa sœur adorée Liouba, décédée, il lui écrit d’interminables lettres sans pouvoir ni les lui envoyer ni la rencontrer. En 1909, il est à Paris avec une jeune ballerine des Ballets russes, Lidya Mouromskaya.

Lidya Mouromskaya, (Musée du Theâtre de Saint Petersbourg).

Chmaroff peint alors de grands tableaux de genre ou de bataille ainsi que des panneaux décoratifs. Il dessine aussi bien pour des journaux (Vetchernee Vremia, Novoie Vremia et la Revue du Théâtre littéraire et artistique) que pour le théâtre. Il réalise également des illustrations pour les œuvres des poètes et écrivains Nikolaï A. Nekrassov (1821- 1878), Alexandre S. Pouchkine (1799-1837), Mikhaïl Y. Lermontov (1814-1841), comme pour l’historien et archéologue Ivan J. Zabelin (1820-1908).

Sa peinture monumentale « La Bataille de Borodino » (1912)  (dont le lieu de conservation reste inconnu) obtient un vif succès, relaté ainsi par le journal local, Vetchernee Vremia : « Les peintres de batailles talentueux sont rares à présent, chez nous, comme à l’étranger. Une agréable exception est faite par les travaux de Chmaroff réussissant à joindre une large palette savoureuse à la fidélité du dessin, la composition et l’exactitude historique ».

Dessin de Moscou (Paul Chmaroff).

En 1912, à l’instigation des peintres Ilya E. Repine et Vladimir E. Makovsky (1846- 1920), et du sculpteur Vladimir A. Beklemishev, il est proposé comme académicien, mais n’obtient pas la majorité des suffrages.

Pavel Chmarov au cours de Répine à l'Académie 

 des Beaux Arts de Saint Petersbourg.

Il sera élu en 1916 à la seconde présentation de sa candidature. Il préside alors le comité de l’Exposition de Printemps dans les salles de l’Académie de peinture, qui présente l’exposition annuelle des travaux d’élèves.

Réunion de professeurs à l'Académie des Beaux Arts de Saint Petersbourg.

Cette même année 1916, il reçoit commande du plus grand quotidien russe de l’époque Novoïe Vremia (Temps nouveau), par l’intermédiaire de Boris A. Souvorine, fils du célèbre éditeur Alexeï S. Souvorine (1834-1912) et de l’écrivain Anton Tchekhov. Il part alors pour le front oriental (Pologne) et exécute une série de 30 dessins sur le thème de la guerre. Ses travaux sont publiés dans diverses revues.

Novoïe Vremia (Temps nouveau)

En 1917, au tout début de l’ère soviétique, il participe à la première exposition de tableaux, études et esquisses de la Fondation A. I. Kouindji, puis, en 1919, à la première exposition nationale libre d’œuvres d’art.

Début 1923, il part à l’étranger, d’abord à Rome pendant presque deux ans, puis s’installe à Paris en décembre 1924 dans le 14ème arrondissement. Il continue à peindre ses paysages peuplés de roussalki, ces ondines slaves, ou de jeunes paysannes en costumes russes, et de nombreuses natures mortes.

Jeunes paysannes (Paul Chmaroff).

Troïka (Paul Chmaroff- Musée des Beaux Arts Voronej).

"Quatre paysannes russes" (Paul Chmaroff).

Il travaille essentiellement sur commande comme portraitiste et exécute, entre autres, les portraits du chanteur d’opéra et acteur russe, Fédor Chaliapine (1873-1938) et celui du danseur et chorégraphe d’origine ukrainienne, Serge Lifar (1905-1986). Il ne cessera jamais de peindre en parallèle, des paysages peuplés de baigneuses, empreints de la nostalgie de sa terre natale.

Chaliapine dans Boris Godounoff (Paul Chmaroff).

Lors de sa première grande exposition à Paris en 1928, à la Galerie Charpentier, (76, rue du Faubourg Saint-Honoré), il présente des portraits, des natures mortes et des paysages habités.

La femme en bleu (Paul Chmaroff).

Bouquet de lilas (Paul Chmaroff).

Le musée du Luxembourg y acquiert une « Baignade ». Il participe aux expositions d’Art russe à Paris (Galeries d’Alignan en 1931 et La Renaissance en 1932), ainsi qu’en Allemagne, Angleterre, Belgique, Hollande, puis en Argentine et en Yougoslavie.

"Les naïades" (Paul Chmaroff).

Sa femme, Olga Vinogradova est une ancienne costumière du Bolchoï qui a réalisé notamment le costume de Chaliapine pour Boris Godounov. A Paris, ses broderies lui permettent de gagner sa vie. Jusqu’en 1939, il expose au Salon des Artistes français et travaille pour le théâtre, et très probablement pour les Ballets russes. A Paris, il décore l’atelier de danse de Serge Lifar.

Olga Vinogradova, Madame Chmaroff (Paul Chmaroff).

Pourtant, il arrive difficilement à vivre confortablement de son art et, souvent, paie ses loyers en tableaux.

Chmaroff crée parfois des cartons pour ses tapisseries.

Olga peint également à l’aiguille des icônes.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, ils déménagent à Boulogne-Billancourt,

juste après le bombardement des usines Renault

Bâtiment de Renault après le bombardement du 4 avril 1943

Chmaroff parlant à peine le français, ils côtoient essentiellement d’autres émigrés russes mais il travaille surtout pour un riche entrepreneur en bâtiment pour lequel il compose des fresques décoratives, exécute des portraits, des nature mortes ou et des baigneuses.

Trois baigneuses se déshabillant (Paul Chmaroff).

Pendant cette période, il est un intime de l’artiste peintre la plus emblématique des années Art déco, Tamara de Lempika (1898-1980), mais surtout de sa sœur, décoratrice et architecte, Adrienne Gurwick-Gorska (1899- 1969), dite Tamara de Lempicka.

Adrienne Gurwick-Gorska (1899- 1969), dite Tamara de Lempicka.

En 1946, l’Union des patriotes soviétiques organise rue Galliéra, à Paris, l’exposition « Hommage à la Victoire » à laquelle participe Chmaroff avec un portrait de Staline en généralissime. Certes sa mère-patrie lui manque cruellement, mais c’est sans la revoir qu’il meurt le 2 juillet 1950.

Il est enterré dans le cimetière Pierre Grenier de Boulogne-Billancourt. Mais sa tombe a disparu, sa dépouille ayant rejoint les anonymes dans la fosse commune. Chmaroff laisse en France une œuvre abondante liant la tradition russe au style Art Déco.

En 1955, sa femme et ses amis organiseront une exposition rétrospective à la Galerie Charpentier.

Olga meurt un an plus tard ; son fonds d’atelier sera alors dispersé.

Catherine Boncenne, historienne d’art.

Repères biographiques :

1874 : Naissance de Pavel Dmitrievitch Chmaroff à Voronej.

1893-1894 : Etudes à l’école gratuite de dessin de Voronej sous la férule de Lev G. Soloviev.

1894 : Auditeur libre à l’Académie des Beaux-arts de Saint-Pétersbourg dans l’atelier d’Ilya Repine.

1899 : Reçoit le titre de peintre, la médaille d’or et une bourse d’étude à l’étranger, avec « Malheur aux vaincus ».

1900-1902 : Voyages à Vienne, Rome, Florence, Venise, Munich et Paris.

1904 : Découverte de l’Espagne avec Koustodiev.

Reçoit la médaille d’or à l’Exposition Universelle de St Louis, Etats-Unis pour « La Parisienne »

1905 : Récompensé par le I^er prix Alexandre III de la Fondation A.  Kouindji pour « En attendant le train », et le 2^ème prix à l’Exposition Universelle de Liège avec « L’Année 1812 »

1900-1910 : Exécute les portraits de la Grande Duchesse Maria Pavlovna, du comte Moussine Pouchkine, du prince Youssoupov-Soumarokoff-Elston, du ministre de la guerre Kouropatkine, de l’éditeur Souvorine, du tsar Nicolas II…

1914 : Travaille à la Commission d’acquisition des tableaux pour les musées de province de la fondation A. I.  Kouindji, fondée en 1909.

1916 : Elu académicien, il préside le comité de l’Exposition de Printemps dans les salles de l’Académie de Peinture. Il part pour le front et exécute 30 dessins sur le thème de la guerre.

1917 : 1^ère exposition de tableaux, études et esquisses de la Fondation. A. I. Kouindji.

1919 : 1^ère exposition nationale libre d’oeuvres d’art.

1922 : 16^ème exposition de l’Union des artistes russes.

1923 : Emigre en Italie, à Rome.

1924 : S’installe à Paris dans le 14^ème arrondissement.

1928 : 1^ère exposition personnelle à la galerie Charpentier, Paris. Participe à l’Exposition d’Art Russe, à Bruxelles.

1930 : Expositions d’Art Russe à Belgrade et Berlin.

1931 : Expose à la Galerie d’Alignan, Paris.

1932 : à la Galerie de la Renaissance, Paris.

1946 : Exposition « Hommage à la Victoire », Union des patriotes soviétiques, Paris.

1950 : Décède à Boulogne-Billancourt.

1955 : Exposition rétrospective à la Galerie Charpentier, Paris.

2000 : Exposition « Le symbolisme russe », musée des Beaux-arts de Bordeaux

2010 : – Rétrospective Galerie Zurab Tseretelli de Moscou, (Fédération de Russie)

–  Expotion au Musée des Beaux-arts de Voronej, (Fédération de Russie)

– Expostion à l’Académie des Beaux-arts de Russie de Saint-Pétersbourg. Saint Petersbourg,  (Fédération de Russie)

–  Exposition « Les artistes russes hors frontières », Musée du Montparnasse, Paris.

2012: Exposition à l’Espace Cardin, Paris

Le Théâtre Bolchoï en restauration

de 2005  à  2011 soit

six ans de restauration, de restructuration et de réaménagement

va réouvrir avec 3 ans de retard en octobre 2011.

La troupe du “Bolchoï” a été fondée en mars 1776 par Pierre Ouroussov et l’Anglais Mikhaïl Medoks, ils reçurent la permission de l’impératrice Catherine II pour donner des représentations théâtrales, des concerts. Commença la construction du théâtre,  nommé Petrovsky en raison de sa situation sur la Place Petrovskaya.

Le premier Théâtre Bolchoï Petrovsky.

Mais, le premier théâtre russe à Moscou a brûlé avant son inauguration.  Le théâtre Petrovsky du prince Ouroussov et de Medoks n’a duré que 25 ans – en 1805 le bâtiment ayant brûlé (il avait déjà brûlé et reconstruit à plusieurs reprises).

Les affaires du prince allant mal, il passe le flambeau à son associé Mikhaïl Medoks, qui fait  assainir le terrain vague inondé régulièrement par la Neglinka,  et il reconstruit le théâtre dont le nom restera dans   l’histoire comme le Théâtre Bolchoï, (grand théâtre) pour le distinguer du Maly (petit théâtre).

En 1821-1824, selon le projet de Mikhaïlov et l’architecte Joseph Beauvais (Ossip Ivanovitch Bovet, ou Bové ou Beauvais, lequel avait également bâti le théâtre Maly un an avant), ils construisirent le bâtiment monumental, que l’on admire aujourd’hui.

Plans du bâtiment de 1821

Le Théâtre à huit colonnes  surmonté du  char du Dieu Apollon sur le portique, symbole du mouvement permanent de l’art et de la vie.

Le Théâtre du Bolchoï (Photo 1905)

Le bâtiment de style classique, décoré à l’intérieur de couleur rouge et de dorures était, selon les contemporains, le plus beau théâtre en Europe, rivalisant avec « La Scala » de Milan. Il est inauguré le 18 janvier 1825.

Vue sur le square du char d'Apollon (Photo 1929)

La salle de spectacle à cinq travées de fauteuils est célèbre par sa dimension et son acoustique exceptionnelle, ses dorures, la peinture murale de son plafond ( 1000 m2) et son immense lustre de cristal.

La salle mesure 21 mètres de hauteur, 25 mètres de longueur et 26 mètres de largeur. Elle peut recevoir  2153 spectateurs. Devant le Théâtre Bolchoï il y a un square avec une fontaine. Cependant, l’ histoire du Bolchoï commence en 1776, et en 2006 on a célébré  ses 230 ans.

Lorsque l’empereur Napoléon Ier et ses troupes “visitèrent” Moscou et que par voie de conséquence la ville fut quasiment anéantie par les flammes du tristement légendaire Grand Incendie (1812), l’ architecte Andreï Mikhaïlov conçut dans le cadre du programme de reconstruction après les incendies napoléoniens, les plans du nouveau théâtre sur le style de l’ancien Petrovsky. Le tsar Alexandre Ier ayant approuvé le projet décréta par la même occasion ce théâtre propriété de l’État, et offrit ainsi à Moscou son premier Théâtre Impérial.

Poursuivi par le mauvais sort le malheureux Théâtre Bolchoï Petrovsky fut une seconde fois réduit en cendres par un violent incendie qui se déclara cette fois pour une raison inconnue au petit matin du 11 Mars 1853. Le feu se propagea pendant deux jours malgré les efforts des pompiers et le chantier fumait encore, parait-il, une semaine plus tard.
” Ce fut horrible de voir ce géant dévoré par les flammes, c’était comme si l’un de nos proches était en train de mourir devant nous” écrivit un témoin.

Incendie du 11 mars 1853.

L’importance des dommages fut telle qu’il ne subsista de l’édifice que les colonnades de l’entrée principale et les murs extérieurs qui s’écroulèrent en partie les jours suivants. Tout avait entièrement disparu car le brasier s’était propagé à une vitesse telle que rien ne put être sauvé: costumes, décors, bibliothèque, archives et instruments de musique (certains très vieux et précieux) furent réduits en cendres.

La reconstruction du bâtiment fut confiée à l’architecte du Mariinski, Alberto Cavos. Ce dernier utilisa les murs extérieurs et conserva le plan initial de Bovet, mais augmenta la hauteur du bâtiment et en améliora l’acoustique. Les travaux furent achevés en un peu plus d’un an et le théâtre rouvrit ses portes le 20 Août 1856 devant la famille impériale et les représentants de différents États.

Réouverture du Théâtre après des travaux le 20 août 1856.Chromolithographie M.Zichy.

Le Bolchoï est  la fierté de la culture russe,  centre d’attraction des meilleures opéras et des ballets russes.

Théâtre Bolchoï en 1896.

Plusieurs œuvres majeures de compositeurs russes ont vu le jour sur la scène de ce théâtre, sa troupe comprend les noms des plus célèbres chanteurs, chefs d’orchestre, metteurs en scène, maîtres de chorégraphie.

Endommagé par les bombardements pendant la Seconde Guerre Mondiale, mais rapidement remis en état, le temple élevé à la gloire de la culture russe n’a cessé depuis de soigner le prestige  d’un des plus beaux fleurons: son corps de ballet.

Le théâtre est en cours de restauration. Les travaux devaient prendre fin en février 2009, mais s’achèveront finalement en 2011. L’ensemble du théâtre, intérieur comme extérieur, a été rénové, notamment la façade, qui d’après une décision du conseil héraldique russe d’avril 2007, verra les armoiries de l’URSS remplacées par celles de la Fédération de Russie.

En 2005, le Bolchoï a fermé pour des travaux de reconstruction qui auront coûté au moins 660 millions $, soit 16 fois le montant prévu initialement.

Maquette des travaux du Théâtre Bolchoï.

Une partie des intérieurs était perdue, la machinerie était devenue complètement obsolète, les salles de répétitions et les locaux techniques manquaient…

La façade a été entièrement refaite, le quadrige d’Apollon, les colonnes, mais le plus gros des travaux a été certainement la création d’une structure de machinerie scénique en sous-sol de plus de 23m de profondeur, soit 5 étages.

Après reconstruction, la superficie totale du théâtre Bolchoï a presque doublé. Cela grâce à l’aménagement de cinq niveaux techniques sous la principale scène. C’est là que seront entreposés de nombreux décors pour les spectacles, que seront cachés les mécanismes de changement de décors.

Il est prévu une salle de répétitions et une petite salle, ainsi que des locaux de fonction pour les

employés. La facade ouest a été deplacé de 10m, agrandissant ainsi la scéne d’autant, la surface du théatre est passée de 40 000 m2 à 80 000 m2.

2311 personnes ont travaillé pour redonner au  Bolchoï le titre du plus grand théâtre du monde

Façade du théâtre Bolchoï.

Détails de la restauration des colonnes.

Restauration du quadrige d’Apollon.

Quadrige (© A. Koudenko).
 

Création d’une salle de concert.

Restauration de la grande salle

Salle avant la dernière grande guerre.

On a mis particulièrement de soins à recréer l’acoustique de la grande salle, initialement  étudiée par Beauvais à l’instar de la caisse d’un instrument de musique. Il a fallu donc revêtir à nouveau la salle de bois de sapin à effet acoustique et refaire intégralement la décoration.

Grande salle en 2007

Détails des étapes de restauration des corbeilles et dorure.

Objets de décoration en bronzes dorés.


Aigle impérial en bois sculpté de la loge impériale, avant dorure.

Restauration  des  1000m2  de  plafond peint.

Plafond avec les muses d'Apollon.




Lustre de la grande salle.



 
Grande salle restaurée.


 Escaliers.

Restauration des couloirs et des salles des pas perdus.

Il a fallu recréer les tentures murales dont certaines sont en soie.

Métier à tisser.

La nouvelle scène principale.





 Détails de décors aprés restauration.

 Remise en place des cloches récupérées en 1929 sur des églises.

Le 1er août une commission d’Etat évaluera la qualité des travaux accomplis. On planifie que le Bolchoï rénové ouvrira ses portes aux spectateurs début d’octobre.

Le gala, qui marquera en octobre prochain la réouverture du Bolchoï après les longues années de rénovation, sera diffusé à la télévision en Russie et en Europe, a annoncé vendredi le directeur général du théâtre, Anatoli Iksanov, lors d’une conférence de presse à Moscou.

“Une série de manifestations se déroulera du 28 octobre au 31 décembre prochains à l’occasion de la réouverture solennelle du Bolchoï. Elles débuteront le 28 octobre par un gala qui aura lieu sur la scène principale du théâtre, réunissant le président russe et les chefs d’Etat et de gouvernement d’autres pays. Le 2 novembre, le public assistera à une première de l’opéra Rouslan et Lioudmila de Glinka dans la version de Dmitri Tcherniakov. Le 18 novembre, la compagnie de danse du Bolchoï représentera La Belle au bois dormant dans la chorégraphie de Iouri Grigorovitch et les magnifiques décors d’Ezio Frigerio qui seront en parfaite harmonie avec les tapisseries rouges et or de la salle de spectacle“, a déclaré M. Iksanov.

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La cathédrale Saint-Alexandre-Nevsky,

cathédrale russe orthodoxe de la rue Daru, à Paris

Consacrée en 1861 et dédiée au héros russe saint Alexandre de la Néva (1219-1263), Grand Prince Alexandre Nevsky, il avait su gagner le cœur de ses sujets grâce à l’humanité pratiquée durant son régne. Succés militaires contre les envahisseurs (suédois sur les bords de la Neva le 15 juillet 1240 et les Chevaliers Teutoniques sur le lac des Tchoudes en avril 1242 ), pacificateur, fin diplomate pour exemple avec les occupants Tartares, mais surtout homme pieux possédant une profonde foi chrétienne.

Il est canonisé le 26 février 1547, le 30 août 1724, le tsar Pierre le Grand fait transférer ses reliques de Vladimir à Saint-Pétersbourg dans la laure récemment construite pour la nouvelle capitale. Le 20 octobre 2007, la châsse contenant ses reliques fut transportée dans la cathédrale du Christ-Sauveur de Moscou.

Il est fêté le 23 novembre et le 30 août ou 12 septembre suivant l’ancien ou le nouveau calendrier,date de la translation de ses reliques à Saint-Pétersbourg.

« L’église russe de Paris » est devenue cathédrale en 1922 quand le métropolite Euloge en fit le siège du diocèse pour les émigrés russes en Europe. Elle a été classé monument historique depuis le 11 mai 1981.

Elle va célébrer son 150ème anniversaire le 11 septembre 2011.

Le président de la République Nicolas Sarkozy devrait participer aux célébrations des 150 ans de la cathédrale orthodoxe russe Saint-Alexandre-Nevsky, rue Daru à Paris, prévues en septembre prochain.

Sont également annoncés le ministre de l’Intérieur   Claude Guéant (en charge des cultes) ainsi que le dernier dirigeant soviétique Mikhaïl Gorbatchev.

Depuis le 18e siècle des russes orthodoxes se trouvaient à Paris et dans ses environs, au 19e la colonie russe comptait  plus de mille âmes.

Pére Jospeh Vassiliev (1920-1881).

En 1847 l’aumônier  le père Joseph Vassiliev de la chapelle orthodoxe (rue de Berry) (2) de l’ambassade de Russie (situé rue du Faubourg St Honoré) (3), démontra la nécessité de construire une église russe à Paris. Aprés plusieurs années, non de réflexion mais d’inertie des autorités, un accord favorable fut pris.

Situation sur le plan de Paris de 1843.

Le terrain sur lequel fut bâtie l’église fut acheté en deux parcelles, Chemin de la Croix-du-Roule ( devenu rue Daru) (1), en octobre 1857 et en novembre 1858, pour la somme totale de 272 168 francs or et d’une surface de 2 721,68 m2, acquis à la signature de l’ambassadeur de Russie.

L'Empereur Napoléon III (1808-1873)

L’Empereur Napoléon III scella son accord sur la base de plan du projet. Le tsar Alexandre II (monarque qui a aboli le servage en Russie) fit don de 150 000 francs or sur sa cagnotte personnelle, des milliers de fidèles russes mais également des catholiques et des protestants répondirent à la souscription.

La construction de l’église a coûté 679 000 francs or.

Alexandre II (1855-1881) 

Deux architectes, membres de l’Académie des Beaux Arts de Saint Petersbourg s’occupèrent de ce dossier. Roman Kouzmine (1811-1867), premier architecte de la Cour impériale établit les plans et Ivan Strohm (1824-1887) dirigea les travaux.

(Роман Кузьмин) Roman Kouzmine

Roman Kouzmine a étudié à l’ Académie Impériale des Arts , et est diplômé en 1832, il reçoit la petite médaille d’or, attribué pour un «Séminaire Théologique de projet.” L’année suivante, pour l’exécution d’un autre programme: “Projet immobilier d’un riche propriétaire terrien,” lui est  décerné une grande médaille d’or.

Il part en 1834 à l’étranger, en Turquie d’Europe, en  Grèce, il étudie les monuments de l’architecture des églises byzantines principalement.  A Rome il est engagée pour la restauration de la tribune de Trajan, puis il retourne à Saint-Pétersbourg en 1840 . Pour les travaux accomplis par eux au cours de ce voyage, il a reçu le titre d’académicien et il est un an plus tard a été promu au titre de professeur, pour le projet de construction de l’Académie de médecine-chirurgie dans les hôpitaux et autres bâtiments.

Après cela, Kouzmine devient architecte senior au siège Gough Intendance, et avec cette fonction, il construit de nombreux bâtiments de l’administration judiciaire, y compris plusieurs bâtiments pour les écuries impériales, reconstruit et élargi le palais de Gatchina, il a participé à la restructuration de la Capella (1857) et construit la cathédrale de la ville de Gatchina .

La plus importante de ses réalisations, qui a clairement exprimé son goût artistique et la connaissance des styles architecturaux, il est reconnu pour la chapelle de l’ambassade de Russie à Athènes , la cathédrale orthodoxe de la rue Daru à Paris, une maison de luxe construite dans le style de la Renaissance… Son dernier bâtiment a été la chapelle de marbre au jardin d’été .

 (Иван Васильевич Штром) Ivan Strоhm

Ivan Strohm, a étudié à l’Académie Impériale des Arts en auditeur libre, il obtient la médaille d’argent, avec le grade d’artiste indépendant en 1842.  Strom a commencé son travail d’architecte dans le département militaire. Le premier travail significatif a été la construction du bâtiment du Corps de cadets de Kiev, et la construction suivant sa propre conception de la cathédrale de Kiev. En 1853, Strom a été nommé académicien,et en 1862 le titre d’architecte indépendant. En 1867, avec la construction de l’Hôpital d’Alexandre à Saint-Pétersbourg, construit suivant ses plans et sous sa supervision, il reçoit le titre de professeur.

De 1858 – 1860 il est en charge de la construction dans l’ambassade de Russie à Paris de la chapelle , durant ses temps libres il étudie des systèmes de ventilation et de structures de fer et devient l’un des meilleurs spécialistes en Russie. Ses autres grands travaux sont: l’Hôpital Baronet, villa du côté de Vyborg, et l’église à l’Okhta,l’ hôpital Anastasievskoy à Saint-Pétersbourg,  la gare finlandaise, la  restructuration du musée agricole de Saint-Pétersbourg et du théâtre Jitomir. A la fin de vie il est l’architecte le plus ancien de la cathédrale Saint-Isaac et il est membre du comité technique à la construction au ministère de l’Intérieur.

Elle a un plan en forme de croix grecque. Chaque branche de la croix est terminée par une abside. Ces absides sont surmontées de tourelles elles-mêmes coiffées de bulbes.

Plan définitif .

Superficie de l’église: sa ,longueur égale à sa largeur 27,95 m, hauteur extérieure 47,38 m.

Pose de la premiére pierre le 19 février (3 mars) 1859. Chapelle de la rue de Berry,
croquis de la future église,le père J. Vassiliev.

Les cinq bulbes symbolisent le Christ accompagné des quatre Évangélistes. La flèche centrale a une hauteur de 48 m.

Projet 1861.

Elle renferme de nombreuses peintures et icônes dues à Théodore Bronnikov, Georges Vassiliev, Bogomolov, aux frères Eugraphe et Paul Sorokine.

Intérieur actuel de la Cathédrale avec au centre l’iconostase.

A la suite d’infiltrations, la crypte a été restaurée de 1955 à 1956, et entièrement repeinte avec des fresques dues au décorateur et architecte Albert-Alexandrovitch Benois, réalisées en collaboration avec sa femme Marguerite. Elles évoquent la christianisation de la Russie. Pour ce qui est de la décoration générale deux  entreprise françaises fut engagée, celle de monsieur Gagnière, demeurant 57 rue de Lancry avec la collaboration de monsieur Eddy Baltard.

Inauguration le 11 septembre 1861.

Le 11 septembre 1861 ( veille de la Fête de Saint Alexandre Nevsky) Monseigneur Léonce de Rével (act. Tallinn),  futur métropolite de Moscou,  consacra l’église.

En 1922 Monseigneur Euloge ( CLIQUEZ ) décida d’établir le centre de son diocèse des paroisses d’émigrés russes à Paris, l’église Saint Alexandre Nevsky devint cathédrale.

La cathédrale a vu se marier le peintre Pablo Picasso et sa femme – danseuse russe – Olga Khokhlova. Elle vit également les cercueils de l’écrivain Tourgueniev en 1883, le chanteur Chaliapine en 1938, le peintre Wassily Kandinsky en 1944, l’écrivain poète et prosateur Ivan Bounine en1953, le cinéaste Andreï Tarkovski en 1987 ainsi que l’écrivain Victor Nekrassov,  Henri Troyat en 2007, le retour des cendres du Général Dénikine le 30 septembre 2005 (DVD 60mn de la cérémonie disponible auprès d’Artcorusse) et bien d’autres personnalités d’origine russe.

(Reportage de la cérémonie en DVD - 60mn)

L'Archevêque Gabriel officiant le service de Pâques 24/04/2011.©

Des travaux majeurs de restauration sont en cours depuis 1996, nécessitant une recherche permanente de fonds.

Commémoration du Jubilé le 12 sept 2011

En présence des hautes instances du monde de l’orthodoxie, entourant Monseigneur Gabriel de Comone,

exarque du Patriarche œcuménique et des autorités catholiques.

Plus de renseignements: ( CLIQUEZ )

Nicolas Rœrich

(1874-1947)

Nicolas Roerich (9 octobre 1874 – 13 décembre 1947), aussi connu sous le nom de Nikolai Konstantinovitch Rœrich (en russe Николай Константинович Рерих), célèbre peintre russe.

Maria Rœrich (sa mère), Vladimir , Lidia, Konstantin Rœrich (son père)et Nicolas.

Son père était notaire et sa mère fille de commerçant, parmi les amis de la famille ont peut citer Mendeleïev. Dès l’enfance, Nicolas Roerich était attiré par la peinture, l’archéologie, l’histoire et le patrimoine culturel de l’orient.

En 1893, il entre simultanément à la faculté de droit de l’Université de Saint-Pétersbourg (diplômé en 1898) et l’Académie impériale des arts. Dès 1895, il  suit les cours de l’atelier du célèbre peintre Arkhip Kuinji.

Nicolas Rœrich dans son atelier. (1900)

Il  entretient d’étroites relations  avec de célèbres figures culturelles de l’époque – V. Stassov, I. Repine, Nikolaï Rimski-Korsakov, Dmitri Grigorovitch, SP Diaghilev. Encore étudiant, Roerich est  également membre de la Société russe d’archéologie.

Nicolas Rœrich (debout à gauche), à l'Académie de Saint Petersbourg
(3ème assis à gauche) Vladimir Stassov (1900).

En 1897, Nicolas Roerich est diplômé de l’Académie de Saint-Pétersbourg des Arts. Son tableau de thèse: «Le Messager» a été acquis par le célèbre collectionneur d’art russe Tretiakov.

 Le messager,"Гонец. Востал род на род". Холст, масло. 124,7х184,3 см.

Ses œuvres sont basées sur une connaissance des documents historiques, véhiculant un sens de l’esprit, saturé d’un contenu philosophique .

En 1899, il rencontre Helena Shaposhnikova et en octobre 1901 ils se marient. Helena Roerich est une  compagne dévouée et sa muse, ils seront ensemble jusqu’à son décés en 1947.

Héléna Ivanovna Rœrich. (1879 Saint Petersbourg-1955 Kalimpong)


Nicolas Rœrich et ses deux fils (1914-1915)

En 1902, naissance de George, futur chercheur-orientaliste, et en 1904 Sviatoslav,  futur artiste peintre.

De 1903- à 1904 Nicolas Roerich et sa femme parcourent la Russie, en visitant plus de 40 villes, célèbres pour les monuments antiques. Le but de ce “voyage au bon vieux temps” étant d’étudier les racines de la culture russe.

"Pskov" 1903.

Le résultat en a été une série de grandes peintures architecturales de l’artiste (90 études) et des articles dans lesquels Roerich soulève la question de la valeur artistique de la peinture ancienne des icônes russes et de l’architecture.

"La Sainte Face et les princes des Saints." Mosaïque conçue par Roerich.
Eglise de la Trinité , Monastère Pochayiv, région de Ternopil (Ukraine).

Pendant la fameuse “Saisons russes” de S. Diaghilev à Paris, Roerich en tant que créateur des décors, conçu ceux des  “Danses polovtsiennes”, du “Prince Igor” de Borodine, “La Pucelle de Pskov” pour le Ballet de Rimsky-Korsakov, “Le Sacre du Printemps” musique de Stravinsky.De 1906 à 1918 Nicolas Roerich est directeur de l’École de la Société Impériale d’Encouragement des Arts, en même temps il est engagé dans le travail éducatif.  Il participe régulièrement à des expositions internationales. Avec son travail il se rend à Paris, Venise, Berlin, Rome, Bruxelles, Vienne, Londres. Des peintures de Roerich sont acquises par le Musée National Romain, le musée du Louvre et d’autres musées européens.

"Isba en montagne" decor pour Peer Gynt, 1911.

En 1909, Nicolas Roerich a été élu académicien de l’Académie russe des arts et devient membre de l’Académie de Reims en France.
En 1910, il dirige le groupe d’art “Le Monde de l’Art“, dont les membres étaient Alexandre Benois, Léon Bakst, I. Grabar, V. Serov, Kouzma Petrov-Vodkine, B. Koustodiev, Ostroumov, Lebedeva, Ekaterina Z. etc. En Russie et en Europe durant la période 1907 à 1918 ont été publié neuf livres et des dizaines de magazines d’art dédiée à l’œuvre de Roerich.

"Le dernier Ange" 1912.

En 1916, en raison de graves maladies pulmonaires Nicolas Roerich, sur les conseils des médecins, déménage avec sa famille à Serdobol en Finlande, sur les rives du lac Ladoga. Le 4 mars 1917, un mois après la révolution de Février  sont réunis dans son appartement un groupe d’artistes, d’écrivains et d’artistes, parmi les personnes présentes il y avait Maxime Gorgi, Alexandre Benois, Bilibine, Dobuzhinsky, Petrov-Vodkine, Shuko, Chaliapine. La réunion a élu la Commission sur les arts. Son président a été nommé par M. Gorki, Président et vice Président: Alexandre Benois et Nicolas Roerich.

Après les événements révolutionnaires de 1917, la Finlande ayant fermé les frontières avec la Russie, Nicolas Roerich et sa famille sont coupés de la mère patrie, tout comme Répine qui est à Kuokkala. En 1919, après avoir reçu une invitation de la Suède,  Nicolas Roerich participe à des expositions en Scandinavie. Il se rend la même année  à Londres, espérant aller en Inde, et il fonde la Société Théosophique. Puis réalise encore pour  Serge de Diaghilev, des décors d’opéras russes sur la musique de Moussorgski et de Borodine.
En 1920, Nicolas Roerich  devient le directeur de l’Institut d’Art de Chicago pour organiser une tournée de grandes expositions dans 30 villes américaines.

Affiche d'une exposition à New-York, 1920.

Parmi les 115 toiles exposées: “Treasure of Angels” (1905), “Last Angel” (1912), “Viking Daughter” (1917), «L’Appel du Soleil” (1918), “Ecstasy” (1917), une série de “l’héroïsme” et “les rêves de l’Orient”, ces œuvres  ont un grand succès. En Amérique, Roerich avait écrit une série de peintures «Sancta” (Saint), “New Mexico”, “Ocean Suite”, “Dreams of Wisdom”, etc. Il fonde la société «Beluga», pour lutter contre l’acquisition de concessions minières et des terres dans le voisinage du mont Belukha sur le sud-ouest de l’Altaï. En Novembre 1921, à New York il ouvre un Institut Master of Arts-Unis dont le principal objectif était de rapprocher les peuples par la culture et l’art. Après la Révolution d’Octobre, Roerich était en opposition  avec le gouvernement soviétique en écrivant des articles dans la presse de l’émigration . Mais bientôt son point de vue a soudainement changé, les bolcheviks devenant des alliés idéologiques de Roerich. En automne 1924, il se rend  en l’Europe, où il rencontre la Mission de l’Union soviétique à Berlin, puis l’ ambassadeur Krestinski et son assistant  Astakhov.

“Le Chant de Shambhala. Tang-la. “1943

Nicolas et sa femme Helena Roerich furent les cofondateurs de l’Agni Yoga Society, d’inspiration théosophique, dans la recherche de valeurs qui ont une signification universelle, Nicolas Roerich, en plus de la philosophie russe, a étudié la philosophie orientale, les écrits des penseurs éminents de l’Inde -. Ramakrishna et Vivekananda, le travail de Rabindranath Tagore.

En 1922, Roerich a rencontré un courtier de New York, Louis L. Horch, lequel sous la forte personnalité de Roerich, devient un de ses mécènes.
En 1925, alors que le Roerich était en Asie, Horch donne naissance à un projet très ambitieux de Roerich, la construction du “Maître” bâtiment  de 29 étages dans le style Art Déco, les deux premiers étages étaient le ” Roerich Museum” (Le Musée Roerich) et l’Institut de United Arts Master (L’Institut Master of Unit Arts), et au sommet – Appartement Hôtel. Le Musée Roerich était dirigé par le président L. Horsha et un conseil d’administration, Nicolas Roerich,étant le Président d’Honneur.

"Maitre" batiment musée de Nicolas Rœrich.


Nicolas Rœrich devant l'escalier du musée du batiment "Maitre". 1929

A l’occasion du 135 ème anniversaire de sa naissance, une exposition rare s’est déroulée à Saint Pétersbourg. Cette exposition présentait de rares photos et documents concernant l’amitié du peintre avec Rimsky-Korsakov et sa musique. Les visiteurs ont découvert des objets personnels du peintre, des lettres, des affiches ainsi que des reproductions d’esquisses de décors pour des opéras du compositeur Rimsky-Korsakov.

25 rue de l'Université à Saint Petersbourg ©
(les Amis de Paris-St Petersbourg)

Plaque sur l'immeuble ou est né Nicolas Rœrich © 
Crédit photos (Les Amis de Paris St Petersbourg)

Nicolaï Rœrich, peintre célèbre pour ces tableaux exécutés au cours de ces voyages, (à partir de 1927,)plus spécialement en Asie. Le Tibet fut pour lui une découverte.

Original du tableau.

Le résultat,  par Nicolas Rœrich.

(de gauche à droite) Nicolas Rœrich, Héléna, Georges et Sviatoslav, en Inde.

En 1929, il est nominé  pour le Prix Nobel de la Paix, il crée la “Croix Rouge” de l’art et de la culture. son œuvre dans ce domaine amène les États-Unis et les vingt autres membres de l’Union Pan-américaine à signer le Pacte Roerich, le 15 avril 1935.

Code international protégeant la propriété culturelle. et artistique, qui servit pour la Convention de La Haye.

En 1949, la 4ème session de la Conférence générale de l’UNESCO a décidé de commencer à travailler sur un plan international la réglementation juridique pour la protection des biens culturels pendant les conflits armés. En 1954, le Pacte Roerich a été la base de la  “Convention sur la protection des biens culturels en cas de conflit armé».
Idées du Pacte sont reflétés dans l’art de Nicolas Roerich. Emblème “Bannière de la Paix» peut être vu sur plusieurs de ses peintures des années trente.

Signature du pacte.

L’influence de Roerich sur son secrétaire de cabinet, Henry A. Wallace, débouche sur l’inclusion du sceau des États-Unis sur le dollar américain connu comme une représentation de la Grande Pyramide surmontée de l’œil de la Providence.

Emblème "Bannière de la Paix»

Visitant la Vallée du Kulu en Inde il décéde le 13 décembre 1947.

"Lhassa" une de ses dernières œuvres 1947.

Nicolas Rœrich 1940.

1942, Nicolas Rœrich avec Nehru et Indira Gandhi.

De nombreux musées sont ouverts à travers le monde,  Moscou,  New-York et  Saint Petersbourg.

Plaque placée à Moscou, au musée crée à l’initiative de son fils, musée situé dans l’ancienne propriété des Lopoukhine.

Portrait réalisé en 1944 par Sviatoslav Nicolaievitch Rœrich.

 

Musée Nicolas Rœrich à Saint Petersbourg.

Sa peinture peut être vue dans différents musées à travers le mopnde ainsi qu’à la Galerie Tretiakov à Moscou.

La sculpture “L’Ouvrier et la Kolkhozienne“, réalisée en acier inoxydable a été créée pour le pavillon soviétique de l’Exposition universelle de Paris en 1937 par Véra Ignatievna Moukhina.

Cette sculpture a été démonté en 40 morceaux en 2003, afin d’être restaurée, et restituer aux Moscovites .

Le monument haut de 34,5 mètres accueillera les visiteurs du parc des expositions.

Cette sculpture orne depuis samedi 28 novembre, de nouveau l’entrée nord du parc des expositions de Moscou. Seul changement: le piédestal est de 10 mètres plus haut que le précédent.

Les rares lève-tôt ont pu assister à sa remise en place.

L’inauguration officielle du monument aura lieu le 4 décembre.2009

La sculpture est devenu le symbole du studio de cinéma soviétique et russe MOSFILM

Peter-Karl FABERGE joaillier de la Cour Impériale Russe.

Connu sous le nom de Karl Fabergé, né le 30 mai 1846 à Saint Pétersbourg, décédé en 1920 à Lausanne en Suisse. Issu d’une famille protestante picarde émigrée en Allemagne, puis en Russie, à la suite de la Révocation de l’Édit de Nantes. C’est en 1800 que son grand-père Pierre s’installe en Livonie à Perno et prend la nationalité Russe.

Les parents de Karl installés à Saint Petersbourg sont des bijoutiers joailliers, au talent assuré, dont la renommée n’est plus à faire à la cour de Russie. Le jeune Karl fait son apprentissage auprès des plus grands joailliers d’Europe allant en Angleterre, en Allemagne et de France en Italie.

Il prend en main les destinées de la maison Fabergé en 1870, maison fondée par son père Gustave. En 1882 il reçoit la plus haute récompense, la Médaille d’or lors de l‘Exposition Pan-Russie.

Le tsar Alexandre III, lui accorde en 1884 le “Privilège de fournisseur de la Cour” .

Karl Fabergé le restera sous Nicolas II (couronné en 1896), la maison Fabergé a été reconnue également auprès des cours d’Angleterre, du Siam (Thaïlande depuis 1939), de Suède et de Norvège.

A la suite de la Révolution le comité des employés de la coopérative K. Fabergé prendra la direction de la société en 1917.

Karl Fabergé est connu pour ses créations d’objets décoratifs raffinés: œufs, fleurs, bijoux, figurines, pendules etc… Il a en plus de sa prédestination artistique un grand talent de gestionnaire.

Ses matériaux favoris sont les pierres semi-précieuses de l’Oural, comme la néphrite (sorte de jade), la bowenite, la rhodonite mais également le cristal de roche et l’agate; les émaux guillochés la plupart du temps sont réalisés avec des métaux nobles dont l’or de quatre couleurs (jaune, blanc, vert et rose). Il réalise dans la succursale de Moscou des objets de style panslavique.

On pense que près de 54 œufs impériaux furent réalisés par le joaillier commandés par le tsar Alexandre III à l’occasion des Fêtes de Pâques. Offrir un œuf est une tradition orthodoxe, tradition remontant à l’Antiquité mais il est chez les chrétiens le symbole de la résurrection du Christ. Une dizaine d’œufs impériaux a disparu, ou secrètement conservés par des collectionneurs anonymes. La première commande fut réalisé en 1885: “L’œuf à la poule”, offert par le tsar Alexandre III à son épouse l’impératrice Maria Féodorovna.

Puis, chaque année Karl Fabergé a réalisé des œufs avec des surprises: pendules, automates etc, puis de 1895 à 1916 il réalisa pour le tsar Nicolas II des œufs que ce dernier a offert à sa mère et des œufs offert à son épouse, l’impératrice Alexandra Féodorovna.

En 1900, Karl Fabergé est médaillé de la Légion d’Honneur en France lors de l’Exposition Universelle, où il reçoit le Grand Prix et il est élu à l’unanimité: Maître de la Corporation des Bijoutiers de Paris.

La Maison Fabergé ouvre des filiales à Moscou, Odessa, Kiev et hors de Russie l’unique succursale à Londres, fournissant la famille royale et surtout la reine Victoria.

Lors de l’Exposition de Stockholm, il est nommé “Fournisseur du Roi de Suède”.

En 1908, le Roi du Siam nomme Fabergé joaillier et émailleur de la Cour.

Fabergé est couvert de titres et de distinctions, le monde entier reconnait la maîtrise de son art.

Les conflits politiques et sociaux de la révolution de 1917, mettent fin à ces “frivolités”, et le trésor des œufs Fabergé est dispersé principalement en Occident .

Un grand nombre de pièces sont vendues plus tard en Occident, le milliardaire Forbes constituera la plus grande et légendaire collection de ces “œufs-joyaux“.

La Russie blanche se tache de sang. En 1917, la Russie soviétique nationalise les ateliers et réquisitionne tous les biens de Karl Fabergé.

Karl Fabergé part pour la Suisse et tout espoir de retour sur sa terre natale s’effondre en juillet 1918, après le massacre de la famille impériale.

Il décède à Lausanne le 24 septembre 1920. Ses enfants l’enterreront auprès de son épouse dans le cimetière français de Cannes.

Il restera le plus grand joaillier au monde jamais égalé. Grâce à la générosité et la persévérance de certains mécènes russes, une grande partie des objets précieux réalisés par Karl Fabergé ont été rachetés et sont revenus en Russie.

Il s’est ouvert en 2012, à Moscou l’unique musée consacré à Karl Fabergé.

Inventaire des “œufs-joyaux” (Cliquez)

Découvert aux Etats-Unis en mars 2014

Il contient une montre Vacheron Constantin

A Moscou en 2012 était prévu de construire le premier musée au monde concernant les œuvres de “Fabergé“. En 2010 est prévu une grande exposition “Fabergé” à St Pétersbourg. En mai 2009 a été inauguré un musée Fabergé à Baden Baden, ville ou Fabergé avait une maison . Le collectionneur russe Alexandre Ivanov a décidé de faire en cette ville ce musée, il y présente une partie de sa collection, qui comprend près de 3 000 pièces. L’on peut encore de nos jours voir une plaque en russe sur façade de la maison ou vécu Fabergé.

Clou de l’exposition, un œuf horloge réalisé pour le baron Edouard de Rotschild en 1902, avec un coq diamant qui ouvre ses ailes, ponctuant chaque heure.

Détail de l’automate.

Mécanisme .

Détail de ce fabuleux coq diamant.

Les ateliers de Peter-Karl Fabergé ne creaient pas seulement des œufs :

Petit coffret avec le portrait de Nicolas II serti de diamants.


Coupe à cruchon 


Horlogerie et objets divers 


habillage d'icônes


Boîtes et étuis à cigarettes.

Sceaux des ateliers Fabergé.

Ouvrage de Caroline Charron

“Fabergé de la cour du tsar à l’exil”

Prix public : 20 €, 300 pages, EAN : 9782351200315.
En vente en librairie et sur le site internet.
www.editions-complicites.com

Emblème de la dissidence russe.

Né en 1918 à Kislovodsk (Caucase), Alexandre Issaïevitch Soljénitsyne passa une enfance heureuse à Rostov-sur-le-Don, où s’établit sa mère en 1924.

Avec sa mère Taïssia Chtcherbak.

Étudianten mathématiques et en physique à l’université de Rostov et suit parallèlement des cours par correspondance de l’Institut de philosophie d’histoire et de littérature de Moscou. En 1940 il est mobilisé comme simple soldat, admis à une école d’officier, il passe ses soirée à écrire de petits récits.

A la fin de de 1942 il est envoyé sur le front comme commandant d’une batterie de reconnaissance, décoré, promu capitaine en 1944, il est arrêté en février 1945 pour avoir fait par, dans une correspondance de ses indignations politiques et qualifié Staline de “caïd”. Pour cela il a été condamné à huit ans de camp de travail.

Libéré en 1953, il est envoyé pour 4 ans en réclusion dans un village du Kazaghtan . Réhabilité en février 1956,à la faveur de la déstalinisation, il s’installe à Riazan ou il enseigne les mathématiques et la physique, tout en écrivant secrètement. Khrouchtchev autorise en 1962 la publication d’ “Une journée d’ Ivan Denissovitch”, , description crue du Goulag. Cette publication renouant avec la grande tradition du roman russe, fait sensation en URSS et dans le monde entier, lui valant une célébrité immédiate. En 1965 tous ses écrits sont interdits, il devient la cible d’une campagne de dénigrement organisée par les services de la Sûreté et l’Union des Écrivains, dont il est exclu en 1969. Il réussit à faire passer clandestinement ses œuvres à l’étranger: Le premier cercle, Le pavillon des cancéreux et l’Archipel du Goulag ainsi que de nombreuses nouvelles, tous sont édités traduits en langues étrangères. La traduction de l’Archipel du Goulag lui vaut en 1974 d’être arrêté, déchu de la citoyenneté soviétique, ayant reçu le Prix Nobel en 1970, donc connu du monde entier, la décision fut prise de l’ expulsé d’Union Soviétique.

Émission “Apostrophe”, avec B. Pivot (11avril 1975).

Il se réfugie à Zurich puis aux États-Unis ou il vécu vingt ans. Il achève la rédaction d’un fresque historique commencée en 1936 intitulée la “Roue Rouge” dont le premier tome, ” Août 14″, paraît à Paris en 1971 (le jour de son décès il était entrain d’écrire le trentième tome de cet ouvrage gigantesque). Il regagne après vingt ans d’exil, en mai 1994 sa “Mère Patrie”, et s’installe à Moscou, il y rencontre les plus hauts dirigeants du pays, ne baissant pas la garde en continuant de dénoncer la stratégie du Kremlin et la décadence morale et spirituelle de son pays.

Il accepte de recevoir la plus importante distinction russe des mains de Poutine en 2007.

A cette occasion il déclara: “A la fin de ma vie, je peux espérer que le matériel historique que j’ai collecté entrera dans les consciences et la mémoire de mes compatriotes.”

Il est décédé le 3 août 2008, d’une crise cardiaque. Son corps a été exposé à l’académie des Sciences à Moscou, malgre la pluie de très nombreuses personnes sont venus rendre un dernier hommage. Alexandre Soljénitsyne a été inhumé mercredi 6 août au cimetière du monastère de l’Icne-de-la-Vierge-du-Don (Donskoï) à Moscou, lieu qu’il avait choisi de son vivant, il y a cinq ans. Lors du service funèbre l’archevêque Alexis d’Orekhovo-Zouïevo, qui présidé l’office a lu le message du Patriarche Alexis II primat de l’Église orthodoxe russe, l’hymne des russes blancs “Kol Slaven” de Bortiansky fut interprété. L’inhumation s’est déroulée en présence du Président de la Fédération de Russie Medvedeev .

Ivan Tourgueniev dessiné par Pauline Viardot en 1838.

Ivan Serguéïevitch est né le 9 novembre 1818 à Oriol, située à 360 km au sud de Moscou. Il est issu d’une famille noble de vieille souche. Dans son ouvrage “Premier amour“, il conte que son père Serguéi, officier des hussards, épousera par intérêt sa mère Varvara Pétrovna Loutovina, richissime héritière de la région d’Oriol.
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Ivan Ivanovitch Chichkine par Ivan Kramskoy (1873)

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Constantin Apollonovitch SAVITSKY

(6 juin 1844 – 13 février 1905)

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Ilia Efimovitch REPINE (1844-1930)

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Pavel Tchestiakov est né le 23 juin 1832 dans la région de Tver, Il est mort à Pouchkine le 11 novembre 1919. D’une famille modeste, il rentre à l’Académie Impériale des Beaux-Arts en 1849, ayant comme professeur Pierre Walt Basin jusqu’en 1861. Suite »

Ce peintre est certainement un des moins connu en Occident. Venu de France au moment des guerres Napoléoniennes en Russie, Il découvre San Pétersbourg, ville qui pour lui n’est pas sans rappeler Venise avec ses canaux.Il fut engagé par le tsar pour y faire des dessins et des cartes de la région. Prouvant encore une fois que l’Occident rayonné à cette époque. Nous pouvons voir et découvrir ces œuvres qui se trouvent dans les plus grands musées de Moscou et de Saint-Pétersbourg, Ici nous pouvons admirer le canal de la Moswka avec le pont de la Police en 1812, œuvre exécuté en eau-forte (37,5 x 56,6), que nous pouvons admirer au Musée Russe. Chaque artiste de cette époque est un observateur de la vie de cette époque. Nous pouvons découvrir les habits les costumes des soldats et officiers les maisons; mieux voir comment vivaient les pétersbourgois. Les artistes accompagnant Napoléon et les autres monarques, ont à cette époque étaient des correspondant de guerre exécutant des croquis des évènements, ici une bataille, là un paysage ou mieux le portrait de tel o√π tel personnage. Voilà donc une des explications des bâtiments qui semblent être tout droit sortis des écrits de Dostoïevski ou de Pouchkine. La majeure partie de la ville fut détruite pendant la dernière guerre mondiale. Sous les tonnes de bombes que les allemands ont déversées pendant des mois. Heureusement presque tous les bâtiments furent reconstruits à l’identique ce qui nous permet de nos jours de les voir tels qu’ils étaient aux siècles derniers. Ces artistes témoins de leur époque avec leur talent d’aquarellistes de dessinateurs n’avaient que leurs yeux pour rapporter les souvenirs des expéditions. Il arrivait parfois qu’ils en faisaient des tableaux pour la plupart du temps sur commande. Michel-François Damane-Demartrais, réalisa également des œuvres avec des vues de Auteuil Sèvres qui furent dernièrement en vente public atteignant des sommes à la portée de toutes les bourses, pour exemple de prix entre 200 et 400euros. Cet artiste est sans nul doute à avoir sur nos murs ou dans nos cartons à dessins.