Informations Internationales

Salon International d’Art Contemporain «Unis Vers’ ART»

en partenariat avec le Palais Bullov

REPORTÉ au 3 SEPTEMBRE jusqu’au

3 OCTOBRE 2020

et non du 23 avril au 23 mai 2020

 

C’est un événement qui réunit les divers créateurs confirmés de renommée internationale tout en offrant aux jeunes prodiges telle Dorka Dobus( Hongrie), Anastasia Zarenkova (Russie), Yulia Pineganinova l’opportunité de faire connaitre leur art au public le plus large.
Le Salon annuel collectif présente un large panel de plus de 100 œuvres d’art, peinture, sculpture et photographique avec la participation d’artistes venus de 17 pays. Un rendez-vous artistique et culturel très attendu, qui permettra aux visiteurs d’apprécier un éventail très riche de techniques et de styles diversifiés, allant de l’abstraction à la figuration et à la photo d’art. Cette vaste palette d’expressions et de sensibilités différentes fait la richesse de cette manifestation festive d’art.
«UnisVers ‘ART» s’adresse à un public large d’amateurs et de collectionneurs d’art contemporain ainsi qu’aux galeristes.
Le thème unissant les exposants cette année est l’universalité des liens, nous sommes tous unis à travers l’art.
Le vernissage avec un cocktail d’ouverture du Salon «UnisVers’ART » aura lieu le 23 Avril 2020 au Palais Brullov.

Les œuvres présentées seront soumises à un jury international avec Jacqueline Vermere, Marie-Andrea Zammit, Elena Boucreeva, Viatcheslav Zarenkov, George Pagé, Therry Tessier, Gennadie Smirnov. La cérémonie de remise des prix se déroulera le 26 avril 2020 à 18 heures suivie d’une soirée de Gala.

Parmi les artistes présents lors du salon «UnisVers’ART» nos visiteurs pourront admirer, acquérir les œuvres de l’invité d’honneur Jean Luc Boun .

Artiste peintre sino-vietnamien né en 1962 à VIENTIANE (LAOS). Il vit en FRANCE depuis 1973. Académicien de l’Académie Internationale des Arts( AIA), Membre de l’Academie Européenne des Arts(AEAF)et Membre de la Fédération Nationale de la Culture Francaise(FNCF)European Art Group(EAG) Depuis plus de 30 ans il parcourt le monde pour raison professionnelle ou pour son plaisir. Ce globe-trotter polyglotte a depuis son enfance été influencé par la Culture Orientale et Occidentale.

Ce grand communicateur passionné par la Culture et l’Art mais aussi les gens, a gardé intacte sa capacité d’émerveillement. Sa sensibilité, sa vision du monde et des choses qui l’entourent, le conduisent tout naturellement à la peinture.

Son travail pictural est dicté par sa sensibilité, son imaginaire et son idéal. Certaines de ses couleurs sont fabriquées à partir de pigments naturels. Savant, fou de peinture, il travaille avec furie, sans répit. Sa liberté absolue lui permet toutes les audaces et lui offre un vaste champ d’inspiration. Son appétit sans limite de la peinture, sa passion des couleurs et son extrême engagement physique se reflètent dans les oeuvres de BOUN. La force et l’émotion jaillissent, le magnétisme opère.

Cette brève esquisse sur le travail de BOUN ne saurait ignorer que tout son savoir, sa créativité et son inventivité restent constamment au service de sa quête profonde et sincère d’approcher les mystères de la vie, d’y retrouver les pistes de son déploiement spirituel jusqu’au plus extrême voyage au fond de lui même. Jean Luc Boun, dont les nombreuses toiles imprégnées du courant abstrait d’expressionnisme lyrique sont présentes dans les collections des musées d’art contemporain des grandes capitales.

 

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L’Artiste peintre et galeriste suisse Patrick Vollmar présentera ses toiles qui s’inscrivent dans le courant abstrait. Épris d’un idéalisme absolu, l’expression de ses créations révèlent une fibre artistique surprenante et fascinante. Son travail a été récompensé à de nombreuses reprises lors de concours en Europe. Depuis 2000 Patrick Vollmar épouse avec succès l’activité de galeriste et a ouvert ses galeries en Suisse et aux Etats Unis (New York).

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L’architecte, sculpteur et désigner français Jean François Kaplan sublimera le salon avec ses créations en verre et plexi glace. Jean-François KAPLAN est un artiste français complet, de par sa formation (Ecole Boule à Paris, …), il a acquit le sens de la forme et l’amour de la matière et de la lumière. Sorti tout d’abord du Conservatoire Libre du Cinéma Français, d’ou son goût pour créer des décors adaptés aux situations et à la personnalités de ses clients , puis entré à l’école Boulle, à l’Ecole du Louvre et aux Arts décoratifs où il acquiert d‘autres savoirs spéciques. A connaissances mixtes, techniques mixtes .

Maîtrise du plexiglas , des métaux ,du verre et de la lumière, il en résulte des créations ou les consept, les systèmes, les principes de fonctionnement sont souvent protégés par des brevets . Son travail tourné vers l’ architecture intérieure ou du mobilier design , ses créations comme ses oeuvre d’art lui ont permis d’emprunter un parcours complet. Plus connu sous ses initiales JFK devenue une signature mondialement reconnue et appréciée par la communauté des professionnels de la sculpture et architectes. Une des dernières créations de JFK sont ses bungalows flottants qui par leurs transparences amènent le visiteur à immerger dans l’environnement aquatique.

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Noémi Pujol, peintre et photographe française, dont les photographies et peintures sont exposées dans de multiples galeries et Europe et en Asie, lauréat de nombreux concours et notamment de villa de Médicis en 1994 proposera un voyage envoûtant à travers ses œuvres photographiques. Enfance en Afrique et Océanie, études artistiques à Paris. Elle vit et travaille au Havre et La Roque-Gageac.

C’est peut-être cette nostalgie de l’éphémère, cette tentative de montrer cet instant où ce qui est existe, qui fait le charme, qui crée la poésie de ces instants photographiés.

 


  Michel Tong artiste peintre franco-chinois de renommée internationale proposera ses œuvres post impressionnistes lyriques. Né en 1965 à Hong Kong (CHINE), Michel Tong se passionne pour le dessin dès son plus jeune âge, après 6 ans, il suivit sa famille arrivée à Paris (FRANCE), la culture Chinoise et la culture européenne ont une grande influence sur sa peinture, voici un tableau de l’artiste, les montagnes bleus contrastent le ciel, la rivière rouge et orange, nous remémorent l’ancienne philosophie chinoise du YIN et du YANG, en même temps , les couleurs se combinent harmonieusement, cette peinture exprime une expérience qui traverse l’espace et le temps, donne des émotions à tous.

Les créations de Michel Tong sont un subtil mélange de paysages mistyques empreinte de philosophie chinoise. Michel Tong, dans sa quête de la maîtrise des techniques picturales, a pour professeur Li Zili (photo ci dessous).

Michel Tong et Li Zilli.

Le créateur et le chef de file de l’École artistique baptisée « post-impressionniste moderne », ambassadeur de la « Culture de la Paix » de l’UNESCO.

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La jeune et talentueuse saint-pétersbourgeoise Yulia Pineganinova atteinte de surdité proposera ses œuvres subtiles portée par une sensibilité exceptionnelle. Membre de l’Union créative des artistes de Russie et de la Fédération internationale des artistes. Membre à part entière de l’Académie des arts analytiques (AKANIS). Néу à Kaluga, diplômée de la faculté des arts graphiques et de la faculté de psychologie de l’Université de Smolensk.

   Nous entretiendrons l’esprit convivial de ce rendez-vous, en mettant l’accent sur l’accueil des artistes et des visiteurs, qui seront nos ambassadeurs. La participation au Salon est ouverte à tous les artistes français, russes et d’autres pays, amateurs confirmés ou professionnels. Les modalités de la sélection pourront être communiquées individuellement. Les copies d’œuvres connues ou classiques ne sont pas admises ainsi que celles à caractère politique ou diffamatoire.

Le Salon International d’art contemporain
«UnisVers’ART » est ouvert aux amateurs d’art, acheteurs potentiels et galeristes.
Ce rendez-vous constitue une occasion, pour les artistes, d’avoir une excellente visibilité, ainsi qu’une opportunité de promouvoir leurs art.

Le vernissage avec un cocktail d’ouverture du Salon «UnisVers’ART » aura lieu jeudi 23 Avril 2020 au Palais Brullov.

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Le manoir actuel est située  deux vieilles parties.

Dans les années 1720-1730, seul celle de droite a été construite, elle appartenait au  l’ébeniste  Ivan Matyushkin.
En 1770, il est vendu à l’amiral G. A. Spiridov, héros de Chesma et Navarin. En 1791, sa veuve a vendu la maison à l’amiral V. Ya. Chichagov, un explorateur polaire.
Entre les XVIIIe et XIXe siècles, l’ancienne maison à deux étages a été prolongée le long de la ligne de front jusqu’à la maison voisine.
En 1840-1873, l’ensemble appartenait à l’architecte A.P.Brullov.

 

Palais Brullov

Quai Lieutenant Schmidt , 37

Saint Petersbourg

Tél: +7 (921)777 02 88

 

Contact France :
Natalia Dupont Dutilloy courriel : assonasledie@wanadoo.fr
Tél : (0033) 6 60 28 57 04

Contact Russie :
Anna Varulina Commissaire d’exposition, courriel :  avarulina@gmail.com
Tél : +7(921)446 54 04

Séminaire

Relation russo-belge et russo-européenne:

Quel avenir dans le monde qui change?

Lundi 23 mars 2020 à 16h

Théâtre Royal des Galeries, Brussels, Belgique

 

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Théâtre Royal des Galeries

Galerie du Roi, 32, 1000 Bruxelles

Renseignements et inscription :Tel : +32(0)23959141
E-mail : aca@skynet.be

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Exposition exceptionnelle

“Icônes Brodées”

“La Foi des Chrétiens”

Jusqu’au 3 avril 2020

Cathédrale de Monaco, 98000, Monaco.

Exposition d’icônes brodées provenant de l’Atelier Prikosnovénié de Moscou. Cette exposition est réalisée conjointement avec le Consulat de Russie. Exposiion inaugurée par la par S.A.R. la Princesse de Hanovre, de nombreuses autorités monégasques, des ambassadeurs, de plusieurs consuls de la Principauté, ainsi que des prêtres du diocèse.

 


Extrait de l’archange Gabriel

L’art de la broderie des icônes orthodoxes serties de pierres précieuses et exécutées au fil d’or trouve ses racines dans l’histoire de l’ancienne Russie. L’apparition des visages brodés des saints a surtout été liée à la nécessité de prendre ce type d’icônes dans les campagnes militaires.


Les brodeuses russes, parmi lesquelles on peut citer les représentantes de familles de grands princes et de tsars, sont connues dans le monde entier.

 

Saint Nicolas le Thaumaturge.

Les icônes artisanales de l’atelier « Prikosnoviéniè », sont réalisées avec l’ancienne technique de broderie des icônes avec des pierres précieuses, des perles et les plus petits tubes en verre.

 

Vierge et l’Enfant Jésus

 24 œuvres uniques créées à l’atelier Prikosnovénié. Comme le rappellent les organisateurs, « l’histoire de l’art de la broderie des icônes orthodoxes serties de pierres précieuses exécutées au fil d’or remonte au plus profond des siècles, à l’époque du règne de la dernière princesse byzantine en Russie. Les brodeuses russes parmi lesquels figurent les représentantes de familles de tsars et de grands princes ont eu une grande notoriété dans le monde entier ». Mais cette tradition a été abandonnée à la révolution de 1917 avant d’être relancée par l’artiste Natalia Gorkovenko et son atelier à Moscou. L’atelier Prikosnovénié, depuis plus de 15 ans, développe ces anciennes traditions de la broderie et de la décoration des icônes. Toutes les œuvres sont exécutées dans la technique de la peinture ornementale à l’aiguille et de la broderie à la main. Les icônes sont serties de pierres précieuses et semi-précieuses : rubis, saphirs, améthystes, tourmaline, citrines, grenades… Cristal, perles, fils d’or, nacre sont aussi utilisés.

 

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(Crédit photo : Jean-Pierre Debernardi)

Dans les chapelles du péristyle de la cathédrale, les visiteurs pourront découvrir cette exposition des icônes brodées mais également des chefs-d’œuvre d’icônes peintes orthodoxes. Parmi celles-ci, des contemporaines telles « La Sainte Dévote » ou « Les Saints martyrs royaux » ou encore la représentation de la famille du dernier tsar Nicolas II mais aussi des icônes plus anciennes.

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Elle se trouve sur le rocher de Monaco à Monaco-Ville. En 1868, le territoire de la Principauté de Monaco fut séparé du diocèse de Nice. On prit alors la décision de démolir l”église Saint-Nicolas chargée de six siècles d’histoire, pour construire l’actuelle cathédrale. Dès le 6 janvier 1875, le Prince Charles III en posa la première pierre, de style romano-byzantin. Sa longueur est de 72 mètres, sa largeur de 22 mètres et sa hauteur de 18 mètres, construite en pierres blanches de La Turbie. Elle fut consacrée en 1911.

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Cathédrale de Monaco
4, rue Colonel Bellando de Castro
98000 Monaco
Informations: +377 99 99 16 60

Festival international

“Autour du monde: Art sans frontières”

«Вокруг Света: искусство без границ»

Jeudi 27 février au lundi 16 mars 2020

Académie Stieglitz, Saint Pétersbourg

  • De retour d’errances lointaines – Concours-exposition d’enseignants et d’étudiants de l’Académie. Remise de prix aux enseignants et étudiants de l’Académie pour leur participation aux événements du festival Russie-Inde: cœur à cœur pour les enfants et les jeunes lors du festival international de la culture Roerich dédié au 145e anniversaire de N.K.Roerich et au 115e anniversaire de S. .N. Roerich au Roerichs International Memorial Trust (tenue en octobre 2019, Naggar, Inde).

 

  • Performance par Anugama Indian Dance Studio.

  • Le monde vu par l’artiste – Exposition-concours interactif des universités partenaires de l’Académie et des artistes et designers étrangers: Russie, Inde, Italie, Espagne, Arménie, Lettonie, Allemagne, Jamaïque. (Salle Henri II, salle 331, 27 février, à 16 heures)

  • La bannière de la paix sur la planète – Ouverture de l’exposition d’œuvres d’art “La bannière de la paix sur la planète” d’enfants indiens de la vallée de l’Himalaya Kulu et d’enfants russes – participants au Festival international d’amitié Russie-Inde “Russie-Inde: de cœur à cœur”. Les co-organisateurs de l’exposition sont le Centre international des Roerichs (Moscou) et l’International Memorial Trust of the Roerichs (Naggar, Inde). Lieu: recréation du troisième étage, Solyanoy per. 13.

 

  • Homme du monde – Exposition de photographies dédiées à R. Tagore – matériaux de la succursale de Saint-Pétersbourg du Centre international des Roerichs. Lieu: Papal Gallery, Salt Lane. 13.

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L’école est fondée par décret du tsar Alexandre II en 1876, grâce aux moyens financiers  le  baron von Stieglitz  (1814-1884), banquier et industriel. L’académie prépare des dessinateurs industriels et techniques et de futurs professeurs de dessin des écoles secondaires techniques. Elle enseigne aujourd’hui à environ 1 500 étudiants répartis en trois facultés, art monumental, design et arts décoratifs. Son corps professoral compte quelque deux cent-vingt enseignants. L’Académie à célèbré son 140 ème anniversaire en 2016.

Musée des Arts Appliqués, Académie Stieglitz

Solyanoi pereulok  15 , Saint- Pétersbourg 191028

Téléphone :+7 812 273-38-04

Ouvert du mardi au samedi de 12 h à 16 h. Jour de congé  dimanche 8 mars et le 9 mars.

Art Studio gallery

Présente

Boris Mestchersky

Vendredi 7 février au samedi 21 mars 2020.

Art Studio gallery, 400 Liège

 

Boris Mestchersky est né en  1963, sa mère, la princesse Vera Nikitchina Mestchersky est russo-belge ( CLIQUEZ ). Son goût artistique naîtra tôt. Il a vécu les neuf premières années de sa vie à Séville et à Soria.  À l’âge de 10 ans, il revient vivre en Belgique dans une famille d’accueil. Il fait une partie de ses humanités à Saint-Quirin Huy et terminera ses études à l’Institut supérieur des beaux-arts Saint-Luc. Il a suivi des cours de gravure à l’Académie de Liège. Les retrouvailles avec sa mère, à l’âge de 16 ans, l’ont fortement influencé dans la décision de sa vocation d’artiste peintre. En effet, il va ensuite travailler 3 ans avec celle-ci en attendant son service militaire.

Tapis noué main en laine tibétaine

En 1986,  il retournera en Espagne où il fera sa première exposition à Santiago de Compostela. Il fait six années de silence artistique. Il entre alors dans un mouvement protestant de Belgique qui apportera un souffle nouveau à sa créativité.

En 1991, il se marie avec, Nada Ursa qui l’aide à garder les pieds sur terre.  Boris Mestchersky crée et Nada s’occupe plutôt du côté pratique et des relations extérieures elle organisa 4 expositions de 1994 à 1997. La première exposition aura lieu au Pavillon des petits jeux à Spa, la seconde à la galerie des Beaux-Arts de Verviers, la troisième à la galerie Arcane à Liège et la dernière au château de la Mostée à Huy. Il vit de sa peinture en gardant le statut d’indépendant et expose régulièrement dans de nombreuses galeries européennes.

Il recherche dans les vitraux, la lumière, le rythme, une certaine musicalité, un sens de l’improvisation qui le pousse a résoudre l’équilibre et la composition, afin de dompter la toile et la rendre crédible.

Il travaille la technique de  l’huile, l’encre de chine, la gouache et les techniques mixtes dont les bases sont souvent des monotypes, gravures.

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Située au cœur de Liège, à deux pas de l’Académie des Beaux-Arts, du Musée de la Vie Wallonne et de la gare de Liège-Saint-Lambert, la Art Studio gallery propose un regard jeune et audacieux sur la création artistique contemporaine belge et internationale. Cet espace abrité dans une accueillante maison du XVIIIe siècle a pour raison d’être l’exposition et la promotion d’œuvres d’art actuelles.

 

Art Studio gallery

121, rue Saint Séverin – 4000 Liège, Belgique

Horaires :  jeudis, vendredis et samedis, de 15h à 18h (ou sur RdV)

À deux pas de la gare de Liège-Saint-Lambert (anciennement Liège-Palais), du “Cadran” et du centre-ville.

En voiture et en moto : À proximité des grands axes autoroutiers : depuis l’échangeur E42/E40 et E25, prendre l’A602 direction Liège, sortie n°33, Burenville / Centre / St-Laurent / Ste-Marguerite).

En train : Toutes les lignes passant par Liège et la Gare de Liège-Saint-Lambert (à environ 5 minutes à pieds).

En bus : ligne 19

 

Expos de peintres russes

“Les villes de la Basilicate à travers les yeux des artistes russes”

«Города Базиликаты глазами русских художников»

Jeudi 30 janvier au dimanche 16 février 2020

Salle Tushino, Moscou

 

L’ association culturelle ” Maison Russe de Basilicata “ a organisé et tenue en collaboration avec     ” II Ponte Di Victoria Petrova ” et les municipalités de la région sud italienne de Basilicata et les communes de la Basilicata de la Basilicate sud italienne, avec la participation de plus de 70 artistes de Moscou, de St. Petersbourg et autres Les villes de Russie, qui ont créé un nombre important d’œuvres qui ont capturé des paysages, des rues médiévales, des visages et des émotions de résidents dans près d’une demi-centaine de villes et de villes de la région.
En 2019, tout le monde culturel a noté un événement significatif pour la basilique et l’Italie dans son ensemble : la ville de Matera (UNESCO) était la capitale culturelle européenne-2019. à cet égard, l’association culturelle “Maison russe en Basilique”.

Panneau avec des toiles de peintres russes.

En octobre 2019 en Coopération avec l’académie A. I. Stieglitz (CLIQUEZ) et avec le soutien du consulat général de la République italienne à St. Pétersbourg a organisé une exposition sous le titre ci-dessus avec la présentation de 80 tableaux de plus de 70 artistes de différentes villes russes et pays européens sont exposés.

Toiles de Lev Dutov, village et rue de Basilicata.

À Moscou, en coopération avec le département de peinture de l’union créative des artistes de Russie, l’exposition ” villes de Basilicate avec les yeux des artistes russes “ se tiendra dans la salle d’exposition ” Tushino ” du 16 janvier au 30 février 2020.

L’ organisation de l’exposition à Moscou est dédiée à la clôture des événements festifs de la capitale culturelle européenne – la capitale culturelle européenne-2019 à la fin janvier 2020.

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Quelques réalisations exposées.

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Artistes présents lors du vernissage, jeudi 30 janvier 2020.

 

Un catalogue de cette exposition a été édité.

Calendrier illustré avec les œuvres des artistes

 

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Salle Tuschino

Yana Rainisa Blvd., 19/bat1, Moscou.

Heures d’ouverture: tous les jours de 11 h à 21 h, sauf lundi .

informations : 8 (499) 493-14-67

Récital

Juliette Galstian (Mezo Soprano)

Katia Nemirovitch-Dantchenko (piano)

Mardi 18 février 2020 à 19h30

Salle Frank Martin, Genève

Juliette Galstian, mezzo-Soprano.

Elle est née en Armenie, féminité, sourire charmeur, sincérité et spontanéité envoûtantes, tout cela décrit le mieux l’opéra diva, lauréate de nombreux concours internationaux. Juliette a commencé le piano à l’âge de six ans dans son Arménie natale à l’École de musique. Tchaikovsky, puis  au Conservatoire d’État. Déjà au cours de sa formation, Juliette s’est souvent produite avec des concerts et a joué plusieurs fois avec l’Orchestre symphonique d’État. En 1993, elle a commencé à prendre des cours de chant auprès de sa grand-mère, le professeur Marianne Harutyunyan, elle est entrée à la faculté de chant du conservatoire, où en 1995 elle a reçu des diplômes avec distinction en piano et en chant. Après cela, elle a commencé à se concentrer à sa carrière de chanteuse,  lauréate du Grand Prix du Concours Maria Callas (Athènes, Grèce), du Concours international de chant Julian Gaillarre (Pampelune, Espagne) et du Concours international de musique Viotti (Vercelli, Italie).

Sa voix unique de mezzo-soprano et les talents d’actrice et de chanteuse, ne laisse pas les spectateurs indifférents. Elle s’est produite sur les meilleures scènes du monde avec les meilleurs partenaires. Elle retourne régulièrement en Arménie.

1er Grand Prix du Concours Viotti en Italie, Lauréate du Concours International de Chant « Maria Callas» à Athènes  et « Julian Gayarre » en Espagne, Juliette GALSTIAN est depuis 1996 engagée dans les plus grandes maisons d’opéras du monde (Covent Garden de Londres, la Fenice de Venise, Teatro Regio de Turin, Opéra Bastille de Paris, Scala de Milan, Grand Théâtre de Genève, Opernhaus de Zurich, New National Theatre de Tokyo, Opéra de Marseille, de Bergen, de Las Palma…)

Elle incarne plus de 25 rôles à la scène (Mimi, Nedda, Tatiana, Mélisande, Rosina, Iphigénie, Susanna, Rinaldo, Zerlina, Maddalena, Carmen, Suzuki, Fenena, Azucena …) et son répertoire va du baroque au contemporain. Ses principaux chefs d’orchestre sont, entre autres,  N. Harnoncourt, W. Christie, M. Plasson, J. Conlon, E. Pido, A. Jourdan, Z. Kocsis, F.Brüggen, V. Spivakov, A. Fischer, F. Carminati…

Juliette GALSTIAN est l’invitée de Festivals Internationaux ( Salzburg, Beaune, Ambronay, Dubrovnik, Nantes, Halle, Miskolc,  Colmar, Bergen et  Brno) et donne des concerts à Londres, Paris, Montréal, Vienne, Innsbruck, Moscou, Stuttgart et Genève….

Elle enseigne au Conservatoire de Genève depuis 2013 dont elle est actuellement doyenne des classes de chant et tient des Masterclasses en Suisse, France, Italie, Norvège, Russie et Arménie et est sollicitée dans le jury de Concours Internationaux de Chant.

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Katia Nemirovitch-Dantchenko  est issue d’une famille d’artiste, son arrière grand-père, Vladimir Nemirovitch-Dantchenko, fut, avec Stanislavski, le fondateur du Théâtre des Arts de Moscou. À l’âge de sept ans, Katia intègre l’École centrale spécialisée de musique pour enfants surdoués, ouis elle entre au Conservatoire supérieur Tchaïkovski de Moscou dans la classe de Tatiana Nicolayeva, puis de Dimitri Bashkirov. Elle obtient les diplômes de pianiste concertiste, professeur de piano et accompagnatrice avec la mention d’excellence dans les trois disciplines.

Elle fait ses débuts à l’âge de onze ans dans la grande salle du Conservatoire Tchaïkovski en interprétant les variations Abegg de Schumann. C’est dans ce même lieu qu’elle sera invitée à participer aux célébrations du 150ème anniversaire de la naissance de Tchaïkovski, concert enregistré par la télévision soviétique. Pendant ses études, Katia donne de nombreux concerts dans les grandes villes russes. Elle interprète notamment le Concerto n°1 en do majeur de Beethoven avec l’Orchestre philharmonique de Saratov à l’âge de douze ans.

Après avoir terminé ses études à Moscou, elle s’installe et vit à Paris, et continue de se former auprès de Léon Fleisher, Jean-François Heisser et Gérard Mounier. Elle travaille notamment comme assistante artistique de Christiane Stutzmann, dans sa classe de Lied et d’opéra au CRR de Nancy. Elle s’installe ensuite en Allemagne, comme assistante titulaire à la Folkwanghochschule ( Universität der Künste de Essen ). Dès lors, France, Allemagne et Russie constituent le cœur de son activité artistique. Elle intervient régulièrement, comme assistante artistique spécialisée, aux CRR de Paris et de Toulouse.

En Allemagne, Katia Nemirovitch-Dantchenko donne des concerts à Mainz, Hamburg, Berlin, Dresden, Braunschweig….

Elle a gravé les symphonies et les ouvertures de Mendelssohn, dans une transcription du compositeur pour piano à quatre mains, violon et violoncelle pour l’Internationale Mendelssohn Stiftung de Leipzig. En 2011, lauréate d’une bourse d’artiste du Dr. Watanabe-Stipendium des Mendelssohn-Hauses, elle réalise l’enregistrement d’œuvres de Mendelsshon et Schumann à Leipzig en 2012, sur un piano Steinway de 1905.

En 2015 elle obtient un  prix spécial de l’Académie du disque lyrique, un Orphée d’or, pour le disque des romances de Tchaïkovski, enregistré avec le contre-ténor Alexis Vassiliev chez le label Calliope.

 

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Salle Frank-Martin – Collège Calvin
Rue de la Vallée 3
1204 Genève

Tarifs : chf 20

Accés : Bus: 1, 2, 7, 8, 12, 16, 17, 20, 33, 36, A, E, G,

Parking: Saint-Antoine et Rive

Restauration

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” Mamayev Kurgan ” à Volgograd.

Juin 2019 – mai 2020

Dans la région de Volgograd, une restauration à grande échelle du monument « Mamayev Kurgan », a été lancée à l’aide de matériaux et de technologies de pointe, permettant de le préserver pour les générations futures. Pour la première fois depuis sa construction,  « Aux héros de la bataille de Stalingrad » sur Mamayev Kurgan est revêtue d’un échafaudage.

La Statue de la Mère-PatrieРодина-мать зовёт!, littéralement : « L’Appel de la Mère-Patrie » ou « La Mère-Patrie appelle ! »), est une statue gigantesque érigée sur la colline Kurgan (anciennement Stalingrad), qui fut, durant la bataille de Stalingrad, l’enjeu de combats acharnés et décisifs pour la chute du troisième Reich en Europe.

 

Construction de la sculpture en 1965

La statue est haute de 85 m, elle est composée de 5 500 tonnes de béton et 2 400 tonnes de métal. L’épée mesure 33 m et pèse 14 tonnes, tandis que la partie suspendue du châle en porte à faux, pèse 250 tonnes. L’épée, longue de 33 mètres pèse 14 tonnes, était à l’origine en acier inoxydable doublé de feuilles de titane, a été remplacée en en 1972, par une autre entièrement en acier. L’épaisseur de béton de la statue ne dépasse pas 25 cm à 30 cm.

 

Cette sculpture gigantesque est due au sculpteur Evgueni Voutchetitch et à l’ingénieur Nikolaï Nikitine, sur un projet de l’architecte Iakov Bielopolski, construite de 1959 terminée en 1967.

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Le vent fort n’a pas effrayé les travailleurs de grimper à 187 mètres au-dessus du sol. © Peter Lukashin

Début de l’échafaudage.

Des “forêts” atypiques de configuration complexe, soutenant et ceinturant des poutres métalliques, des sols pour réduire la charge du vent ont été réalisées, Les échafaudages eux-mêmes ont pris presque deux mois, sans oublier la construction d’accès routier. Les restaurateurs devront réparer toutes les fissures et les éclats apparus sur la sculpture au fil des ans sous l’influence de la pluie et du vent, du soleil et de la neige.

Echafaudage en juillet 2019.

 Le monument sera recouvert d’un composé hydrofuge de coloration spéciale, qui sera dans la couleur du béton.

À l’occasion de l’anniversaire du 75e anniversaire de la victoire de ” Mamaev Kurgan ” dans la Grande Guerre patriotique, la visite du président de la Fédération de Russie, qui appréciera la qualité de la restauration de ce haut sommet de la Russie, n’est pas exclue.

 

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Conférence dans le cadre du cycle

de conférences 2020 de la FPPR.

“L’architecte Quarenghi et

les merveilles de Saint-Pétersbourg”.

par Frédéric de Grave

Vendredi 28 févier 2020 à 19 h 30

Centre culturel La Vénerie/Écuries, 1170 Bruxelles

 

QUARENGHI GIACOMO(1744-1817), originaire de Bergame né le 20 septembre 1744 à Rota Imagna, (Italie) et mort le à Saint Pétersbourg. Il étudie très jeune la peinture, Quarenghi se rend à Rome en 1763 et devient l’élève de Raphaël Mengs, puis de Stefano Pozzi. Influencé par le milieu des artistes étrangers (tous passionnés d’archéologie) qui sont fixés à Rome, il abandonne vite la peinture pour s’adonner à l’étude de l’architecture et des antiques, trouvant deux maîtres fort différents en Paolo Posi et surtout en Antoine Derizet (un adepte de la transposition des proportions musicales en architecture).  Il construisit à Vienne  la salle à manger du palais de l’archiduc de Modène.  À l’âge de trente-cinq ans, il partit pour la Russie , à la Cour  Catherine la Grande.

Il construisit d’abord la Banque d’État à Saint-Pétersbourg, puis le théâtre de l’Ermitage  et l’ arc reliant celui-ci à l’ancien Ermitage, au-dessus du canal donnant dans la Néva. On construisit d’après ses dessins le clocher de l’église Saint-Vladimir (1783-1791).  Il est également l’auteur  l’église Ste Marie Madeleine à Pavlovsk  (1781-1784).

Paul 1er le nomma architecte de la cour et lui commanda le palais de sa maîtresse, la princesse Lopoukhine, situé sur le quai du Palais. Ensuite, il construisit à Tsarskoïe Selo le palais Alexandre qui fut la residence de Nicolas II.  Le tzar Alexandre 1er lui commanda l’imposant bâtiment jaune de  l’Institut Smoly, réservé à l’enseignement des jeunes filles de la noblesse, qui se trouva relié au couvent  du même nom, construit dans le style baroque de Rastrelli.

Plan original de Quarenghi pour l’Institut Smolny (1806)

On construisit ensuite d’après ses plans l’hôpital Marie (1806) pour les pauvres. Parmi ses derniers travaux, on peut citer le Palais anglais à Peterhof, le manège de Chevaliers de la Garde et l’arc de triomphe de Narva (1814).


Arc de triomphe Narva, Saint Pétersbourg

 

CONFÉRENCIER

Fréderic de Grave, il a été traducteur de l’Union Européenne, il a vécu les grandes transformations de l’Europe des six qui s’est élargie à une puissance économique et culturelle mondiale de vingt sept pays-membres (Moins la GB depuis peu). Diplômé de l’INALCO (Institut National des Langues et Civilisations Orientales). Il est l’auteur de “Répine et les haleurs de l Volga” Editions Mélobée (2013)

Conférence organisée par  FPPR – Fondation pour la préservation du patrimoine russe dans l’Union Européenne

FPPR – SBRE – ФСРН

Fondation pour la Préservation du Patrimoine Russe dans l’Union Européenne
Stichting voor de Bewaring van het Russische Erfgoed in de Europese Unie
Foundation for the Preservation of the Russian Heritage in the European Union
Фонд Сохранения Русского Наследия в Европейском Союзе

Les conférences sont suivies du verre de l’amitié.

Réservation indispensable : patrimoine.russe@yahoo.com

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Centre culturel La Vénerie/Ecuries,

place Gilson 3, 1170 Bruxelles (Watermael-Boitsfort)

Entrée : 12 €, 8 € (membres et – 30 ans).
Banque : IBAN BE81 3631 5890 3824 –

BIC : BBBRUBEBB avec la mention « Conférence »
http://www.patrimoine-russe.be

 

Vladimir Hofmann

6 sculptures monumentales

” Promenade à l’Intérieur de Soi “

« Прогулки внутри  себя »

du 29 décembre 2019 au 29 février 2020

De la place Saint Isaac à la Nouvelle Hollande,

Saint Petersbourg.

L’Homme est au centre de mon univers et, à travers lui, le rythme, l’espace et le temps sont au centre de mes préoccupations artistiques.

L’artiste développe des thèmes par séries, comme pour les épuiser, et parfois y revenir.

L’un de ses thèmes favori est la promenade de l’homme à l’intérieur de lui-même : on y voit un petit personnage – l’Individu – déambuler dans une grande tête toute symbolique – l’Humanité – comme pour se chercher et se comprendre.

Un autre thème est celui de l’Escalier : l’homme gravit un escalier, marche après marche, comme pour franchir les étapes de son existence et s’élever spirituellement.

Les roues, souvent présentes dans ses sculptures, évoquent à la fois le temps qui passe et le monde mécanique dans lequel nous évoluons aujourd’hui bien malgré nous : chacun des nous est embarqué dans le train de sa destinée et chacune de mes sculptures est comme le wagon du grand train de la vie où des événement diverses se passent au même moment  : les uns arrivent, d’autres partent, attendent… Les individus qui peuplent ces sculptures sont animés de sentiments diverses ou même contradictoires : certains expriment la joie tandis que d’autres sont sujets à la mélancolie.

Toute aussi symbolique est la représentation de l’« Homme en marche » : l’Homme se cherche, s’élance, s’interroge, s’évade et puis, brusquement, sa course s’interrompt et il se fige dans l’Espace et le Temps pour l’éternité.

 

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« Прогулки внутри себя »

Город – это не просто дома, улицы, мосты и соборы. Это духовное пространство истории и современности. Санкт-Петербург – один из красивейших городов мира, гордость России и ее интеллектуальная столица.

Представленная в рамках проекта Манежа «Музейная Линия» выставка Владимира Гофмана «Прогулки внутри себя», продолжая традиции русского авангарда, говорит о внутренней жизни каждого зрителя, зовёт к размышлениям и внутреннему диалогу.

Владимир Гофман – Рyсский парижанин, скульптор и архитектор, ученик Юрия Анненкова и Осипа Цадкина. Его работы неоднократно представлены на межлународных выставках, также в Москве и Петербурге. Он нагрждён золотой медалью города Парижа.

 

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” Promenade à l’intérieur de soi “

Une ville, ce n’est pas seulement une rue, un pont, un monument ou un chez-soi…Non, une ville, c’est un
espace mental et spirituel, à la fois chargé d’histoire et contemporain. Saint-Pétersbourg est l’une des villes
les plus belles du monde, la fierté de la Russie et sa capitale intellectuelle.
L’exposition de Vladimir Hofmann , dans le cadre du projet du Manège « La ligne muséale » appelle à la
réflexion et au dialogue intérieur.
Vladimir Hofmann, russe de Paris, sculpteur et architecte, a étudié auprès de Yuri Annenkov et d’Ossip Zadkine. Ses œuvres figurent dans les expositions internationales, mais on peut les voir aussi à Saint-
Pétersbourg et à Moscou. La ville de Paris lui a décerné sa médaille de vermeil..

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L’AUTEUR

Vladimir Hofmann est un « russe de Paris ». Il est né à Paris dans une famille russe. Son père, Michel Rostislav Hofmann était musicilogue, son grand-père, Modeste Hofmann, un pouchkiniste célèbre. Jusqu’à l’âge de six ans, Vadimir n’a parlé que le russe, il a appris le français à l’école.

Vladimir Hofmann, a très tôt commencé à sculpter. Il a suivi les enseignements d’Ossip Zadkine, à la Grande Chaumière, et de Youri Georges Annenkov, le plus brillant portraitstiste du siècle d’argent. Il a également étudié l’architecture à l’Ecole Nationale des Beaux-Arts, dont il est diplômé

Sa première venue en Russie remonte à 1964, moment où il fait connaissance avec sa famille russe (une partie de la famille avait émigré à la Révolution, une autre est restée en Russie).

La première exposition de Vladimir a eu lieu en 1968, dans un petit restaurant du quartier latin, la quartier des étudiants. A l’époque, Il était lui-même étudiant. Bien d’autres expositions ont suivi, dans les salons et les galeries. Vladimir a reçu la médaille de vermeil de la Ville de Paris en 1983.

En Russie, Vladimir a, pour la première fois, exposé en 2002. Il s’agissait d’une exposition commune avec Vladimir Ovchinnikov, au centre d’art des artistes non-conformistes de Saint-Pétersbourg (au 60, avenue Nevsky). Depuis, Vladimir exposé à Saint-Pétersbourg (le berceau de sa famille) au musée Akhmatova (2009), au Palais Konstantinovsky (2010), à la galerie Molbert (où il est invité permanent depuis 2014), à l’Académie des Beaux-Arts (2016), au musée des 20 et 21ème siècles MISP, au centre Chémiakine, et à Moscou, au musée Bourganov (2010) et à la Maison de la Russie Hors-Frontière du nom de Soljenitsine (2018).

L’Homme est au centre de son univers. Ses sculptures portent une charge philsophique. Elle expriment le parcours de l’homme en relation avec le temps qui rythme notre existence. Les personnages qui les peuplent sont des êtres ordinaires, comme, comme chacun d’entre nous.

Vladimir développe ses thèmes favoris par séries, comme pour les épuiser et y revenir.
Un de ses thèmes favoris est la « Promenade intérieure » : non pas une simple promenade mais un cheminement à la recherche de soi. Un petit homme se promène dans une tête gigantesque, symbolisant l’Humanité. Il se cherche une explication et peut-être une réponse aux questions fondamentales et insolubles = d’où somme nous venus sur cette terre ? Où allons nous ? Pourquoi sommes-nous ici ? .

Un autre de ses thèmes est le « Train de la vie », comme une sorte de mosaïque de la vie courante. La « roue » y est souvent présente. Elle symbolise à la fois le temps quii passe et le monde mécanique dans lequel, volontairement ou involontairement, nous sommes plongés. Chacun de nous suit sa destinée : dans ce shéma, chaque sculpture est comme le wagon du grand « train de la vie ». Cette série s’inspire de la vie quotidienne, lorqu’au même moment se profilent des évènements diverses et les êtres éprouvent des émotions différentes, parfois contradictoires.

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Владимир Гофман, «русский парижанин», родился в Париже в русской семье. Его отец Ростислав Модестович Гофман был музыковедом, его дед известный пушкинист Модест Людвигович Гофман. До шести лет говорил только по-русски, пока не пошёл в французскую школу.

Владимир, рано стал заниматься скульптурой, посещщая уроки Осипа Цадкина в академие искусств Grande Chaumière, и Юрия Павловича Анненкова, блестящего портретиста серебрянного века. Также училися в Национальной Школе Изящных Искусств (Ecole Nationale des Beaux-Arts, по архитектуре.

В 1964 году состоялась его первая поездка в Россию где он познакомился с «русской семьёй» (часть семьи эмигрировала, а часть осталась на Родине).

Скульптуры Владимира Гофмана в первые выставлялись в 1968 году в маленьком ресторанчике Латинского квартала, квартал студентов, он сам тогда был стужентом. Впоследствии регулярно в различных салонах и галереях. Владимир награждён золотой медалью города Парижа (1983).

Его первая выставка в России состоялась в 2002 году в Петербурге в Музее художников нонконформистов (Невский проспект 60), это была совместная выставка с Владимиром Афанасьевичем Овчинниковым. С тех пор выставки произведений Владимира проходили в Санкт- Петербурге (семейное гнездо), в Музее А. Ахматовой (2009 г.), в Константиновском дворце (2010 г.), в галерее Мольберт (где Владимир постоянный гость с 2014 г.), в Академии Художеств (2016 г.), в музее МИСП и в Центре Шемякина (2019); а в Москве, в Музее Бурганова (2010 г.) и в Доме Русского Зарубежья имени А. И. Солженицина (2018 г).

Человек находится в центре мировозрения Владимира. Его сульптуры проникнуты философским значением; они выражают человеческий путь в связи с проходящим временем которое рифмирует нашу жизнь, герои их «земные», похожы на всех нас.

Владимир развивает любимые ему темы сериями, как будто чтобы их исчерпать, и иногда к ним вернуться.

Одна из этих тем, это «прогулка внутри себя» : не только как путешествия и странствия в пространстие, но и прогулки которые мы совершаем в поиски себя, своего предназначения, наш жизненный путь. Там изображён человечек который прогуливает внутри большой головы символизировшая Человечество : он ищет себе объяснение, и может быть ответы на фундаментальные, вечные вопросы : «откуда мы пришли в этот мир ?, Куда идём ? В чём смысл нашего появления ?»

Другая тема, это «поезд жизни»: мозаика повседневной жизни. Колёсы, часто присутствуют в скульптурах; они символизируют одновременно часы и механический мир в котором мы вольно или невольно поглушенны. Каждый из нас влечён в поезд своей судьбы. В этом понятие, каждая сульптура является вагоном большого «поезда жизни». Эта серия связанна с наблюдением окружающей реальности, когда в один и тот же момент, проиходят разные события и люди испытывают эмоции иногда противоположные.

«Художник творит то, что заложено в него с выше, расскрывает скрытое от глаз, даёт видеть невидимое….Одновременно, он расскрывает свой индивидульный мир, проникающий в глубину его личностьи.» – Владимир Гофман       

   

 

Exposition exceptionnelle

 ” Fabergé et bijoutiers de cour “

 Du mercredi 20 novembre 2019 au jeudi 30 avril 2020

Musée historique d’État de Moscou

L’exposition Fabergé et la Cour Jewelers au musée d’histoire est consacré à l’art des bijoux russes de la seconde moitié du 19e siècle – début du 20e siècle, connu dans le monde entier pour sa beauté et sa grâce.

L’exposition présente environ 300 objets de la Renaissance russe, y compris des objets de musées de régiments, qui seront exposés pour la première fois.

Le fournisseur de la cour de la cour impériale russe et de nombreuses cours royales d’Europe, Carl Faberge, a joué un rôle particulier à l’époque des bijoux. Son nom est devenu synonyme de génie des bijoux. Une section distincte de l’exposition est consacrée à son travail, décrivant la contribution du maître à la bijouterie russe, qui a plus de 1000 ans d’histoire.

L’exposition présente l’histoire de la renaissance des bijoux nationaux, le développement des écoles de joailliers de Moscou et de Saint-Pétersbourg. L’époque était caractérisée par le désir de la société d’actualiser le langage artistique. De grands artistes se sont alors tournés vers la création de produits décoratifs et appliqués, notamment d’argent et d’or, et ont commencé à collaborer avec des bijoutiers. La synthèse des arts a abouti à des solutions artistiques inattendues pour les précieux produits de cette période.

L’exposition présente les œuvres de grands maîtres tels que I. Sazikov, I. Chichelev, P. Ovchinnikov, I. Khlebnikov, les propriétaires de la société Bolins, F. Rückert, les frères Grachev et bien d’autres. Ce sont eux qui ont gagné la reconnaissance mondiale lors d’expositions mondiales et nationales et ont reçu les plus hautes distinctions.

Les visiteurs peuvent voir des objets de styles différents: objets des palais royaux, souvenirs, mercerie précieuse, sculptures en argent. Parmi les objets l’on peut adimirer un cadre élégant avec un portrait de la princesse Zinaida Yusupova, fabriqué par Fabergé, est encadré par des muguets de perles, d’or et d’émaux. Le bracelet en or d’Ivan Chichelev  est décoré de rubis et de perles. Le coffret en argent et en porphyre scintille de saphirs, d’émeraudes et de rubis, fabriqué par la firme moscovite Ivan Khlebnikov et présenté à Tsarevich Alexei lors de la célébration du 300e anniversaire de la dynastie des Romanov. À la même date, la noblesse de Nijni-Novgorod a commandé à Khlebnikov un grand plat – avec des médaillons et des pierres précieuses.

Une partie de l’exposition raconte le style historique russe ou le “style de romance nationale”, qui a acquis une grande popularité au tournant du siècle en raison de la prédominance des motifs folkloriques.

Des sections séparées sont également consacrées à des sujets liés aux églises, qui occupent une place particulière dans les arts et métiers, et n’exposent pas les expositions des musées de régiments.

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Le Musée historique d’État est le plus grand musée historique national de Russie. Fondé en 1872, le bâtiment de la Place Rouge de Moscou a été construit en 1875-1883 selon le projet de l’architecte Vladimir Sherwood et de l’ingénieur  Anatoly Semyonov. Le fonds du musée historique d’État moderne contient plus de 5 millions d’articles et 14 millions de feuilles de documents documentaires

 

L’ Institut de Design & des Arts de St Pétersbourg

présente une

Exposition – concours international

” Consonance “

Exposition du 16  au 30  novembre 2019

Université d’État des technologies industrielles et du Design

de  Saint Petersbourg

Ouverture au public mercredi 19 novembre 2019 à 13h

 

Le peintre franco-russe,N. N. Tikhobrazoff présente une de ses toiles, avec ses “lignes qui parlent” , que l’on peut lire en lumière rasante, suivant une technique d’anamorphose.

Toile de N.N. Tikhobazoff au milieu en haut.

Texte écrit en français: ” Il ne suffit pas de se taire, il faut savoir dire autre chose “.

Для тишины недостачно просто замолчть. Вы должны уметь выразить себя по другому

Plus de renseignements sur le peintre : CLIQUEZ

Inauguration de l’exposition.

Ont été présentées les œuvres de 150 d’artistes de Russie  et  50 de l’étranger. Des œuvres d’artistes professionnels ainsi que d’étudiants de diverses universités de Saint-Pétersbourg et de Moscou ont été présentées à l’Université d’État des technologies industrielles et du Design de  Saint Petersbourg (SPbGUPTD), de I’Académie des Beaux Arts I.E. Repin , l’académie A.L.Stieglitz , RSU du nom de A.I. G. Stroganov, l’Académie I.S. Glazunov, etc.), ainsi que d’autres régions de Russie : Universités d’Ekaterinbourg, d’Omsk, Elista, Stavropol, Sochi, Nakhodka, Kazan,  Belgorod, Taganrog, Vladivostok, Perm, Gjel …), ainsi que des artistes de différants pays : Biélorussie, Chine, France, Kazakhstan, Kirghizistan, Moldavie,Vietnam,  etc.

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Le “ Prix de la peinture abstaite” 2019, a été décerné à Nicolas Tikhobrazoff de France, pour sa toile  intitulée : Для тишины

Il ne suffit pas de se taire, il faut savoir dire autre chose. Для тишины недостачно просто замолчть. Вы должны уметь выразить себя по другому.

Technique mixte toile 65 x 54 cm.

 

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Université d’État des Technologies Industrielles et du Design 

Bolshaya Morskaya St., 18, Saint-Pétersbourg, Russie,

Métro : Nevsky Prospekt / Admiralteyskaya

 

 

Église de la Résurrection, Palais Catherine

à Tsarkoïe Selo.

 

OUVERTE au PUBLIC

 

Le public depuis cet été 2019 a la possibilité de visiter l’église de la Résurrection du Christ au palais Catherine à Tsarskoïe Selo. Cette chapelle palatine a été construite et des membres du clergé y sont rattachés à partir du 23 mars 1713. Elle possédait une iconostase aux tons bleus et dorés, dont les icônes étaient peintes sur des toiles et aussi un trône recouvert d’un toit en bois et de représentations symboliques des quatre évangélistes.

Le 8 août 1745 en présence de l’impératrice Elizabeth Petrovna, héritière du grand-duc Peter Fedorovich (futur Peter III) et de son épouse, la grande-duchesse Catherine Alexeyevna (future Catherine la Grande). Initialement, l’église a été construite selon le projet de S. Chevakinsky.

F. B. Rastrelli a introduit des modifications dans sa conception, qui a commencé en 1750. C’est la première chapelle du palais. Transférée en 1930 au musée du Palais Catherine, l’iconostase de la chapelle disparaît à l’époque de l’occupation de la ville par les Allemands  durant le siège de Léningrad ainsi que la chambre d’ambre et le trône.

 

Le palais fut entièrement détruit lors de la seconde guerre mondiale.

État de la salle de bal en 1945.

A la retraite de l’armée allemande en janvier 1944, les occupants incendient méthodiquement la totalité du palais, occasionnant l’effondrement de la toiture et des planchers.

C’est une immense carcasse vide aux murs calcinés et aux plafonds effondrés, aux décors détruits ou vandalisés que les soviétiques découvrent avec lamentation le 27 janvier 1944 après le départ des armées allemandes. Le fastueux palais Catherine semble alors définitivement perdu mais c’est sans compter sur l’énergie farouche du peuple russe et des conservateurs du domaine à sauvegarder cet exceptionnel patrimoine historique.

C’est en 1956 que débutent les travaux de restauration du palais avec l’ambition de le reconstruire à l’identique. Après une longue et soigneuse réfection de la couverture, des façades et le rétablissement des étages, commence la restauration des appartements et salle d’apparat. Durant plus de 20 ans, menuisiers, sculpteurs, ébénistes, marbriers, doreurs et staffeurs vont procéder à une restauration patiente et méticuleuse des appartements impériaux afin de permettre la réouverture du palais au public .

Restauration d’un salle du palais

Vestiges de l’église après la seconde guerre (1945)

L’église de la Résurrection  a été peinte avec un vernis au bleu cobalt, sur un fond épais où se détachent brillamment des ornements en or de style rocaille, sculptés, densément dorés. Le peintre L. Karavak et après lui Groot et Weber ont peint une toile dans le caractère de cette architecture.

Intérieur de l’église palatine. Dessin des années 1850

De nombreux artistes russes et étrangers ont participé à sa décoration. Toutes les sculptures sur bois sont réalisées par des maîtres russes. Grigory Kuritsyn, le charpentier Sukhoi, Anton Yakov avec 36 camarades, Valekhin et les charpentiers Okhten ont travaillé sous la direction du sculpteur allemand Dunker. Le travail exigeait des compétences et des qualités artistiques. À l’aide d’un couteau, d’un burin et d’un ciseau à bois, le sculpteur a traité des pièces de bois en leur donnant les formes sophistiquées créées par la fantaisie créative de Rastrelli. La dorure de sculptures en bois était dirigée par un doreur Leprens.

Le 30 mai 1756, l’ église est nommée solennellement  “Église de la Résurrection du Christ” en présence de l’impératrice Elizabeth Petrovna. L’église a été consacrée par l’archevêque de Saint-Pétersbourg et Shlisselburg Sylvester.

Le 29 au soir, en provenance des habitants  de Tsarskoïe, l’évêque de Saint-Pétersbourg, Sylvester, est arrivé avec l’archimandrite Sofroniy du monastère de l’épiphanie Kostroma de Saint-Pétersbourg. Le 30 au matin, commença la lecture de l’évangile  et la consécration de l’eau bénite en présence de sa Majesté Impériale.  Il y eut la procession avec tous les invités et la foule,  à son arrivée, l’évêque commença les cérémonies de  la consécration de l’église. Il y eut une salve de 51 armes à feu. Puis la liturgie  commença suivie d’un sermon” .

Après la consécration F.-B. Rastrelli a présenté le résultat de ses travaux à l’impératrice et au corps diplomatique qui l’accompagnait. Ce jour est considéré comme l’anniversaire du palais du Grand Tsarskoïe Selo. De superbes célébrations ont été organisées, que l’impératrice a données à ses invités.

Toute cette splendeur a été gravement endommagée lors de l’incendie du 12 mai 1820. Le tsar Alexandre Ier a décidé de reconstruire le palais et l’église dans sa forme originale.

Les deux parties de l’intérieur (hall et autel) sont organisées indépendamment. Si une coupole en bois était érigée au-dessus de l’autel, marquée à l’extérieur par une coupole décorative à cinq coupoles, reconstituée dans ses formes originales, le plafond de la salle était alors, comme auparavant, plat avec un immense plafond peint sur toile. Le plafond brûlé est attribué à l’artiste Giuseppe Valeriani. Stasov appelle également le nom d’un autre artiste – Francesco Fontebasso. Il a écrit: “Comme la publication des plafonds de Fonte Basso, qui servait à peindre le plafond décoratif, n’a pas été trouvée dans les différentes bibliothèques lors de la fouille, elle consistait en une série d’informations confirmant ce qui restait dans ma mémoire.”

Eglise de la Résurrection en 1917

L’esquisse, réalisée par V.K.Shebuev d’après les mémoires de Stasov et basée sur des analogies, fut approuvée en septembre 1820. Shebuyev a terminé le plafond en mai 1823, après la consécration de l’église. Les enfants de la maison de Romanov nés à Tsarskoïe Selo furent baptisés ici, parmi lesquels les futurs empereurs Nicolas Ier et Nicolas II. En 1908, le mariage de la grande-duchesse Maria Pavlovna (fille du grand-duc Pavel Alexandrovich) et du prince Guillaume de Suède a eu lieu dans l’église du palais.

Plafond de l’église en 1915.

Le plafond de l’autel en plâtre a été peint par l’artiste D. I. Antonelli. Le nouveau plafond des chorales destiné à remplacer l’ancien, œuvre de D. Valeriani, a été réalisé par les peintres Otto Ignatius et Gustave Gippius.

1917. L’intérieur de l’église de la Résurrection. Couleur autochrome. A. Zeesta.

Pendant la Révolution ( la Grande Guerre patriotique), un garage a été construit dans les locaux de l’église du palais et son intérieur a été pillé ou gravement endommagé. L’église a été fermée en 1922, Quatre-vingt-dix-huit icônes restantes dans l’ église ont été volées et ont disparu. Sur les 114 icônes du 18ème siècle peintes sur bois ou sur toile, quatre ont survécu. Il a été décidé de recréer les images perdues de l’iconostase. Les icônographe  modernes ont peint plus de quarante icônes, à partir, notamment des aquarelles d’Eduard Gau, des photographies en noir et blanc d’avant-guerre, des peintures de la cathédrale Saint-Nicolas-Épiphanie à Saint-Pétersbourg et de l’église Saint-André à Kiev. Comme il n’y a pas d’images d’icônes des murs de l’église, il seront couverts de toiles peintes

Le plafond a été perdu lors de l’occupation du village Pouchkine en 1941-1944. Seuls des fragments  pittoresques de 16 pièces en mauvais état d’une superficie totale de 37 mètres carrés ont été conservés,et un fragment de 3,80 x 8,94 m, retrouvé sur le territoire de Pouchkine après la guerre.

 

Dans les années d’après-guerre, le bâtiment de l’église a été transformé en entrepôts, c’est tout ce qui a survécu dans le palais. Ce n’est qu’en 1957 que des travaux de restauration ont été entrepris.

En 2015-2016 , des échafaudages ont été installés, une partie des travaux de restauration et de conservation ont été effectués, ainsi qu’une étude de la structure et de la composition des couches colorées sur les murs de l’église.

Fragments de décoration originaux conservés pour faire de copies

 

Restauration des panneaux muraux en bois avec remplacement des pertes dans les matériaux historiques.

 

Iconotase de l’église avec les portes royales, cloison de bois  qui sépare les lieux où se tient le clergé célébrant les offices religieux du reste de l’église où se tiennent le chœur, le clergé non célébrant et les fidèles.  Derrière les lambris de l’iconostase, les restaurateurs ont trouvé 182 pièces de décoration soigneusement pliées. Ils ont probablement été enlevés par le personnel du musée dans l’après-guerre, dans l’espoir qu’un jour …. Deux anges décorant le dais de l’autel ont été retrouvés dans le “trésor” derrière un panneau.

En remettant en état des détails intérieurs en papier mâché, les restaurateurs ont trouvé des notes avec les noms des artisanes qui les ont créées : Akulina Nikiforova et Paraskeva Maximova.

L’autel occupe la place principale de l’église il se trouve derrière l’iconotase. Sa partie centrale est soulignée de six colonnes dorées entrelacées de guirlandes de fleurs et de six pilastres. Un fronton triangulaire avec deux figures d’anges ailés sur les pentes et un grand rayonnement au centre complète la porte centrale.

Le plafond de l’autel est fermé par le plafond pittoresque «Gloire du Saint-Esprit», sur lequel les têtes d’anges de l’académicien Andrei Belloli sont représentées dans les nuages.

Le plafond de la salle principale de l’église était recouvert d’un grand plafond pictural «Ascension du Christ». Au XVIIIe siècle, le plafond a été peint par l’artiste Giuseppe Valeriani, et après l’incendie de 1820, il a été peint par le professeur de peinture Vasily Shebuev. Au cours de la Grande Guerre patriotique, la composition centrale multifigurée du plafond a été perdue.

Restauratrice travaillant à la redorure de la partie centrale représentant le symbole divin avec l’inscription en hébreu du nom de Dieu, situé au dessus des portes royales entre deux anges.

 

Nous regrettons que le plafond de l’église n’a pas été préservé. Il a été décidé de le laisser vierge de toute décoration. Il est prévu de remplacer le plafond peint par une démonstration interactive visuelle soigneusement réalisée.

Le président russe Vladimir Poutine lors de sa visite pour la fin de travaux de restauration de l’église de la Résurrection du Christ dans le palais Catherine à Tsarskoïe Selo. 10 avril 2019. La restauration de l’Église de la Résurrection du Christ du Palais de Catherine a été rendue possible grâce au soutien financier du PJSC Gazprom.

 

Exposition Ilya Efimovich Repin ( 1844 – 1930 )

175ème anniversaire de sa naissance

Jeudi 3 octobre 2019 – lundi 9 mars 2020

Palais Château Mikhailovsky, Saint Petersbourg

 

Ilya Efimovitch Répine est né le 24 juillet 1844 à Kharkov, il est mort le 29 septembre 1930 à l’âge de 86 ans et a été enterré dans le parc de sa succession “Penates”.

2019, marque le 175e anniversaire de la naissance d’Ilya Efimovich Repin, le plus grand peintre de la seconde moitié du XIXe siècle, dont le nom est associé à l’affirmation et à l’épanouissement du réalisme dans les beaux-arts russes. Cette grande exposition anniversaire de l’artiste comprendra des œuvres du musée russe, de la galerie nationale Tretiakov, du musée d’art Ateneum (Finlande), du musée national des beaux-arts nommé d’après A.S. Pushkin, Museum-Estate I.E. Repin “Penates”, le musée-réserve Abramtsevo et d’autres collections de musées et collections privées. L’exposition présentera plus de 250 peintures et œuvres graphiques. Il s’agit de chefs-d’œuvre reconnus du maître et de ses œuvres peu connues, ainsi que des objets commémoratifs liés à la vie et au travail de l’artiste.

En 1902, A.N. Benoit écrit un essai sur Répine pour “Histoire de la peinture russe” : «Repine est une personne complète, mais pour l’histoire, il n’est pas encore prêt… à faire son travail, une évaluation appropriée n’est pas possible pour le moment.
Le maestro lui-même, après la publication de Benoit a réalisé de nombreux travaux très intéressants.
Dès lors, grâce aux efforts de la propagande soviétique (fortement “traité” par l’auteur), Repine bien que n’étant pas le principal peintre russe, devint le maître de tous les temps, incarnant de manière exhaustive son époque et quelques vérités intemporelles sur la Russie, son peuple et son destin historique, apparence et mérite des plus grands maîtres de la culture nationale.

Les bateliers de la Volga 1873 huile sur toile. Médaille de bronze à l’Exposition universelle de 1873 à Vienne.

Il semble que cette exposition devrait aider, au moins à formuler les problèmes de la créativité de l’artiste, en rapport avec l’environnement idéologique, dans la multitude de réponses de ses contemporains, face aux bouleversements artistiques et sociaux, dont Repine était devenu un témoin.

Café de Paris , 1875 huile sur toile

Son grand talent, lui donne le droit à être l’un des plus talentueux visionnaire  de l’histoire, non seulement pour l’art russe, comme le déclare Benoît, arbitre impartial et reconnu.

Zaparog, les cosaques 1880-1891. Huile sur toile.

De ses études académiques, “plâtre antique” et des modèles,  à la nature, aux espaces ouverts de la Volga jusqu’au peuple affligé, le chemin de Répine le mène au sort de l’intelligentsia russe troublée et aux relations ambiguës avec la bureaucratie.

Conseil d’État, 1901-1904,  400 x 877 cm, 48 études de portraits.

Ce qui était prédéterminé pour l’artiste  d’origine modeste, ayant des contacts étroits avec ceux qui recherchent des mises à jour de l’art russe : I. N. Kramsky et V. V. Stassov, F. A. Vasiliev et V. A. Serov.

Le critique d’art Vladimir Stasov et l’écrivain Maxim Gorki en visite à Répine.

Il convient de noter que Repine était un homme de son temps, il admirait:  N. G. Tchernyshevsky, D. I. Pissarev, ainsi que les “seigneurs des esprits” étrangers: C. Darwin, P.-J. Proudhon, L. Buchner. Pendant toute sa vie, il a gardé un vif intérêt, une respectueuse attitude envers les sciences naturelles et les sciences humaines, qui ont sans aucun doute influencé sa créativité.

«Visage, l’âme de l’homme, le drame de la vie, les impressions de la nature, et le sens de sa vie, l’esprit de l’histoire – c’est notre sujet», écrivait le peintre.

 

Sadko, 1876 Huile sur toile.

Konstantin Chukovsky, qui s’est lié d’amitié avec Repine dans ses dernières années, décrit comment, en 1913,  Repine visitant son exposition à St Petersbourg, découvre une nouvel accrochage de ses toiles et une présentation inhabituelle pour lui.

Bolchevique (soustrait le pain d’un enfant)

Probablement un panorama holistique de sa propre créativité, et  l’approbation de l’exposition fut  le plus grand éloge de son auteur.

Maison atelier d’ Ilya Efimovitch Répine “Les Pénates “, à 45km de Saint-Pétersbourg, au bord du Golfe de Finlande.

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Palais Château Mikhailovsky,

Sadovaya, 2, Saint Pétersbourg

Métro : Gostiny Dvor , perspective Nevski , Chernyshevskaya

Horaires :

Fermé le mardi.

Lundi : 10h-18h

Mercredi  : 10h-18h

Jeudi : 10H-21h

Vendredi, samedi et dimanche : 10h-18h

 

 

” Foire de Sibérie “

Dimanche 12 janvier 2020 à 15h

Église Saint Antoine & Sainte Catherine,

4000 Liège

– Chant diphonique sibérien ;
– Défilé de costumes traditionnels de Sibérie ;
– Danses traditionnelles de Sibérie ;
– Animation pour enfants et adultes.
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Église Saint Antoine & Sainte Catherine
En Neuvice 54, 4ààà Liège.

Réservation souhaitée par téléphone 0494 10 46 85 ou courriel : meridian.asbl at gmail.com
PAF 10 euros à verser au compte BE84 0682 4450 1459 ou à payer sur place

 

” 100 siècle de Présence et de Culture russe. “

en Belgique

NADEJDA de Valérie Felder, chansons de Vadim Piankov

l’ensemble Karandach, Buffet,

Dimanche 1er décembre 2019 à 143

Centre Tour à Plomb, Bruxelles

Maison russe vous invite en famille et entre amis à venir découvrir 100 ans de présence et de culture russe en Belgique avec l’avant-première du documentaire “Nadejda” de Valérie Felder.

Une conversation amicale qui devient un film documentaire. Film réalisé pendant 2 ans.

Maxime découvre les silences de son histoire….

Ce n’est pas un film historique mais plutôt un film sur ce qui peut nous habiter lorsque nous avons une double culture. C’est un long métrage de 100 minutes qui retrace 100 ans de présence et de culture russe en Belgique. Il y a beaucoup de musiques et de chansons dans ce film avec Vadim Piankov

Vadim Piankov est né en 1963 à Krasnodar, la capitale du Sud de la Russie. Il entame sa carrière artistique dans la ville de Saratov où il fait les premiers pas sur les planches. Il part à la conquête de la capitale pour rentrer dans la meilleure école de cinéma en Russie, le VGIK. C’est durant cette période qu’il découvre l’œuvre de Jacques Brel qui a bouleversé son existence et  lui a ouvert un nouveau monde poétique. C’est grâce à ces chansons que Vadim devient francophone et francophile. Il fait ses premières traductions de Brel et les chante devant des spectateurs intrigués sur l’Arbat, la célèbre rue d’expression artistique au centre de Moscou. Cette expérience lui permet de développer son talent d’interprète, de rencontrer de nouveaux publics. Plus tard, il décide de partir à la découverte de la Belgique. Il  débarque dans les cafés chantants de Bruxelles. En 1999, la chaîne de télévision belge RTBF le choisit comme interprète de la chanson de Brel, « Ne me quitte pas », dans l’émission « Chanson du siècle ».

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Buffet de spécialités russes et la présence du groupe de musique russe Karandash, composé de musiciens d’origine russe, Yashko Golembiovsky, Iliya Stepanow et Iliyoucha Stepanow,  nés en Belgique, de parents ou grands parents issus de l’émigration et Katia Katanova, venue s’ajouter récemment. Elle est violoniste et diplômée des conservatoires de Moscou.

Ils vont vous faire revivre l’expression lyrique russe, qui parle de la haine de la guerre, du goût de la liberté, des peines et des joies de l’amour, de la fraternité humaine, de la tendresse, de la bonté, du courage. Avec le groupe Karandash vous sentirez l’espace d’un instant les plaines de la Russie avec des chevaux volants dans les steppes avec la fougue des tziganes qui les montent.

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Le Centre culturel et sportif Tour à Plomb est un centre de proximité dédié aux diverses formes de réflexion, d’expression et de création, qu’elles soient culturelles, socioculturelles, artistiques ou sportives. Il dépend du service Jeunesse de la Ville de Bruxelles.

En tant qu’infrastructure de proximité, le Centre Tour à Plomb est mis prioritairement à la disposition des bruxellois et plus spécifiquement des habitants et des groupes structurés (associations sans but lucratif, services et institutions publics,…) du quartier Jardin aux Fleurs.

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Centre culturel et sportif Tour à Plomb
rue de l’Abattoir, 20-26, 1000 Bruxelles
Tél : 02 279 59 26
PAF : 13€
Réservation : valerie.felder@gmail.com

” Noël au couleurs de la Russie “

Schola Camille Jacquemin

Invités :

Véronika Voronova, piano et domra

Valentina Liegois, piano.

Samedi 14 décembre 2019 à 20h

Dimanche 15 décembre à 16h 30

Église St Martin,6953 Forrières (Belgique)

Cette année 2019, la Schola Camille Jacquemin a fêté ses 70 ans d’existence et l’achèvera en beauté avec ces concerts vocaux et instrumentaux de Noël aux accents particuliers de la Russie.

Outre les nombreux chants originaires de la Russie Éternelle qui vous seront présentés, la Schola aura le plaisir d’inviter Veronika Voronova, pianiste de talent qui nous présentera également la domra, un instrument de la tradition russe encore peu connu chez nous. Elle sera accompagnée de sa fille, la jeune Valentine Liegeois, qui est elle aussi pianiste

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La nef de l’église St-Martin, de style néo-roman, offre une excellente acoustique grâce à son plafond plat en bois et son chœur hémisphérique. Le son y est admirablement projeté sur toute sa longueur, et aucun auditeur n’est lésé, peu importe où il se situe dans la nef.
Des gradins seront disposés dans le fond de l’église afin d’améliorer encore l’écoute et le visuel.
Il est vivement conseillé de réserver vos places, les sièges seront numérotés et vous seront attribués prioritairement en pré-vente.

Église Saint-Martin, 6953 Forrières, Belgique

Entrée : 10 € / moins de 12 ans : gratuit / Réservation par prévente : 8 €

Réservation à partir du 15 novembre:
Tél :084 21 37 50, Mme Laurent de 19 à 21 heures
Tél : 084 21 01 84, Mme Dehez de 18 à 20 heures

Résultats du Festival 2019

” SOIREES du CINEMA RUSSE de BORDEAUX “

Mercredi 15 janvier 2020 à partir de 19 h

Centre du Cinéma Documentaire (CDK), Moscou.

 

L’association
“Centre des Festivals France-Russie”

vous souhaite de bonnes fêtes de la fin d’année!
Veuillez accepter nos vœux les plus chaleureux et les plus sincères!
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Dans l’année nouvelle nous partagerons avec vous encore plus de nouveaux films, d’événements intéressants et de rencontres créatives inoubliables!
Merci de votre intérêt envers notre activité!

ÉCHO DU FESTIVAL 2019
« SOIRÉES DU CINÉMA RUSSE DE BORDEAUX »

 MOSCOU


AU PROGRAMME
18 h 30

Inscription des invités.19 h – 19 h 15

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REMISE  DES  PRIX

19 h 15 – 21 h 00

Projection des courts métrages
ayant rtemportés les Prix section
” In Ciné véritas “
à Bordeaux
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Grand Prix
Coquille. Année 2019. Réalisé par Anna OZAR
Film de fiction. 13 min.Meilleur film de fiction
Romance pour le cord’harmonie. Année 2019. par Irina KIREEVA
Film de fiction. 14 min.
Point de bifurcation. Année 2018. Réalisé par Léonid GARDASH
Film de fiction. 20 min.6
Prix pour le traitement profond et brillant du sujet
023 Moscou – Paris. Année 2019. Réalisé par Miloslava VYBORNYH
Film de fiction. 12 min.
6
Meilleur film documentaire
Patsantchiki. Année 2019. Réalisé par Kristina ALEXANDROVA
Film documentaire. 16 min.
6
Meilleur film d’animation
Inanité. Année 2018. Réalisé par Alexey TURKUS et Alexey SHELMANOV
Film d’animation. 18 min.
6
Meilleur vidéo-clip lyrique
Au nom de… 2019. Réalisé par Oleg ROGACHEV et Marina KUDRYASHOVA
Vidéo-clip lyrique. 6 min.
6
Meilleur vidéo-clip musical
Sucre – Masha Maria. Année 2019. Réalisé par Polina KUDRYAVTSEVA
Vidéo-clip musical. 3 min.

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21h00
Dé gustation des vins et cocktails légers.

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PARTENAIRES
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L’événement est soutenu par
Institut français de Russie à l’Ambassade de France en Russie
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Entrée libre!

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A très bientôt en 2020!

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Centre du Cinéma Documentaire(CDK)
Musée de Moscou
2, Zoubovsky Boulevard, bâtiment 7, Moscou
RÉSERVATION :  Courriel cffr@centerfest.ru
Tel. +7 965 315-33-30
Contacts:

Site internet:http://www.centerfest.ru/bxfest/
Facebok : www;facebook.com:soirees.russe
Instagram: @cinema.russe.bordeaux

Fête festive 2020 

Concert de Noël et du Nouvel An Russe

Dimanche 12 janvier 2020 à 15 h

Musée Charlier, 1210 Bruxelles

(Saint-Josse-Ten-Noode)

Selon le calendrier julien, le Noël russe a lieu après la Saint-Sylvestre le 6 janvier: une occasion idéale de profiter ensemble d’un concert réchauffant les cœurs suivi d’une charmante réception.
Concert avec harpe russe, piano et chant avec des variations et des fantaisies mélodieuses sur le thème de la période hivernale de Noël et du Nouvel An.
Vous pourrez entendre entres autres des airs traditionnels et des pièces classiques et romantiques composées par A. Vivaldi, V. Malyarov, N. Rimsky-Korsakov, A. Arenski, A. Alyabyev, P. Tchaikovsky, I. Dunayevsky.
Les places étant limitées,
réservation souhaitée.
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Le musée Charlier est un hôtel de maître de la fin du XIXe siècle situé en plein cœur de Bruxelles, au 16 de l’avenue des Arts. Son propriétaire, le mécène et amateur d’art Henri Van Cutsem, le fit aménager intérieurement en 1890 par Victor Horta. Il y accueillit le sculpteur Guillaume Charlier qu’il soutint dès sa sortie de l’académie des beaux-arts de Bruxelles – ami de toute une vie dont il fit son légataire. Après la mort de Van Cutsem, en 1904, Guillaume Charlier poursuivit l’œuvre de son ami en collectionnant des œuvres d’artistes belges, ses contemporains. L’hôtel particulier avec toutes ses collections fut légué en 1925 à la commune de Saint-Josse-ten-Noode sous condition qu’il devint musée public, inauguré le 21 octobre 1928.

Musée Charlier
avenue des Arts 16
1210 Bruxelles

 (Prix non communiquer encore )

Accueil & Renseignements: 02 220 26 91
lundi au jeudi  9 h à 16 h / ven 10 h à 12 h ou info at charliermuseum.be
En collaboration avec Femigra vzw/asbl et Russischhuis

Bus: 200 m, ligne: 29-63-65-66

Métro: Arts-Loi & Madou

 

44ème Festival International

du Cirque de Monte-Carlo 

 

Du jeudi 16 janvier au dimanche 26 janvier 2020

 

Chapiteau de Fontvieille, Monte-Carlo

 

Horaires en bas de l’article

 

Le Festival International du Cirque de Monte-Carlo se base, depuis sa création en 1974 par le Prince Rainier III, sur les 3 colonnes de l’Art du Cirque et de sa Culture, qui sont l’acrobatie, la comédie et les animaux. Les animaux du cirque sont donc de vrais artistes et font partie de la grande famille du cirque. Nous devons conserver ce bel héritage qui fait partie de notre patrimoine. Que vive le Cirque !

S.A.S. La Princesse Stéphanie de Monaco constitue aujourd’hui la cheville ouvrière de la manifestation créée en 1974 par le Prince Rainier III.

A ce titre, elle s’implique pleinement et dans la conception et dans l’organisation des spectacles avec le souci majeur de respecter le Cirque traditionnel, de sélectionner les meilleurs numéros internationaux et d’apporter Son professionnalisme dans la mise en scène du Festival.

Prix : Clown de bronze, d’argent et d’or.

Du 16 janvier au 2 février 2020 la Principauté va à nouveau devenir la capitale mondiale du cirque.
Placées sous la présidence effective de S.A.S. la Princesse Stéphanie, le Festival couronnera, avec les Clowns d’Or les meilleurs artistes du moment que le public aura la chance de pouvoir découvrir sous le célèbre chapiteau de Fontvieille.

Le 44e Festival accordera cette année une place d’honneur à la plus belle conquête de l’Homme, le Cheval. Chevaux arabes, frisons, étalons espagnols et portugais seront présentés par l’équipe écuyère du Cirque national suisse Knie avec en piste les représentants des plus grands familles circassiennes, Ivan Knie et Maicol et Wiorris Errani.

– Ainsi Maicol Errani, gendre de Fredy Knie Junior, présentera un carrousel unique au monde avec 30 chevaux dressés par Fredy Knie Junior et issus des écuries du célèbre cirque suisse Knie, dont on célèbre cette année le 100e anniversaire.

Le chapiteau se transformera en véritable temple du cheval et le numéro en un véritable ballet équestre !

– Sergey Nesterov travaillera avec cinq tigres blancs dont il a su, par la qualité de son dressage, sa douceur et la confiance instaurée entre lui et ses partenaires, tirer le meilleur. C’est une véritable complicité qui règne entre les fauves et le dresseur qui parvient même, à la fin du numéro, à s’allonger sur les cinq tigres blancs couchés sur la piste.

– Le fil rouge du spectacle sera cette année assuré par le « Prince des clowns » Henry Ayala dont les nombreux gags émailleront les soirées. Et cet artiste complet, comme il en existe très peu, prouvera également ses qualités de… funambule !

L’acrobatie, autre pilier du cirque traditionnel, illuminera la piste de Fontvieille, avec entre autres la Chine et un surprenant tableau composé d’assiettes volantes.

 Enfin, les Dandys feront sensation à la barre russe avec un enchaînement de prouesses techniques : triples sauts périlleux avant et arrière, triples sauts carpés avant et arrière combiné avec des pirouettes… du jamais vu !

Et, plein d’autres numéros ….

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Jeudi 16 Janvier 

20 h Spectacle de Sélection1er programme

Vendredi 17 Janvier

à 20 h Spectacle de Sélection2e programme

Samedi 18 Janvier 

de 15 h à 16 h OPEN DOOR Les animaux du Cirque

/ Répétitions publiques commentées / ENTRÉE LIBRE

à 20 h Spectacle de Sélection

1er programme

Dimanche 19 Janvier 
à 10h30 Spectacle de 2 h – Tarif réduit

à 15 h Spectacle de Sélection

2e programme

Lundi 20 Janvier

à 19 h Célébration Œcuménique au chapiteau de l’Espace Fontvieille

à 20 h20 FIGHT AIDS CUP 2020

Match de foot de Charité au Stade Louis II

Mardi 21 Janvier

à 20 h Soirée de Gala avec REMISE DES PRIX

PALMARÉS 2020

CLOWN D’OR

Cavalerie du cirque Knie, Photo Sébastien Botella

  • La Cavalerie du Cirque Knie présentée par Ivan Frederick Knie et Maicol et Wioris Errani
  • Martinez Brothers
  • Les Tuniziani

CLOWN D’ARGENT

Sergey Nestorov ses tigres blancs. Photo Sébastien Botella

Sergey Nesterov et ses tigres blancs.

Troupe Acrobatique de Shandong

Troupe Ayala et Henry le Clown

The Dandy’s

CLOWN DE BRONZE

Flash of Splash (Yevgueni Abakoumov & Amalaïa Avasïan)

Flash of Splash

Troupe Efimov

The Bingo “5 boys”

Troupe Zola du Mongolia Circus

Parade des artistes . Photo Sébastien Botella

Liste complète des prix : CLIQUEZ

Mercredi 22 Janvier

à 14h30 Show des vainqueurs

à 20 h Show des vainqueurs

Jeudi 23 Janvier

à 20 h Show des vainqueurs

Vendredi 24 Janvier

à 20 h Show des vainqueurs

Samedi 25 Janvier

à 14h30 Show des vainqueurs

à 20 h Show des vainqueurs

Dimanche 26 Janvier 

à 10h30 Spectacle de 2 h – Tarif réduit

à 14h30 Show des vainqueurs

à 19 h Show des vainqueurs

 

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Tarifs

Tarifs: https://tickets.montecarlofestival.mc/share/template/static/tarifs_infos_2020_fr.pdf

La billetterie en ligne est ouverte.
La billetterie au Chapiteau de Fontvieille est ouverte du lundi au vendredi de 10h à 13h et de 14h à 19h, samedi de 10h à 13h et de 14h à 18h.
Plus de renseignements : Tél +377 92 05 23 45.